CU.SP.I.D.E.magazine

A proposito di Marisa Merz

2012-01-30T05:49:00.001-08:00

Fino al 06.I.2013

A proposito di Marisa Merz

MAXXI - Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo

Il MAXXI si rinnova: la recente acquisizione di un’opera della Merz diventa il nucleo per il nuovo percorso museale.

Il 27 gennaio è stata inaugurato il nuovo percorso museale nella galleria 4 del MAXXI, dedicato alla signora dell’Arte Povera: Marisa Merz. Punto focale della mostra è un’installazione recentemente acquistata dal museo e realizzata tra il 2009 e il 2010 dall’artista torinese. Nell’opera sono combinati tutti i materiali da lei prediletti e che hanno caratterizzato la sua ricerca artistica: argilla, pietra, rame e carta dialogano insieme all’interno di uno spazio ben delineato e in comunicazione con l’ambiente circostante. Uno spazio privato e pubblico allo stesso tempo, dove la forma concava del grande dittico sembra abbracciare e accogliere lo spettatore al suo interno, nel quale verrà svelata una dimensione raccolta e di intima riflessione. Se è vero che l’antico nobiliti il contemporaneo, è vero anche il contrario; infatti la Merz ha saputo rende omaggio all’arte sacra italiana recuperando l’emblematico tema della Sacra Conversazione, con fluttuanti figure angeliche e l’utilizzo simbolico del colore blu. L’aspetto visionario di molte opere di Marisa Merz, è dato proprio da quelle figure, che riflettendosi sulla lastra di rame adagiata a terra, sembrano uscire dal loro spazio circoscritto e entrare in quello dello spettatore.

È proprio questa installazione a tracciare le trame dell’intera collezione, composta non solo da opere dell’artista, ma anche da un’installazione di Mario Merz, e intorno alla quale ruotano le opere delle artiste della generazione successiva: Rosa Barba, Elisabetta Benassi, Ketty La Rocca, Luisa Lambri, Claudia Losi, Paola Pivi, Rosemarie Trockel, Kara Walker; le quali proseguendo la ricerca tracciata dalla corrente dell’Arte Povera, ne hanno ampliato la portata arricchendola di una dimensione esistenziale.

Senza Titolo, 2010. Legno, pietra, terracotta e rame.

A partire dagli anni settanta Marisa Merz inizia a lavorare alla serie delle “Teste”. Le piccole sculture in cera o argilla sono una continua sperimentazione sulla materia, con la quale vengono delineate i contorni di figure femminile, a metà tra l’autoritratto e la rappresentazione di silhouette eteree ed evanescenti. Nel corso degli anni il processo manuale diventa sempre più evidente, fino a perdere qualsiasi appiglio alla realtà e diventando sempre più incorporee alla maniera di Medardo Rosso.

Il MAXXI espone una “Testa” realizzata nel 1983 in bronzo, caratterizzata da mani affusolate che racchiudo la testa in un abbraccio, introducendo così quell’immancabile aspetto privato dell’artista, che rievoca la protezione materna per sua figlia.

Femminilità, intimità e spiritualità diventano il comune denominatore della collezione esposta al museo. Figure femminili ultraterrene, inquietanti e attraenti allo steso tempo, sono le protagoniste delle serie di dipinti degli anni ottanta, come anche della serie dei “Cartoni blu”. Lo stesso accade per gli strumenti musicali, dalle forme evanescenti, appena accennate che rimandano alla semplicità della musica attraverso un complesso accostamento di materiali diversi. Si tratta dell’opera appartenente alla serie “Violini”, sculture in paraffina, piombo e legno in cui un getto d’acqua dona sonorità a questo silenzioso strumento musicale.

"Non c'è mai stata alcuna separazione tra il mio lavoro e la mia vita", ha dichiarato l’artista. Una frase che riflette chiaramente come il problema della dicotomia tra arte-vita è posto al centro del suo processo creativo. La continua oscillazione tra dimensione pubblica e privata ha portato alla realizzazione di opere discorsive, che dialogano con lo spettatore raccontandogli della loro esistenza, generata da fatti privati dell’artista come la nascita della figlia Bea, alla quale sono dedicate molte delle sue opere, ricordiamo “Scarpette” (1966) e “Altalena per Bea” (1968). “Quel che bisogna misurare non è la dimensione della tela, ma è la propria memoria. L’arte è una cosa mentale”, così l’artista ha definito il suo processo mentale, una continua ricerca di equilibrio tra la materia e il sentimento.

Il ménage di materiali “poveri” appartenenti alla dimensione del quotidiano, sembrano derivare dagli assemblaggi di Picasso e dai mobile di Calder, introducendo così nell’opera la nozione di gioco e di piacere. Un interesse, quello per le qualità dei materiali, che si traduce in una progettualità semplice, grazie all’utilizzo di tecniche manuali tradizionalmente considerate artigianali o prerogativa del lavoro femminile, sovvertendone però la destinazione, negandone la funzionalità quotidiana e dotandole di piena dignità artistica. I materiali privilegiati dall’artista sono leggiadri e vibranti, lavorati prevalentemente con gesti semplici ed essenziali: la lana, la cera, il sale, il filo di rame, il nylon, la paraffina. Le sue opere sono sempre caratterizzate da una vena lirica e visionaria, legata alla dimensione intima e privata, tratto quest’ultimo che la allontana progressivamente dagli artisti dell’Arte Povera.

Marisa Merz nasce a Torino nel 1931. Nel 1950 incontra Mario Merz che presto sposerà e dal quale avrà una bambina, Beatriz (Bea) Merz. Esordisce nel 1966 con un’esposizione organizzata nel proprio studio. Nel 1968 partecipa alla collettiva “Arte Povera + Azioni Povere” curata da Germano Celant ad Amalfi. Nel 1972 partecipa alla XXXVI Biennale di Venezia, dove presenta “Ad occhi chiusi gli occhi sono straordinariamente aperti”. Tra le altre tappe importanti della sua vita ricordiamo inoltre la partecipazione alla mostra "Identité Italienne: l'art en Italie depuis 1959" organizzata al Centre Georges Pompidou di Parigi (1981); Documenta 7, Kassel (1982); "The Italian Metamorphosis,1943-1968" al Guggenheim Museum, New York (1994). E le mostre personali: Centro Pompidou, Parigi (1994); Stedelijk Museum, Amsterdamal (1996); Museo Madre, Napoli (2007). Nel 2001 ha ricevuto il premio alla carriera alla Biennale di Venezia. Attualmente vive e lavora a Torino.

roberta fratini

A proposito di Marisa Merz.

26 gennaio 2012 – 6 gennaio 2013

MAXXI - Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo

via Guido Reni 4 A, Roma

martedì- domenica 11.00-19.00

sabato 11.00-22.00

ingresso: €11; ridotto: €8-4

www.fondazionemaxxi.it

info: tel. 06 39967350

info@fondazionemaxxi.it

Cenerentola

2012-01-30T03:52:00.000-08:00

Roma, Teatro Parioli Peppino de Filippo

La favola di Charles Perrault si colora di comicità.

Ultimo appuntamento ieri per la Cenerentola presentata dalla Compagnia del Balletto di Milano al Teatro Parioli dal 24 al 29 gennaio 2012. Lo spettacolo, uno dei quattro titoli che la compagnia rappresenta in tutta Italia per la stagione 2011/2012 insieme a Romeo e Giulietta, Pierino e il lupo e La vie en rose... chansons, ha debuttato il 30 ottobre al Teatro Comunale di Bologna. Il coreografo Giorgio Madia ha traslato l'ambientazione della favola negli anni Cinquanta: lo stereotipo femminile delle donne-bamboline, bellissime come Barbie ma relegate al ruolo casalinghe, ben si addice alla situazione della protagonista. L'allestimento di Madia è basato su musiche di Gioachino Rossini, selezione che egli stesso ha compiuto creando una sorta di pastiche delle composizioni più famose: da alcune arie tratte dalla Cenerentola, alle ouverture delle più celebri opere rossiniane, fino ad inserire brani del repertorio strumentale.

Nel primo atto l'antefatto, ossia la morte della madre, il matrimonio del padre e poi la morte di quest'ultimo, è filtrato da un drappo bianco, per richiamare le ombre del passato.

Sollevato questo velo la scena si apre sul palazzo in cui dimora Cenerentola: la protagonista, posta sul fondo della stanza, è vestita in maniera identica alla tappezzeria in damascato bianco e grigio, a riprova che viene considerata alla stregua del mobilio. Spicca per contrasto la Matrigna, in un taffetà bordeaux, e non sono da meno le Sorellastre in camicie da notte giallo ocra e rosa, con due fiocchi giganti sulla testa. Cenerentola si barcamena tra l'aiuto alle Sorellastre e le faccende domestiche, e sulle note di “Una volta c'era un re” (Cenerentola, I, 1) danza il suo assolo per evadere dalla routine.

Con l'arrivo dell'invito al gran ballo tutta la casa viene sconvolta, ma ovviamente a Cenerentola viene proibito: eloquente il podio portato in scena con le Sorellastre a pari merito al primo posto e ultima la servetta. Giunge in aiuto una fatina alquanto sexy (con tanto di guêpière e calze autoreggenti), che prima si incastra maldestramente nel camino, e poi arriva in soccorso con una carrozza magica che porta Cenerentola al castello, accompagnata dall'Ouverture del Guglielmo Tell. Il pubblico si aspetta il cambio d'abito, che avviene fuori scena, mentre l'atto si chiude con la Fata che rincorre con il vestito in mano la sbadata protagonista.

Il secondo atto si apre sul ballo a palazzo reale: la Matrigna, questa volta in ciclamino, e le Sorellastre, vestite di giallo canarino con l'enorme fiocco, una sulla pancia e l'altra sulla schiena, risaltano tra la corte elegante per la loro goffaggine. Con l'Ouverture della Gazza Ladra il Principe, un po' spocchioso, fa il suo ingresso solenne, mentre gli adulatori gli si prostrano ai piedi e le dame svengono al suo passaggio; la Matrigna stessa si fa zerbino per lui e le Sorellastre in esilaranti gag tentano di sedurre il malcapitato. Avviene finalmente l'incontro tra il Principe e Cenerentola, e dopo il mancamento di quest'ultima, fatta rinvenire a suon di schiaffoni, i due iniziano un passo a due nella penombra, perdendosi l'una nell'altro. La Fata sexy torna in scena a ricordare che è l'ora della mezzanotte, rintoccata da un orologio gigante, e la protagonista fugge perdendo la scarpetta. Il Principe non si dà pace sull'aria “Sì ritrovarla io giuro” (Cenerentola, II, 2) e interviene di nuovo la Fata sexy “pescando” letteralmente il ragazzo con la scarpa gemella di quella smarrita dalla fanciulla.

La scena si sposta a casa di Cenerentola di nuovo alle prese con le Sorellastre, tornate dal ballo ubriache, e la Matrigna, sbronza e con tanto di giovanotto rimorchiato al ballo. Arriva il Principe, e anche se un po' sconcertato dalla casa in cui è capitato, non si dà per vinto e cerca di far entrare con grandi sforzi la scarpetta nei piedoni delle signore presenti; Cenerentola viene nascosta da un paralume ma alla fine prova la scarpetta e sul sestetto “Questo è un nodo avviluppato” (Cenerentola, II, 8) la vicenda in realtà si scioglie: l'atto si conclude con i festeggiamenti a palazzo reale e il sipario cala sulle due Sorellastre scalpitanti a terra, trascinate via per i piedi.

Una Cenerentola insomma improntata più sull'ironia che sul romanticismo: ingredienti cardine sono stati la scenografia e i costumi di Cordelia Matthes, e le coreografie impastate di danza classica, contemporanea, elementi acrobatici e una gestualità comica e brillante.

sara iacobitti

Gli Innamorati Immaginari

2012-01-30T03:45:00.000-08:00

TEATRO INDIA

31 Gennaio | 10 Febbraio 2012

Mimi, acrobati, giocolieri, cantori, musici, danzatori e comici.

Signori, va in scena la Commedia dell’Arte.

Martedì 31 gennaio al Teatro India debutta in prima nazionale

lo spettacolo scritto e diretto da Leonardo Petrillo

Gli Innamorati Immaginari

interpretato da 16 giovani attori

del Laboratorio sulla Commedia dell’Arte promosso dal Teatro di Roma

in scena fino a venerdì 10 febbraio

Debutta martedì 31 gennaio con repliche fino a venerdi 10 febbraio, al Teatro India di Roma, Gli innamorati Immaginari, uno spettacolo scritto e diretto da Leonardo Petrillo, da antichi canovacci della commedia dell'arte, realizzato nell’ambito del progetto promosso dal Teatro di Roma sulla Commedia dell’Arte.

Interpretato da 16 giovani attori, lo spettacolo è diviso in tre atti, ciascuno di nove scene, nel rispetto delle regole proprie della Commedia dell’Arte, con tre entrate al massimo per attore ad ogni scena. Con il regista Leonardo Petrillo hanno lavorato all’allestimento: Nando Citarella alle musiche, Gerardo Porcelluzzi alle coreografie, Bruno Lomele maestro d’armi, Memo Dini ai movimenti acrobatici e Paolo Scannavino alle giocolerie.

Gli innamorati immaginari, ovvero chi si somiglia non si piglia, racconta di Cinzio che è innamorato di Angelica, giovane vedova innamorata a sua volta di Capitan Matamoros, il quale però ama Isabella che invece è disperatamene innamorata di Cinzio.

Il complicato intreccio di passioni e di desideri viene sciolto dall'intervento dei servitori di Cinzio e del Capitano, Pulcinella e Arlecchino. Avversati e ostacolati nelle loro “mosse” da Pantalone, e in lite amorosa per Felicetta, i due condurranno gli innamorati a formare due felici coppie naturali.

Lo spettacolo, rivisitando un genere teatrale tra i più autorevoli al mondo, precursore di forme e linguaggi dell’arte della scena e dello spettacolo dal vivo, offre la preziosa occasione al pubblico di un ritorno – assai godibile tra l’altro – alle radici di quello che è oggi il teatro.

In scena, nei ruoli di Angelica, Sara Putignano, Rosa Rongone; di Arlecchino, Pietro Quadrino, Savino Maria Italiano; del Capitano, Ivan Picciallo, Lelio Naccari; di Cinzio, Federico Passi, Manuel Fiorentini; di Felicetta, Caterina Fiocchetti, Viviana Picariello; di Isabella, Elisabetta Mandalari, Chiara Spoletini; di Pantalone, Valerio Amoruso, Luca Bondioli; di Pulcinella, Antonio Gargiulo, Giuseppe Pestillo.

Lo spettacolo proseguirà le repliche al Teatro Tor Bella Monaca dal 24 febbraio al 4 marzo.

TEATRO INDIA

31 gennaio – 10 febbraio

Ufficio promozione Teatro di Roma: tel. 06.684.000.346

www.teatrodiroma.net

Biglietteria Teatro Argentina: tel. 06.684.000.311 (ore 10-14;15-19 lunedì riposo)

Teatro India, Lungotevere V. Gassman, Roma

Apertura botteghino ore 17-21 nei giorni di spettacolo- tel. 06.684000311

Biglietto: € 18 e ridotto € 14.

Orari: martedì 31 gennaio ore 21 – mercoledì 1 ore 19 – giovedì 2 febbraio ore 10.30 – venerdì 3 febbraio ore 19 - sabato 4 febbraio ore 21 – domenica 5 febbraio ore 17- lunedì 6 febbraio riposo - da martedì 7 febbraio a venerdì 10 febbraio ore 19.30

durata dello spettacolo 1 ora e 40 minuti

Frenologia della vanitas

2012-01-30T03:41:00.000-08:00

Il teschio nelle arti visive

di Alberto Zanchetta

La Triennale di Milano e Johan & Levi Editore in collaborazione con il Bookstore Skira Triennale sono lieti di annunciare l'incontro dedicato al volume Frenologia della Vanitas di Alberto Zanchetta. Con l'autore è presente il critico d'arte Marco Meneguzzo.

Giovedì 2 febbraio ore 18.30

Bookstore Skira Triennale

Viale Alemagna 6, Milano

Tel. 02 72018128

Il saggio ripercorre la storia del teschio nell'arte dell’Occidente e dell’Oriente, dalla preistoria attraverso il Medioevo e dal Seicento fino ai primi anni del Terzo Millennio con specifici approfondimenti sulla grande proliferazione del macabro nella cultura europea, su come lo spazio della vita e il tempo della morte convivano in città come Napoli e Palermo e sulla diversa concezione della morte in Messico e in Cina.

Da un’idea originaria di trattamento del tema del teschio nell’arte contemporanea, Alberto Zanchetta amplia magistralmente l’orizzonte includendo nella sua indagine un arco di tempo molto più esteso, fino a costituire una ossimorica “cronistoria non cronologica” in cui ciò che conta non è lo svolgimento temporale dei secoli ma in qualche modo il sentimento, il tema, l’analogia, che unisce tempi anche fra loro distanti. Un’analisi trasversale, in cui letteratura, musica, teatro, si intersecano all’arte figurativa per tracciare il quadro della resa artistica del teschio nel tempo. Molteplici le espressioni prese in considerazione: graffiti, pittura, scultura, fotografia, video, fumetti, radiografie, e gli enigmatici teschi di cristallo di rocca precolombiani. Oltre cento artisti presi a esempio per illustrare le trasformazioni del teschio nella sua rappresentazione: da Marina Abramovic a Basquiat, da Cézanne a Dalí, De Dominicis, Gligorov, Hirst, Frida Kahlo, Klimt, Warhol, solo per citarne alcuni. Uno stile sempre ironico che alleggerisce il tema e ripara il lettore dalla sua gravità. Del resto Zanchetta cita Stendhal che aveva nutrito l’idea che l’arte fosse una promessa di felicità, e si mantiene nei toni, non nell’argomento, mosso da questa spinta ideale.

Con l'autore ne parla giovedì 2 febbraio il critico d'arte Marco Meneguzzo.

Alberto Zanchetta è critico d’arte e curatore indipendente. Dal 2007 insegna Storia dell’Arte alla LABA di Brescia. Nel 2006 ha pubblicato il pamphlet Antologia del Misogino e nel 2007 il saggio Humpty Dumpty Encomion. Scrive per le riviste Flash Art e Arte e Critica, suoi contributi sono apparsi anche sulle riviste Inside, Around Photography, Espoarte, ArtKey, EQUIPèCO, Arte contemporanea. Ha curato e presentato oltre duecento mostre presso istituzioni pubbliche e gallerie private.

Per informazioni al pubblico:

Bookstore Triennale Tel. 02 72018128

Segreteria di redazione Johan & Levi Editore: tel. 039 7390 330

NO.MA Festival

2012-01-28T10:01:00.000-08:00

CASA DEL JAZZ

NO.MA Festival

domenica 29 gennaio ore 21 (sala concerti)

GLI SCONTATI

Concerto Tributo a Paolo Conte special guest Enrico De Angelis

Con Lorenzo Kruger (voce ) e Giacomo Toni (voce e pianoforte)

In collaborazione con MRF Progetti

martedì 31 gennaio ore 21 (sala concerti)

ANDREA LABANCA

LORENZO LAMBIASE

In collaborazione con MRF Progetti

NO.MA Festival è un idea di festival a forte caratura giovanile che deriva dall’esperienza fortunata delle iniziative di musica letteratura e video fatte da Normali Marziani.

La prima serata, domenica 29 gennaio 2012, sarà dedicata all’ibridazione fra musica e parola: in un’età come quella contemporanea così segnata dalla contaminazione dei generi, può essere interessante dare visibilità ad alcuni progetti di accompagnamento, di fusione, di intensificazione poetica, fra parola e musica. “Gli Scontati”, duo voce e pianoforte, composto da Lorenzo Kruger (voce dei Nobraino) e Giacomo Toni ospiteranno in apertura del loro concerto il giornalista e critico musicale, nonché anima pulsante del Club Tenco, Enrico de Angelis per un tributo al grande autore Paolo Conte. Enrico de Angelis leggerà alcuni brani tratti dal suo ultimo lavoro: “Tutto un complesso di cose. Il libro di Paolo Conte” pubblicato da Giunti Editore.

Sarà il teatro canzone di Giorgio Gaber ed Enzo Jannacci a concludere il No.Ma Festival.Martedì 31 gennaio 2012, Andrea Labanca, milanese con origini lucane, apprezzato dallo stesso Jannacci e da Ivan Della Mea ci presenterà il suo spettacolo “I pesci ci osservano”, un lavoro serio, profondo e spiritoso, opera prima di un autore che dimostra apertamente di avere assimilato ed elaborato al meglio la lezione di maestri come Gaber e Jannacci. A seguire il giovane ed affermato cantautore romano Lorenzo Lambiase, proporrà una piccola antologia che riassume il percorso musicale tra psichedelia, elettronica, pop ed influenze post-rock. Questa dimensione sonora si fonde con la profonda ed attenta ricerca nella scrittura dei testi, plasmando la figura del cantautore alle sonorità più sperimentali e contemporanee.

Calendario e cast artistico

Domenica 29 gennaio 2012

Casa del Jazz

Ore 21,15 Gli scontati special guest: Enrico de Angelis

Gli Scontati - Biografia

Lorenzo Kruger (cantante dei Nobraino) e Giacomo Toni (autore, cantante e pianista) sono la voce e il pianoforte di questo duo, concerto tributo a Paolo Conte: gli Scontati. Una scelta di brani che traccia un profilo vivace del grande autore astigiano. Canzoni scelte per ritmo, dove una voce e un piano bastano a fare lo spettacolo. Qualche ricercatezza ma perlopiù grandi classici, molto conosciuti, quasi "Scontati". Una lettura di Conte, che se Conte non fosse Conte, potremmo definire allegra.

Così il gruppo si esprime su Paolo Conte

E' l'autore italiano che ammiriamo di più per stile e classe. E' quello che si è sempre tenuto più defilato di tutti, disinteressato dalla mischia, votato alla poesia. Personalmente avevo bisogno di tornare a Conte. Rivedere da vicinissimo, da dentro, certe regole che mi hanno influenzato molto. In questo periodo dove la tentazione di essere attualisti è molto forte ho bisogno di ritrovare un elegante distacco dalla realtà.

Eravamo nell'enoteca sotto casa mia, dove nella parete di fondo è sistemato un bel pianoforte a muro. Una sera io e Giacomo dopo qualche bottiglia di sangiovese iniziamo una sfida di pezzi al piano, il territorio su cui ci sfidavamo era appunto il repertorio di Paolo Conte. Dopo diversi scambi, sia noi che il pubblico di amici convenimmo che io cantavo molto bene i pezzi, ma che Giacomo li suonava molto meglio di me. Dopo altre due bottiglie di sangiovese avevamo già messo in piedi "gli Scontati".

Abbiamo scelto i pezzi più allegri che ci sono venuti in mente, perché entrambi veniamo da situazioni live abbastanza coinvolgenti e siamo abituati ad intrattenere il pubblico. Ci servivano pezzi ritmati, che avessero soprattutto un testo su tutta la canzone (Conte è anche molto strumentale, soprattutto dagli anni ‘90 in poi), cose che funzionassero anche solamente piano e voce.

Poi c'è da dire che nonostante le apparenze Paolo Conte ha davvero tutta una produzione, soprattutto nei primi tempi, che è al limite del comico o poco serio e che, selezionata e messa insieme, dà veramente un risultato divertente. Per un certo periodo pensavamo di chiamare lo spettacolo "Stai serio con la faccia ma però" poi la locandina sarebbe diventata troppo verbalizzante…

I brani in repertorio

Da “Wanda” appunto alla “Topolino Amaranto”, “La Giarrettiera Rosa”, “Bartali”, “Onda su Onda”, “Via con me”, “Azzurro”, i pezzi più S- Contati insomma. Poi a dirla tutta abbiamo scelto anche cose meno note, come “Architetture Lontane” e poi anche dei lenti come “Genova per noi” o “Colleghi Trascurati”.

Particolarità dello spettacolo?

Conte è un personaggio davvero elitario e sciccoso, noi lo porteremo in giro senza nessuna distinzione di luogo o di persone, forse il peggiore scherzo che potessimo fargli.

Tre aggettivi per Paolo Conte…

Determinata, Bizzarra, Poesia umana

Enrico de Angelis - Biografia

giornalista e storico della canzone, ha scritto o curato numerosi libri e collane in materia di “canzone d’autore”, espressione da lui stesso coniata nel 1969. Opera all’interno del Club Tenco dall’anno di fondazione, il 1972, e ne è tuttora il responsabile artistico. Presta direzione o consulenza artistica per numerose manifestazioni musicali. Ha lavorato a una serie innumerevole di concerti, rassegne, corsi, conferenze, programmi radiofonici, dischi e pubblicazioni varie.

TUTTO UN COMPLESSO DI COSE. IL LIBRO DI PAOLO CONTE

Giunti Editore - Collana Bizarre

“Un classico, in mezzo a tante, troppe cose scritte su di me” - Paolo Conte

Una biografia completa sarebbe stata faticosa, un saggio musicologico avrebbe corso dei rischi, un libro solo fotografico sarebbe stato poco. Si è scelto così questo zibaldone spumeggiante e sorprendente, questo “spettacolo d’arte varia” con foto, disegni, scherzi, citazioni, ricordi e analisi che somiglia tanto al nostro soggetto: Paolo Conte, jazzista, cantautore, caporchestra, filosofo, enigmista e umorista.

Una presenza originale e intrusiva nella scena musicale del nostro tempo, che da decenni si esprime con dischi e concerti testardamente speciali.

“Un grande autore della letteratura contemporanea”, come propone Giampaolo Dossena nella prefazione, che non dimentica di essere anche “un equilibrista” (parole del diretto interessato) “che in concerto in qualche modo deve arrivare in fondo. E se arriva l’applauso, è proprio l’applauso da circo, da saltimbanco che mi interessa, più della ricerca che qualcuno ha fatto, magari molto bene, sulle mie canzoni”.

All’interno del libro:

testi e dipinti di Paolo Conte

una lunga intervista realizzata da Monique Malfatto;

scritti di Gino Bartali, Roberto Benigni, Riccardo Bertoncelli, Stefano Bollani, Gino & Michele, Annino La Posta, Monique Malfatto, Vincenzo Mollica, Giovanni Raboni, Amilcare Rambaldi, David Riondino, Sergio Secondiano Sacchi, Michele Serra, Vito Riviello e altri.

disegni di Altan, Cavezzali, Crepax, Echaurren, Manara, Pazienza, Pratt, Rubino, Staino;

foto d’ogni epoca;

discografia illustrata compilata con Michele Neri e Franco Settimo.

Martedì - 31 gennaio 2012

Casa del Jazz

Ore 21,00 Andrea Labanca

Ore 22,00 Lorenzo Lambiase

Lorenzo Lambiase - Biografia

Cantautoreromanoclasse1981.

Studia fin da bambino il pianoforte, approfondisce in seguito anche lo studio del basso elettrico e la conoscenza dei sintetizzatori. Dopo l’esperienza con due giovani formazioni si dedica al suo progetto solista, iniziando fin da subito un’intensa attività live che lo porterà a suonare in diversi locali e festival italiani, condividendo il palco tra gli altri con Riccardo Sinigallia, Giorgio Canali, Marta sui Tubi, Perturbazione, Offlaga Disco Pax, Pino Marino, The Niro, Nathalie.

Finalista di diversi concorsi (tra cui Biella Festival, S.I.M e MArteLive), trasmesso in diverse emittenti radiofoniche nazionali e non (Radio RAI, RadioRock, RDS, LifeGate, etc.).

Nel 2009 è stato pubblicato “La CeNa” album d’esordio di Lorenzo Lambiase; il disco si compone di 11 tracce, una piccola antologia che riassume il percorso musicale. Tra psichedelia, elettronica, pop ed influenze post-rock la dimensione sonora si fonde con la profonda ed attenta ricerca nella scrittura dei testi, aggiornando la figura del cantautore alle sonorità più sperimentali e contemporanee. Scritto ed arrangiato interamente da Lorenzo Lambiase, hanno partecipato alla registrazione de “La CeNa” diversi musicisti di talento, da Valentina Lupi ad Adriano Viterbini (chitarrista Raf, The Niro, BSBE) da Daniele De Seta a Gabriele Ortenzi (Areamag).

Andrea Labanca - Biografia

E’ uno dei molti ibridi “geografici” della società moderna: nato nella periferia di Milano alla fine degli anni Settanta, ma fiero delle sue origini lucane di cui conserva lo spirito anarchico e indipendente, vive oggi a Milano dopo aver girovagato per qualche tempo.

Appassionato di musica e pittura, a tredici anni imbraccia la chitarra contro il pregiudizio della famiglia. Laureato alla Facoltà di Filosofia, in filosofia della scienza ha studiato logica (soprattutto probabilistica: sì, no, forse!) e fisica. Come artista ed operatore ha lavorato con molte realtà di successo: Accademia della Scala, MTV, Teatro della Cooperativa, Bebo Storti, Massimo Coppola, Teatro dei Filodrammatici, Fondazione Nicola Trussardi.

Andrea Labanca ha suonato in moltissimi teatri e gallerie d’arte in Italia e in Francia (ma anche negli USA).

Recentemente Tino Sehgal ha voluto Andrea Labanca per la sua opera, in anteprima mondiale, “THIS IS CRITIQUE” alla Villa Reale di Milano prodotta dalla Fondazione Nicola Trussardi (http://artforum.com/diary/id=21464), affidandogli una performance molto complessa di improvvisazione filosofica.

Performance song

“I Pesci ci Osservano” di Andrea Labanca è stato disco della settimana di Fahrenheit, celebre programma di approfondimento culturale di Radio3 Rai, in occasione della settimana dedicata ai diritti del rifugiato politico con conduttori stranieri.

“I Pesci ci Osservano“ è stato ospitato anche da:

Diavolo Rosso Asti, Pentesilea Milano, Strike Roma, Leoncavallo; Cox18 Milano; Alice nella Città Cremona; TeatroI; Binario7– Monza; Ca Du Dria – Genova, La Gouttière ; Alimentation Générale Parigi.

Scrivono di lui:

“Una di queste evasioni è “I Pesci ci Osservano”, un lavoro serio, profondo e spiritoso, opera prima da non perdere di un autore che dimostra apertamente di avere assimilato ed elaborato al meglio la lezione di maestri come Gaber e Jannacci”.

Anotnello Oliva - Suono Maggio 2009

“È uno storyteller con decisa propensione per l' underground, Andrea Labanca, cantautore anomalo, un po' filosofo un po' saltimbanco. Le sue performance, in equilibrio tra il concerto e il teatro dell' assurdo, raccontano un mondo affollato di personaggi bizzarri, strane avventure metropolitane, antieroi notturni e paesaggi lontani dove c' è posto anche per Hemingway e Oblomov”.

Sara Chiappori - La Repubblica 14.12.2010

“Ascolta le conversazioni sui mezzi pubblici o per la strada e le trasforma in canzoni. Oppure traduce in musica i dialoghi che si trovano sui social network. E' il pensiero di Andrea Labanca, poeta prima ancora che musicista.

E nei suoi versi, tradotti poi in musica, racconta la quotidianità”.

Virginia Perini - Affari Italiani 20.10.2010

“I PESCI CI OSSERVANO”, è distribuito da Egea edito da Preludio, composto da nove brani inediti, scritti e cantati da ANDREA LABANCA, che danno vita ad uno spettacolo indefinibile, in precario equilibrio tra la canzone d'autore e il teatro dell'assurdo, con uno scenario musicale totalmente, coraggiosamente ‘altro’ e interamente nelle mani, o meglio, nel canto e nell’interpretazione di Andrea Labanca, marcato da un forte retro-gusto di teatro canzone.

Il racconto è quello di una biografia generazionale, che rimane orfana il 12 Dicembre 1969 in Piazza Fontana e continua non avere delle risposte con una “discreta costanza” dal mondo sia politico che sociale.

Si arriverà alla conclusione che se non si può proprio guidare questi anni di “sputtanamento” forse allora meglio danzarci dentro e perdercisi, come si fa con del liquore o con del LSD, quindi siamo tutti ragazzi che si sentono “Rock” e invece “ sono pop” schiacciati dal conformismo.

La canzone “Il cappotto di Hemingway” è un omaggio alla grande letteratura noir milanese ed ai suoi eroi testimonianza di un gustoso aneddoto della vita del grande cantautore anarchico Ivan Della Mea.

«Ballate, blues, fuochi fatui, zingari del pallone e palombari (palombari no!) tutto in un vortice che cade verso il basso a divorare poveri scrittori in "erba" e ragazze biondissime del mar Nero che sniffano dall’orlo del baratro. Ci sono ‘cougar’ sempre più affamate in giro!

Tranquilli, il facocero non è ancora arrivato. Solo allora si potrà danzare con la bambola afgana.

“Rakia, vodka, coca, ogni biglietto è quello vincente” dice il giostraio “venghino donne!”.

Dalla terrazza del Tackeles si può ancora vedere il mondo e sperare; dalla terrazza del Tackeles si può ancora sognare e guardare la Valle dei Cedri.

Oblomov, ricorda, i pesci ci osservano».

E questa angolatura rende tutto imprevedibile ma molto chiaro, affidandoci una visuale che ci suggerisce il presagio di un sereno disastro.

Tra provocazione culturale e rammarico disfattista, lo spettacolo (come il disco cui si ispira) sviluppa un percorso fatto di citazioni, riferimenti e personaggi, che delineano la costellazione artistica di Andrea Labanca, fatta di buona letteratura ma anche di cinema e di teatro.

Casa del Jazz

viale di Porta Ardeatina, 55

Info: 06/704731

Ingresso 5 euro

Momenti di TANGO

2012-01-28T09:57:00.000-08:00

Musica: Astor Piazzolla - Osvaldo Pugliese

Coreografia : Luigi Martelletta

Interpreti : PABLO VALENTIN MOYANO con la sua partner ROBERTA BECCARINI e Compagnia Almatanz

La ricerca che il coreografo ha sviluppato in questo spettacolo va ben oltre il semplice ed a volte banale racconto di questa danza e dei suoi sentimenti. A parte gli aspetti musicali e quelli interessanti la storia del costume,il tango ha importanti riflessi nella letteratura rioplatense,e specialmente in quella Argentina.

In questo spettacolo infatti non è difficile trovare versi e prose sul tango,o ispirate ad esso, dai modernisti “classici”quali: Lugones,Gàlvez;Larreta,agli scrittori del “gruppo Boedo”,sino a Borges con quella sua componente Bohemienne o Populista. Dove il verismo concentra le emozioni sull’esistenza stessa dei fatti e del loro succedersi e correlarsi; la regia viceversa,proietta tutte le sue emozioni sullo strumento vicario dei fatti,del racconto,del movimento,con un procedimento disinvoltamente inibito.

La via da seguire per lo spettacolo è già qui:l’autobiografia si fa coreografia narrativa,spesso carica di empiti romantici,e di un temperamento in cui il sentimento debordante è attardato è frenato di continuo dalla ragione,camuffato,metamorfizzato. Una serata di Tango quindi, in cui si racconta e si propongono al pubblico tutte le sensazioni, gli amori, le violenze, le amicizie e gli incontri che una vita ti concede di fare. Lo spettacolo sarà dunque dedicato a tutti questi stati d’animo che ognuno di noi ha vissuto almeno una volta nella vita, nella propria storia personale e quotidiana, e lascerà anche uno spazio a tutto quello che sarebbe potuto capitare e che il destino o il caso non hanno voluto che così fosse.

Lo spettacolo è suddiviso in diciotto brani, in ognuno dei quali c’è un racconto o un’emozione vissuta (l’amicizia, la felicità, la violenza, la maturità, la forza, l’amore, i ricordi...)

TEATRO ITALIA

via Bari ,18 Roma

da giovedì 2 Febbraio a Domenica 5 Febbraio 2012

De Palo - Centro culturale Elsa Morante

2012-01-28T09:46:00.000-08:00

GIOVANI, DE PALO

«CINQUE INCONTRI NELLE PERIFERIE PER DIRE CHE LA CRISI SI VINCE CON IL CORAGGIO DELLE IDEE»

«Dopo il successo di ieri sera, con un Teatro del Centro Culturale ‘Elsa Morante’ nel quartiere Laurentino pieno di giovani, sono sempre più convinto che loro devono necessariamente essere il nostro presente. Hanno tanto dire e c’è molto da fare. È stato un vero e proprio brainstorming a domicilio per offrire l’opportunità di ascolto con proposte, idee e nuove sfide». Così l’Assessore alla Famiglia, all’Educazione e ai Giovani di Roma Capitale Gianluigi De Palo ha commentato con soddisfazione il primo appuntamento del tour che lo vedrà impegnato, nelle prossime due settimane, in cinque incontri con i giovani nelle zone periferiche della città.

Come ieri sera, anche nei prossimi appuntamenti l’Assessore De Palo presenterà i nuovi bandi che Roma Capitale sta lanciando per i giovani della città e le loro Associazioni: finanziamenti – pari a 1,5 milioni di euro - che coinvolgeranno esperienze per accedere al mondo del lavoro, attività teatrali, artistiche e musicali.

«La crisi si vince con il coraggio e se non si ha coraggio da giovani, quando? È importante non aspettare, è questo il momento di agire. C’è tanta sfiducia, ma si può ancora andare oltre gli schemi: dall’indignazione alla non rassegnazione, bisogna fare uno scatto. Non dobbiamo lasciare che si crei una crisi di fiducia nella vita: è questa la nostra sfida educativa. Con questo tour, che abbiamo chiamato “Se non tu, chi?”, vogliamo – spiega De Palo - immedesimarci nei giovani, perché capiscano che l’Amministrazione è dalla loro parte e che, per quanto possibile, vogliamo valorizzarli rendendoli protagonisti del loro spazio e del loro tempo, ascoltando le loro idee, i loro progetti, le loro provocazioni, elementi indispensabili per rendere Roma una città sempre più a misura di giovane».

L’invito dell’Assessore è rivolto a tutti i giovani, in particolare ai Neet (Not in education, employment or training), un fenomeno in aumento anche nel Lazio dove, secondo recenti stime Istat, la quota di giovani Neet nel 2010 ha raggiunto il 19,8%, corrispondente a oltre 174 mila unità, 21.668 in più rispetto all’anno precedente.

«Non possono bastare una bacheca virtuale o 140 caratteri offerti dai social networks per la partecipazione alla vita attiva della propria città. Da questi eventi – conclude l’Assessore - mi aspetto una partecipazione concreta e responsabile. Chiediamo una contestazione del sì e un reciproco rapporto di fiducia che da parte nostra comporta il rischio dell’ascolto. Un rischio che voglio correre perché credo che i giovani siano una risorsa per la città».

Tra le nuove proposte: il Bando per la creazione di Comunità Giovanili, quello per le Sale Prova, quello destinato alle Associazioni per iniziative nei luoghi della movida, quello per i giovani Artisti, e quello per fronteggiare il disagio giovanile: occasioni concrete offerte ai giovani per impegnarsi per il futuro proprio e della città.

Dopo il Centro Culturale Elsa Morante nel XII Municipio, il 31 gennaio aprirà le porte a questa iniziativa il Teatro della Parrocchia di San Romano Martire nel V Municipio. Il 2 febbraio l’Assessore incontrerà i giovani al Teatro di Tor Bella Monaca nell’VIII Municipio. L’8 e il 9 febbraio, sarà, rispettivamente, al Teatro Biblioteca Quarticciolo del VII Municipio e all’Incontragiovani Flaiano del IV Municipio.Tutti gli incontri, realizzati in collaborazione con Zètema Progetto Cultura, avranno inizio alle 20.30.

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CENTRO CULTURALE ELSA MORANTE

APPUNTAMENTI FEBBRAIO

TEATRO

GIOVEDI’ 2 FEBBRAIO ORE 21:00

CINEFORUM CICLO “RISCOPRENDO IL GENERE”: “STARCRASH – SCONTRI STELLARI OLTRE LA TERZA DIMENSIONE” Alla conclusione incontro con l’autore Luigi Cozzi

Ingresso libero

SABATO 4 FEBBRAIO ORE 21:00

“AENEAS – UN’EPOPEA HIP HOP” Associazione ALI presenta spettacolo-danza liberamente tratto dall’Eneide di Virgilio e interpretato dai ragazzi del progetto “Termini Underground”. Adattamento teatrale, regia e coreografia: Angela Cocozza. Aiuto regia: Laura Garofoli. Traduzione e consulenza linguistico-letterario: Oreste Tappi. Coreografo aggiunto: Brancy Osadare. Assistente di palco: Nadia Bove

Ingresso € 5; Ingresso libero per dirigenti scolastici; insegnanti; professori e operatori scolastici.

Prenotazione obbligatoria: 060608

AENEAS – UN’EPOPEA HIP HOP è uno spettacolo multimediale liberamente tratto dall’Eneide di Virgilio; prodotto dall’Associazione ALI Onlus e sostenuto da Grandi Stazioni gruppo Ferrovie dello Stato.

AENEAS mette in scena alcuni episodi dell’Eneide scelti sia per la pregnanza del loro significato in rapporto agli intenti sociali e culturali dell’iniziativa, sia per la loro disponibilità ad una rivisitazione attraverso i linguaggi della recitazione, della musica e della danza.

Lo spettacolo rappresenta infatti il punto di arrivo dei laboratori di teatro e di danza realizzati dall’Associazione ALI fin dal 2005 con i ragazzi della Stazione Termini di Roma, che hanno visto impegnati un grandissimo numero di ragazzi di diversa origine etnica, sociale e culturale accomunati dalla stessa passione per la cultura di strada, la cultura Hip Hop. Questa è stata il motivante punto di partenza per sviluppare negli anni un progetto culturale e sociale che potesse offrire ai giovani coinvolti gli spunti necessari per allargare i loro orizzonti, in un’ottica di scambio reciproco centrata sui diversi aspetti artistici delle rispettive culture.

Nello spettacolo, l’Eneide si ripropone in tutta la sua forza poetica e fantastica, permettendo a giovani di tutto il mondo di ritrovarsi nei vari personaggi e di trarne quei messaggi universali che accomunano tutti gli uomini, come quello che fa dire a Re Latino, interpretato da un ragazzo Ruandese: “noi Latini siamo un popolo giusto, e non perché ce lo comanda la legge, ma è nostra condizione di natura”.

Lo spettacolo, pensato per essere replicato nelle scuole, si avvale di una traduzione fedele ma viva, nata e verificata in un anno di lavoro comune con i ragazzi da parte di un traduttore-insegnante. L’obiettivo è stato di sviluppare un linguaggio che, nel rispetto dello spirito e della lettera del testo originale, fosse adatto alla recitazione ed immediatamente fruibile da un pubblico di studenti e adulti

PROGRAMMA DI SALA:

I Tempo

La Tempesta. Dopo sette anni dalla fuga da Troia in fiamme e dopo essere approdati in Sicilia, Enea e i suoi ripartono per il Lazio. Ma Giunone, al colmo dell’odio anti-troiano, convince il dio dei venti Eolo a scatenare una tempesta.

Musica: When the tiger broken free Pink Floyd

Improvvisazione coreografica

Lo Sbarco. I Troiani sopravvissuti alla tempesta sbarcano sulle coste della Libia, dove la regina Didone sta fondando la nuova città di Cartagine.Dopo le prime esitazioni la regina accoglie i Troiani come amici.

Musica: Pleiades Piccola Banda Ikona

Improvvisazione coreografica

Il racconto della caduta di Troia. Didone chiede ad Enea di raccontare le ultime ore di Troia. L’eroe, pur con dolore (infandum regina iubes renovare dolorem: regina, tu mi chiedi di rinnovare un dolore indicibile) racconta del cavallo di Ulisse, di Troia in fiamme, della fuga con il vecchio padre sulle spalle e il figlioletto per mano, della perdita della moglie, del responso dell’oracolo: “cercate l’antica madre”.

Musica: La Battaglia sacra Litfiba;

Amara Terra Mia Piccola Banda Ikona

Coreografie: A. Cocozza B .Osadare

L’antica fiamma. Al racconto di Enea, terribile ed affascinante, Didone sente riaccendersi nel suo petto la fiamma dell’amore (agnosco veteris vestigia flammae: riconosco i segni dell’antica fiamma), spenta dal tempo della morte violenta del marito Sicheo. La sorella Anna la convince a superare il giuramento di fedeltà a Sicheo e a seguire i suoi sentimenti. Così, sorpresi da una tempesta durante una caccia, Enea e Didone si amano.

Musica: Fuori di Me Piccola Banda IKona

Coreografia: Angela Cocozza

L’amore e la fuga. Enea vive con Didone e l’aiuta a costruire la sua città. Ma Giove manda Mercurio a ricordargli la sua missione di iniziatore dell’impero di Roma. Nel conflitto fra l’amore e la pietas, Enea non può che seguire la seconda, cioè l’obbedienza agli dei e al suo destino “romano”.

Musica Aion Piccola Banda Ikona

Corografia: Angela Cocozza

La morte di Didone. Didone accusa Enea di averla ingannata. L’eroe troiano, mai come ora “antieroe” del dubbio e della contraddizione, cerca di spiegare all’amata che è costretto a cercare l’Italia contro la sua volontà (invitus Italiam sequor). Didone, fallito ogni tentativo di persuaderlo a restare, si uccide con la spada stessa abbandonata da Enea.

Musica: Elleipseis Faraualla

Corografia: Angela Cocozza

II Tempo

I Giochi. Enea, ignaro ma presago della sorte di Didone, riprende il mare ed approda nuovamente in Sicilia, dove fa disputare i giochi funebri nel primo anniversario della morte del padre Anchise, che lì è sepolto. Durante la corsa a piedi, Niso tradisce la lealtà sportiva per far vincere il suo giovane amato Eurialo: al contrario che per Enea, per Niso ed Eurialo l’amore può prevalere sulla pietas.

Musica: Another one bust the dust Queen

Coreografia Angela Cocozza

L’incendio. Durante i giochi le donne troiane, sobillate da Giunone, appiccano il fuoco alle navi per impedire alla flotta di Enea di riprendere il viaggio verso l’Italia. Enea, esortato a ciò dall’ombra del padre Anchise, decide di lasciare le donne in Sicilia (solo la madre di Eurialo otterrà di proseguire con gli uomini). Anchise prescrive al figlio anche di scendere ad abbracciarlo nell’oltretomba con l’aiuto della Sibilla.

Il ramo d’oro. Sbarcato a Cuma, Enea incontra la vergine Sibilla, che gli svela come poter scendere nell’oltretomba con la possibilità di uscire di nuovo nel mondo dei vivi: dovrà cercare nel bosco e portare a Proserpina, regina dell’Ade, il ramo d’oro, che si lascia svellere solo da chi può scendere vivo nel regno dei morti; e subito ne rinasce un altro al posto di quello strappato.

Musica: Bang Bang Rama Lama

Coreografia Angela Cocozza

Gli inferi. Trovato il ramo d’oro, Enea segue la Sibilla negli inferi, dove incontrano l’ombra di Didone, che non degna di risposta le sue parole e gli volta le spalle. Quindi Enea incontra finalmente il padre Anchise, che gli mostra una ad una le anime che un giorno saranno i suoi discendenti e faranno la gloria di Roma. Ma su tutte spicca il giovane Marcello, futuro figlio della sorella di Augusto, che morirà ante diem anche lui come tanti giovani del poema virgiliano.

Musica It’c and scratch Rufus Tomas

Coreografia: Brancy Osadare

Lo sbarco di Enea. Enea e i suoi arrivano sulle coste del Lazio e si apprestano ad esplorare i luoghi. Enea invia ambasciatori al re Latino, che li accoglie in modo ospitale, riconoscendo in Enea l’uomo venuto dal mare predetto dal vecchio Fauno come marito predestinato di sua figlia Lavinia.

Musica Ride across the river Dire Straits

L’ira di Giunone. Al culmine dell’odio, Giunone istiga Turno, re dei Rutuli e promesso sposo di Lavinia, a mettersi alla testa di un’alleanza italica contro i Troiani. Enea, su consiglio del dio del Tevere, cerca ed ottiene aiuto dal re arcade Evandro, il cui piccolo popolo vive lungo il fiume, e il cui figlio Pallante si mette alla guida di un contingente di alleati dei Troiani.

Musica We will rock you remix Eminem

La guerra. Il re Latino cerca invano di scongiurare la guerra. Muoiono tanti giovani da ambo le parti. Oltre ad Eurialo e Niso già caduti in un’azione notturna, muore la vergine Camilla che spicca dalla parte di Turno; muore il giovane etrusco Lauso per mano di Enea; muore Pallante per mano di Turno, che sarà l’ultimo a morire: Enea lo batte in duello ed è convinto ad ucciderlo dalla vista delle armi che egli ha sottratto a Pallante.

Musica In the name of God The Apples killing

LUNEDI’ 6 FEBBRAIO ORE 9:30

CONVEGNO “ANZIANITA’. UN FENOMENO NUOVO” Modi e modelli di un’inclusione creativa dell’anziano. A cura dell’Associazione Alberto Sordi Onlus

Ingresso libero

Il Convegno si articola in due parti. Nella prima si propone di approfondire e richiamare l’attenzione delle istituzioni e dell’opinione pubblica sul tema Anzianità, un fenomeno “nuovo” , conosciuto poco nei numeri, meno ancora nelle potenzialità presenti nell’anziano, anche in età molto avanzata.

La seconda parte è invece dedicata a presentare una serie di nuovi servizi di tutela ed assistenza all’Anziano realizzati da enti impegnati nel sociale ed in modo particolare verso l’Anziano Fragile.

Come dire un insieme di progetti che potremmo definire prime e nuove risposte al fenomeno nuovo dell’Anzianità

Apertura: Ing. Sergio Utili, Presidente Associazione Alberto Sordi

Saluti Istituzionali del Municipio XII

Moderatore: Prof.ssa Bianca Spadolini, Università degli Studi Roma Tre

Prof.ssa Maria Teresa Russo, Università Campus Bio-Medico

Prof. Francesco Pierelli, Università "La Sapienza"

Dott.ssa Maria Matarese, Università Campus Bio-Medico

Dott.Carlo Fiore, IPAB San Michele

On. Olimpia Tarzia, Presidente Commissione XIV, Regione Lazio

Ing. Ennio Di Filippo, Associazione Alberto Sordi

Dott.ssa Maria Chiara Inzerilli, Comunità di Sant'Egidio

Sig.ra Anna Maria Parisi, Associazione Alberto Sordi

Sig.ra Marcella Pompei, Centro Anziani Benedetto Rossi Trigoria

GIOVEDI’ 9 FEBBRAIO ORE 21:00

CINEFORUM CICLO “RISCOPRENDO IL GENERE”: “HERCULES” Alla conclusione incontro con l’autore Luigi Cozzi

Ingresso libero

VENERDI’ 10 FEBBRAIO ORE 20:30

“MENU’ D’ATTORE. PIATTI FORTI PER RIDERE DI GUSTO” Spettacolo teatrale a cura di Uscita Artisti Lab. Raccolta fondi a favore dell’Associazione CEU – Centro di Ecologia Umana

Per info e prenotazioni massimo.sbattella@fastwebnet.it o 338.303444

SABATO 11 FEBBRAIO ORE 10:00

CONVEGNO “LA STORIA DIMENTICATA. LE FOIBE E L’ESODO ISTRIANO-DALMATA” A cura del Comitato 10 FEBBRAIO; modera Emanuele Merlino

Ingresso libero

VENERDI’ 17 FEBBRAIO ORE 21:00

“TUO E DELLA MADRE CHE HO UCCISO” - A cura del Rotary Roma Eur per la raccolta fondi “END POLIO NOW”. Scritto e diretto da Andrea Monti

Ingresso € 15 intero; € 10 Ridotto; libero under 12 – Per info e prenotazioni tel. 06.5920347

La verità sulla vita e sulla morte. Le pieghe dell’amore. Paternità. Omicidio. Maternità. Resurrezione. La creazione. Dal concepimento dell’idea alla sua morte, passando per quelle tappe che ci fanno sentire vivi. Tutto è simbolico per risultare più reale, sussurrato per essere meglio compreso, recitato e stilizzato per entrare nelle orecchie e fermarsi un po’ negli occhi dei curiosi.

SABATO 18 FEBBRAIO ORE 21:00

“TUO E DELLA MADRE CHE HO UCCISO” - REPLICA A cura del Rotary Roma Eur per la raccolta fondi “END POLIO NOW”

Ingresso € 15 intero; € 10 Ridotto; libero under 12 – Per info e prenotazioni tel. 06.5920347

MARTEDI’ 21 FEBBRAIO ORE 16:00

“PIANO SOCIALE MUNICIPALE” Presentazione a cura del Municipio XII

Ingresso libero

RELATORI

Presidente Municipio XII: Pasquale Calzetta

Assessore Politiche Sociali: Gemma Gesualdi

Presidente Commissione Sociale: Nicola Pezone

Direttore Municipio XII: Cinzia Padolecchia

Responsabile Ufficio di Piano A.S.: Cristina Tilli

MERCOLEDI’ 22 FEBBRAIO ORE 15:30

CONVEGNO “ALLA VELOCITA’ DEL PENSIERO: COMUNICAZIONE, INFORMAZIONE E CREATIVITA’ NELL’ERA DIGITALE” Analisi sul rapporto crescente tra la tecnologia elettronica e il trasferimento d’esperienze

Ingresso libero

GIOVEDI’ 23 FEBBRAIO ORE 9:30 1° Spettacolo; 11:30 2° Spettacolo

“PULCINELLA VA ALLA GUERRA” Lezione/spettacolo a cura di Ondadurto Teatro. Selezione Settimana della Lingua Italiana nel Mondo 2011

Ingresso libero con prenotazione obbligatoria al 339.5954230

GIOVEDI’ 23 FEBBRAIO ORE 21:30

CINEFORUM CICLO “RISCOPRENDO IL GENERE”: “I SOGNI NEL MIRINO – OMAGGIO A SERGIO LEONE” Alla conclusione incontro con l’autore Luca Morsella

Ingresso libero

VENERDI’ 24 FEBBRAIO ORE 9:30 1° Spettacolo; 11:30 2° Spettacolo

“PULCINELLA VA ALLA GUERRA” Lezione/spettacolo a cura di Ondadurto Teatro. Selezione Settimana della Lingua Italiana nel Mondo 2011

Ingresso libero con prenotazione obbligatoria al 339.5954230

SABATO 25 FEBBRAIO ORE 20:30

“RETROG EVENTO GENESIS” Convegno e concerto a cura dei ReTrog e di altri esperti di musica

Per info e prenotazioni retrog2011@gmail.com o www.facebook.com/groups/retrog

Alle ore 20:30 ci sarà un incontro-dibattito sui Genesis, nel contesto storico degli anni ’70. A seguire il ciclo di Peter Gabriel reinterpretato dai ReTrog in concerto con voce narrante di Marco Crescenzi, interventi coreografici di Arianna Galassi e proiezioni di filmati d’epoca.

ORARI CENTRO CULTURALE ELSA MORANTE

lunedì-venerdì 9.00-19.00 |

Sabato e domenica aperture straordinarie per programmazione eventi

INFO

www.centroelsamorante.roma.it

www.autopromozionesociale.it

tel. 060608; 06/5021281

Centro Culturale Elsa Morante

P.zza Elsa Morante (quartiere Eur Laurentino)

Scene da un matrimonio

2012-01-28T09:41:00.000-08:00

TEATRO INDIA

1 | 12 febbraio 2012

In dieci scene la crisi di una coppia

Al Teatro India di Roma la versione teatrale

del capolavoro cinematografico di Ingmar Bergman

Scene da un matrimonio

firmata da Alessandro D’Alatri

protagonisti Daniele Pecci e Federica Di Martino

e le musiche originali di Franco Mussida

Giunge a Roma – in programma al Teatro India da mercoledì 1 a domenica 12 febbraio – la versione teatrale del capolavoro cinematografico di Ingmar Bergman, Scene da un matrimonio, nell’adattamento e la regia di Alessandro D’Alatri, qui al suo terzo lavoro teatrale dopo il pluripremiato Il sorriso di Daphne del 2005 e l’acclamato Diatriba d’amore contro un uomo seduto del 2007.

Interpreti dei due personaggi protagonisti della vicenda, Johan e Marianne, la cui relazione di coppia ideale crolla e va in crisi di fronte all’ammissione di un tradimento, gli attori Daniele Pecci e Federica Di Martino.

Partendo dal tema della delusione e della perdita delle proprie certezze, D’Alatri rilegge l’opera in chiave contemporanea contestualizzandola alla nostra realtà geo-culturale. I due protagonisti sono più giovani della coppia originale e lui fa un altro lavoro, ma, come quelli del film, appartengono alla stessa classe sociale, la medio-borghesia colta e progressista, espressione diretta dell’ideologia politically correct.

Manifesto internazionale sulle complessità delle relazioni uomo-donna, Scene da un matrimonio invita a una rilettura della relazione di coppia in chiave contemporanea calibrata sulla nostra cultura. E allora il dramma si fa commedia dai toni nostrani e cinici; un passo a due che stempera l’originale rigore nordico davanti all’ineluttabilità del danno con più morbide movenze mediterranee, per uno spettacolo stimolante, riflessivo e non privo di ironia.

L’impianto scenico rigoroso lascia spazio all’espressione degli stati emotivi dei protagonisti, ai quali, in un gioco di grande suggestione, fanno da contrappunto gli intermezzi musicali affidati alla maestria e alla chitarra di Franco Mussida – leader della Premiata Forneria Marconi – qui al suo debutto di autore di brani per il teatro.

Uno spettacolo da non perdere, garantito dal talento di un regista il cui nome è legato al migliore cinema d’autore italiano di questi anni, e le cui incursioni nel teatro, seppur rare, sono sempre delle sfide affascinanti e vinte, come questa con un maestro della scena di tutti i tempi qual è Ingmar Bergman.

Durata dello spettacolo: 2 ore compreso intervallo.

TEATRO INDIA

1-12 febbraio 2012

Ufficio promozione Teatro di Roma:

tel. 06.684.000.346 www.teatrodiroma.net

Biglietteria Teatro Argentina:

tel. 06.684.000.311 (ore 10-14;15-19 lunedì riposo)

Teatro India,

Lungotevere V. Gassman, Roma

Apertura botteghino ore 17-21 nei giorni di spettacolo- tel. 06.684000311

Biglietto: € 18 e ridotto € 14. Orari: dal 1° al 3 febbraio ore 21- 4 e 5 febbraio ore 19 – dal 7 all’11 febbraio ore 21 –domenica 12 febbraio ore 18-

PAIELLATA

2012-01-28T09:20:00.000-08:00

dal 31 gennaio al 12 febbraio

Nuova Ambra

presenta

PAIELLATA

di e con Max Paiella

Dopo il grande successo della scorsa stagione, Max Paiella torna al Teatro Ambra Garbatella con un nuovo, esplosivo spettacolo, ricco di personaggi inediti e trovate rivoluzionarie, senza trascurare il repertorio che il pubblico ha imparato ad amare, rivisitato alla luce della cronaca di questi ultimi mesi.

Minzolini, ormai, ha aperto un ristorante a Fiumicino, mentre un Belpietro in versione Blade Runner, lancia il suo ultimo accorato messaggio:"Ho visto cose che voi umani non potreste neanche immaginare. Raggi btp balenare nel rating, alle porte della merkel... e tutti questi bot andranno persi nel default, come liberalizzazioni nella pioggia. E' tempo di privatizzare." Del resto, il 2012 è arrivato: "Non è la fine del mondo, ma 'sò finiti i soldi'" declama un bizzarro eremita. Insomma, se tutto quello che toccava re Mida diventa oro, tutto ciò che tocca Max diventa PAIELLATO.

Da sempre esiste il concetto di interpretazione. Qualcosa succede nel mondo e qualcuno la interpreta, concetti fondamentali vengono formulati e inevitabilmente ritoccati. Una poesia, un luogo, un racconto, una canzone invece che in oro, in cosa può trasformarsi? "Il dubbio non é amletico ma quanto meno etico, o al limite estetico, forse teoretico, indubbiamente ermetico!" conclude Paiella.

Non mancheranno i personaggi di Max a Radio 2 ne il Ruggito del Coniglio, Vinicius di Marones, Fata Paiella, Parakulis, Coricidin, i fratelli Cannone e le canzoni fatte coi conigli. Né mancheranno quelli di Rai tre a Parla con me, il Trota, Signorini, Cicchitto e Frattini, realizzato insieme a Corrado Guzzanti su Aniene per SKY uno. Ci saranno anche le canzoni che sono apparse sul Misfatto, inserto satirico del Fatto Quotidiano.

Ma non è tutto, lo sguardo "paiellato" si proietta anche nel più lontano futuro. "Ho voluto immaginare quel che ricorderanno di noi nel 3012." - ci anticipa Max - "Forse di qualche comico, nient'altro. E non avranno torto: siamo stati governati da un comico di navi da crociera, che ci ha lasciato mezzo affondati."

Naturalmente, ogni riferimento all'attualità è del tutto casuale.

TEATRO AMBRA ALLA GARBATELLA

piazza Giovanni da Triora 15, Roma - tel. 06 81173900

mar/sab h 21.00 - dom h 17

BIGLIETTI: ridotto € 12,00 intero € 15,00

www.ambragarbatella.eu

NIENTE PROGETTI PER IL FUTURO

2012-01-28T09:05:00.000-08:00

31 gennaio - 19 febbraio

La Contemporanea Mismaonda

Giobbe Covatta Enzo Iacchetti

NIENTE PROGETTI PER IL FUTURO

scritto e diretto da Francesco Brandi

scene e costumi Nicolas Bovey

musiche Cesare Picco

disegno luci Christian Zucaro

Niente progetti per il futuro ha vinto il Premio Flaiano 2009, con la seguente motivazione di Masolino D’Amico: “Dramma sottile e coinvolgente, spesso imprevedibile, nel rappresentare l’incontro di un semplice garagista con un Vip della televisione, colto e intelligente ma egocentrico oltre ogni limite. Ne esce il ritratto di una società intera, priva di valori e piena di contraddizioni.”

Dopo il grande successo di pubblico della scorsa stagione con il tutto esaurito nei maggiori teatri italiani, lo spettacolo sarà in scena a Roma, al Teatro Quirino, dal 31 gennaio al 19 febbraio 2012 e vedrà protagonisti due grandi uomini di spettacolo, per la prima volta insieme a teatro: Giobbe Covatta e Enzo Iacchetti, diretti dal regista Francesco Brandi che è anche autore del testo. Firma le scene e i costumi Nicolas Bovey mentre le musiche sono di Cesare Picco.

Niente progetti per il futuro è un gioco teatrale surreale, una parabola contemporanea, che cerca di raccontare con i toni della leggerezza e del paradosso una società in crisi, dove i valori dell’Uomo appaiono lisi e sfilacciati sullo sfondo di un progressivo impoverimento spirituale.

I due protagonisti non hanno progetti per il futuro infatti sia Ivan (Covatta), che Tobia (Iacchetti), non ne vogliono coltivare, visto che sono due aspiranti suicidi. Diverse le cause: delusione d’amore per il primo, una carriera bruciata il secondo. Si incontrano nottetempo su un ponte pedonale di una grande città qualsiasi. Iacchetti è pronto a buttarsi nel baratro ma viene interrotto sul più bello dal sopraggiungere di un Covatta con la corda al collo.

Nel tempo sospeso tra la vita e la morte si incontrano così due temperamenti e destini diversissimi: uno, Iacchetti, è un uomo che ha avuto e perso tutto, un divo della televisione in disgrazia, ricco, colto e con una bella dose di cinismo. L’altro, il buon Covatta, è un operaio semplice, ma con un cuore grande e una naturale saggezza.

Si incontrano altresì due tipi di umorismo diverso ma complementare, uno del nord, l’altro del sud, a scardinare i tempi teatrali classici della commedia, attraverso improvvisazioni che offrono un respiro sincero e vitale. Emerge infine la capacità dei due interpreti di inserirsi in modo autorevole e originale in una narrazione mai scontata, dove si alternano momenti di grande ilarità a momenti di sorridente melanconia; vince insomma la capacità del teatro di mescolare storia, personalità degli attori, atmosfere registiche e divertimento del pubblico.

È in ultimissima istanza l’incontro fra due disperazioni che provengono da mondi diversi che fa nascere una sottile e solidale amicizia che allontanerà il gesto estremo. Il finale è a sorpresa e, come hanno fatto notare si tratta di “una favola amara con apparente lieto fine.”

ORARI SPETTACOLI

dal martedì al sabato ore 20.45

giovedì 2, mercoledì 8 e 15 febbraio ore 16.45

tutte le domeniche ore 16.45

INFO

botteghino 06/6794585

numero verde 800013616

mail info@teatroquirino.it

PREZZI

platea da € 33,00 a €28,50

I balconata da € 28,50 a €24,50

II balconata da € 23,50 a €20,50

galleria da € 18,00 a €15,00

LE MATTINE DIECI ALLE QUATTRO

2012-01-28T09:01:00.000-08:00

TEATRO ROMA

31 GEN. > 19 FEB. 2012

I Magi sr

presenta

LE MATTINE DIECI ALLE QUATTRO

Premio Le Maschere del Teatro 2011 come miglior novità italiana

Premio Golden Graal per la regia 2010

Scritto e diretto da

Luca De Bei

Con

Federica Bern – Alessandro Casula – Alessandro Marverti

Scene: Francesco Ghisu - Costumi: Sandra Cardini

Luci: Alessandro Carletti - Suono: Marco Schiavoni

Collaboratore alla regia: Alessandra Paoletti

Assistente alla regia: Sandra Conti

Dopo il grande successo di pubblico e critica riscosso nelle passate stagioni, torna in scena dal 31 gennaio al 19 febbraio 2012 al Teatro Roma lo spettacolo vincitore del Premio Le maschere 2011 come miglior novità italiana: LE MATTINE DIECI ALLE QUATTRO, scritto e diretto da LUCA DE BEI. Protagonisti della nuova edizione dello spettacolo sono Federica Bern, Alessandro Casula, Alessandro Marverti

A Roma ogni mattina, alla stessa ora dell'alba, due ragazzi e una ragazza aspettano l'autobus che dalla periferia li porterà ai loro lavori in "nero", pericolosi e sottopagati. I due ragazzi, uno italiano l'altro rumeno, lavorano in un cantiere edile. La ragazza, italiana, fa le pulizie. La loro realtà è fatta di levatacce, di turni massacranti, di tentativi di fuga dal quotidiano nello stordimento dell'alcool, della droga o della musica di una discoteca. Ma è fatta anche di aspirazioni, di sogni, della voglia di una vita migliore e, soprattutto, di un disperato bisogno d'amore.

Le “mattine dieci alle quattro”, diventato ormai un cult a Roma, ma con alle spalle numerose date in giro per l’italia, è stato anche finalista al premio “Enrico Maria Salerno per la drammaturgia” 2007. Inoltre nel 2009 è stato finalista al Premio Riccione per il teatro. Nel 2010, la casa editrice Titivillus, ha pubblicato il libro dal titolo omonimo. Lo spettacolo, è patrocinato dall’ Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico. Lo spettacolo che ha riscosso successo sia di critica che di pubblico, sarà poi a Milano al Teatro Elfo Puccini dal 15 al 20 di maggio 2012.

“Vedere il proprio spettacolo avere successo, crescere e “farsi le ossa” anno dopo anno, è il sogno e l’orgoglio di ogni drammaturgo e regista. E lo è per me, che affronto per il terzo anno consecutivo l’allestimento de “Le mattine dieci alle quattro”. Reduce dalle grandi soddisfazioni delle passate stagioni, quest’anno lo spettacolo va in scena ancora una volta a Roma, al Teatro Roma, e sarà poi a maggio al Teatro Traiano di Civitavecchia e al Teatro Elfo-Puccini di Milano. E già stiamo pensando alla stagione 2012/2013. Quest’anno entra nello spettacolo un nuovo protagonista, Alessandro Marverti (attore conosciuto dal grande pubblico per le due serie televisive di Romanzo Criminale), e anche questo dimostra che gli spettacoli crescendo cambiano, si adattano alle nuove esigenze, si trasformano. Ciò che mi dà la tenacia e la fiducia di riproporre ancora una volta la storia di William, Cira e Stefan con la loro dura realtà e i loro sogni, è avere avuto la prova di quanto il pubblico abbia bisogno di entrare nelle storie che raccontano il nostro presente. Storie che, al di là della possibilità di poter riconoscere come appartenenti al proprio tempo, riescano a farlo divertire, riflettere ma soprattutto emozionare”.

Luca De Bei

COSI’ LA STAMPA:

"Con questo testo Luca De Bei, un nostro autore attento ai nodi umani e sociali della contemporaneità, ci porta con amore e con pazienza nei luoghi oscuri della quotidianità"

Rodolfo Di Giammarco – La Repubblica

"De Bei ancora una volta ha la sensibilità giusta per mettere in scena una storia d'amore fatta di dubbi, emozioni, impacci, e trasalimenti." Paolo Petroni – Corriere della Sera

"Sogni e realtà di tre giovani, coscienze irrisolte, figli di questi tempi amari, sottolineati in scena dalla koinè linguistica di italiano, romanesco, rumeno. Lo spettacolo si fa forza su un iperrealismo sia nella bella impostazione scenica sia nella recitazione resa con verità stanislavskiana dai giovani interpreti" Anna Bandettini – La Repubblica.it

"Buona novità di De Bei, convince dell'autenticità di personaggi

e offre un'ottima occasione ai giovani interpreti" Masolino D’Amico – La Stampa

"Un ritratto che funziona perché la prerogativa di De Bei è riuscire a schivare la retorica pur camminando nei pericolosi registri tematici dell’emarginazione, delle morti bianche, della solitudine metropolitana" Paola Polidoro – Il Messaggero

“Una atmosfera livida, anche acusticamente assimilabile all’affannoso respiro metropolitano, offre una completa credibilità alla vicenda, assicurata e supportata dalla recitazione intensa e appropriata degli attori che costruiscono e svelano uno spaccato quotidiano con autenticità scarnificata , immediatamente rivolta alla presa di coscienza del pubblico” Tiberia De Matteis – Il Tempo

“Sa tratteggiare con delicatezza anime sofferenti e sfaccettate” Barbara Nevosi - Metro

“C'è una solitudine che è tutta linguistica, semantica: un linguaggio povero, marginale, che tradisce e svela la periferia non solo urbana, ma dell'anima, uno stare fuori dai giri, in microcosmi che sono abitati da monadi scontrose e bisognose. Racconta anche questo il bel testo di Luca De Bei”

Andrea Porcheddu – Delteatro.it

“De Bei ha la straordinaria capacità di raccontare una storia privata dalla quale fa emergere la realtà dell’Italia contemporanea antropologicamente mutata dalla tivù “

Alessandro Paesano – Teatro.Org

“Splendido lavoro di De Bei (…) personaggi pieni di intensità e vigore

quanto mai inseriti nella realtà attuale” Lucio De Angelis – Notizie Radicali

“Sarebbe piaciuto a Pasolini per la verità e la delicatezza della storia che racconta. (…)

De Bei non si accontenta di stereotipi e tratteggia il profilo di persone, non categorie sociologiche. (…) Il pubblico gradisce: risponde, applaude, dialoga a spettacolo concluso”

Silvia Guidi – L’Osservatore Romano

“Uno spettacolo da vedere e a cui abbandonarsi”Laura Sales – Saltinaria.it

“Le mattine 10 alle 4 parla a tutti noi, alla nostra vita frenetica” Persinsala

“I tre protagonisti nella loro ruvida semplicità , sono struggenti, indifesi e vittime di una società spietata” Monica Menna – Teatro.org

“Tutto da vedere e gustare” Maurizio Bonanni – L’Opinione

“Accade raramente di assistere a spettacoli così ricchi di accenti, contenuti,

e spunti di riflessione” Andrea Cova – Saltinaria.it

“De Bei ha saputo affrontare temi come il precariato, l’immigrazione clandestina, e le morti bianche

con una apparente leggerezza che nasconde una grande capacità e profondità di analisi”

Miriam Comito – Tuttoteatro.blogspot.com

“Uno spettacolo sobrio, perfetto dal punto di vista tecnico, efficace da quello drammaturgico.

Attori formidabili, un ottimo lavoro.” Flavia Faloppa – Mercuzionline

“Da vedere” Luca Maria Brogli – L’occhio

“Da non perdere” M.Grazia Papa – L’altro quotidiano

“Luca De Bei è la poetica del sentimento” Andrea Monti – TeatroTeatro.it

“In sala il pubblico si alterna tra risate fragorose e lacrime amare, fuori è destinato a riflettere” Emanuela Andreocci – Nuova Agenzia Radicale

“Luca De Bei scrive e dirige uno spettacolo che poggia sulla forza delle parole” Patrizia Vitrugno – Il Grido.org

IL REGISTA E L’AUTORE

Luca De Bei:

Diplomato alla scuola di recitazione del Teatro Stabile di Genova, è anche drammaturgo, regista e sceneggiatore. Tra i suoi testi: “Buio Interno”, “Un cielo senza nuvole”, “La spiaggia”, “Un cuore semplice” (ispirato al racconto di Flaubert), “Cellule”. Nel 2001 vince il Premio Flaiano e nel 2002 il Premio Europeo per la drammaturgia del Festival di Heidelberg. Con “Le mattine dieci alle quattro” vince nel 2010 il Premio Golden Graal per la regia e nel 2011 il Premio Le Maschere del Teatro come miglior novità italiana. Nel novembre 2011 presso la rassegna de I Lunedì di Artisti Riuniti al Piccolo Eliseo Patroni Griffi, ha presentato il suo nuovo testo dal titolo: “Di notte che non c’è nessuno”.

GLI ATTORI

Federica Bern: nasce a Rovigo. Si diploma nel 1995 presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio d’Amico” di Roma. Prosegue gli studi a Londra presso la LAMDA London Academy of Musica and Dramatic Art. Collabora con numerosi registi in teatro tra i quali si ricordano: Luca De Bei, Riccardo Cavallo (sogno di una notte di mezza estate; la dodicesima notte; il giardino dei ciliegi), Marco Maltauro (rivista, il gabbiano, la vera storia dei Beatles, Pensaci Giacomino), Piero Maccarinelli (la partitella), Marco Carniti (pene d’amor perdute, sleeping around), Marco Simeoli (il viaggio di Felicia), Daniele Salvo (re lear). Per la televisione è diretta da F. Miccichè in “Medicina Generale”, G. Calderone per “don zeno l’uomo di Nomadelfia”; G.M. Taverelli la dirige ne “il caso moro”, G. Campiotti ne “l’amore e la guerra”.

Alessandro Casula: nasce a Roma. Si diploma nel 2005 presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio d’Amico” di Roma. In teatro collabora con Lorenzo Salveti (Fedra, oh papà,povero papà..!); Roberto Guicciardini (Enrico IV, Bariona o il figlio del tuono); Massimo Di Michele (il funerale del padrone, affettati all’italiana) Luca De Bei (un forte ronzio di mosche); Corrado Veneziano (Il maestro e margherita). Per il cinema e la televisione si ricordano: “Accipicchia … ci hanno rubato la lingua” regia di Corrado Veneziano; “L’Esorcista – La Genesi” regia di Renny Harlin , fotografia di Vittorio Storaro.

Alessandro Marverti:

Si diploma nel 2008 presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio d’Amico” di Roma. Inotre frequenta seminari con Luca Ronconi, Peter Clought, Danio Manfredini e i laboratori teatrali del Centro Studi Enrico Maria Salerno. Lavora con registi quali Massimiliano Bruno (Potere alle Parole), Luca Bargagna (La Bottega del Caffè, Come Lui mentì al Marito di Lei), Massimiliano Farau (Killer Joe), Piero Maccarinelli (Troilo Vs Cressida), Lorenzo Salveti (I Ponti di Madison County, Triologia d’Ircana), Loris Fabiani (Lunanzio e Lusilla all’inferno), Fabio Cavalli (Gadda VS Jenet), Valentina Esposito(La città dolente, Studio su Amleto, Le tre sorelle). Per il cinema ha lavorato in “La Strada Verso Casa” regia Samuele Rossi come protagonista e in “La Pecora Nera” regia Ascanio Celestini nel ruolo del “Secco”. Per la televisione è stao Gigio in “Romanzo Criminale” e “Romanzo Criminale 2” regia Stefano Sollima. Protagonista anche di “Liberiamo Qualcosa” per la regia di Guido Tortorella

I COSTUMI

Sandra Cardini: tra i suoi lavori più recenti ricordiamo per il cinema “Gomorra “regia di Matteo Garrone, per il quale è stata candidata al David di Donatello. ; "Il sole nero" Di Krzysztof Zanussi ; “Texas” regia di Fausto Paravidino. Per il teatro “Un cuore semplice” regia di Luca De Bei, “Romeo e Giulietta, ”“l’intervista”, “Noccioline”, “Un giorno d’estate” per la regia di Valerio Binasco; “Sogno di una notte di mezza estate”, “Il tartufo” per la regia di Carlo Cecchi.

LE SCENE

Francesco Ghisu: tra i suoi lavori più recenti si ricordano per la regia di Pierpaolo Sepe: “il feudatario”, Il custode” , “4:48 psychosis”, “Venditori di anime”. Con Luca De Bei collabora in “Un cuore semplice”, “Un cielo senza nuvole”, con Pietro Bontempo in “Top dogs”; con Paolo Sassanelli in “I cani davanti alla lepre”. “Moi Aussi Je Suis Catherine Deneuve” regia di Reza Keradmand. “La serva” e “Giulio Cesare” per la regia di Maurizio Panici. “Erodiade” con Maria Paiato per la regia di Giancarlo Sepe.

Teatro Roma

via Umbertide 3 (p.zza S. Maria Ausiliatrice) 00181 Roma - tel. 06 785.06.26

PARCHEGGIO CUSTODITO via Umbertide 27.

Vendita biglietti: dal lunedì al sabato dalle 10 alle 20

domenica e festivi:dalle 11.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 20.00.

info@ilteatroroma.it

Biglietti: Biglietto intero € 21 (comprensivo di € 1,00 di prevendita).

Riduzioni per studenti, gruppi e Cral.

Orario degli spettacoli: dal martedi al venerdi: ore 21.00 - sabato: ore 17.00 ed ore 21.00 - domenica ore 17.30- lunedi riposo

E PENSARE CHE C’ERA IL PENSIERO

2012-01-28T08:47:00.000-08:00

in scena da martedì 31 gennaio a domenica 12 febbraio

prima stampa mercoledì 1 febbraio ore 21.15

Tieffe Teatro Milano

in collaborazione

con la Fondazione Giorgio Gaber

Maddalena Crippa

E PENSARE CHE C’ERA IL PENSIERO

di Giorgio Gaber e Sandro Luporini

pianoforte Massimiliano Gagliardi

coriste Chiara Calderale

Miriam Longo

Valeria Svizzeri

arrangiamenti Massimiliano Gagliardi

coordinamento musicale Arturo Annecchino

regia Emanuela Giordano

Dopo le fortunate esperienze di Sboom e A sud dell’alma, Maddalena Crippa torna al teatro-canzone e questa volta dalla porta principale, confrontandosi con uno spettacolo culto per molte generazioni: E pensare che c’era il pensiero di Giorgio Gaber e Sandro Luporini. Un titolo che segna, insieme ad altri grandi titoli gaberiani, un preciso spartiacque sul fare e pensare teatro e che rappresenta forse il punto più alto della loro opera.

“Dal primo istante mi è stato chiaro che in quanto donna non avrei mai potuto , ma soprattutto non avrei mai voluto, rifare "Gaber". Credo che ogni grande artista sia irripetibile ed inimitabile.

Ma Gaber , insieme a Luporini, ha davvero inventato un nuovo modo di abitare il palcoscenico e la canzone, rinnovando l'unione tra parola e musica, riflettendo, interrogandosi, scendendo nel privato o aprendosi al sociale, stando nel presente, riuscendo spesso a decifrarlo e persino ad anticiparlo. Nell'onestà di questa "ricerca", a tratti diventa perfino corrosiva, e nel bisogno di condividerla sta il punto di contatto con me, con noi e con l' oggi . Vale la pena di riascoltare le sue parole, specie in un momento tanto buio sia per la cultura che per le coscienze ma credo

valga la pena soprattutto perché la sua eredità, in questo caso, passa attraverso un' alterità - il mio essere donna appunto – un altro punto di vista , un'altra sensibilità. Tutto si può dire di Gaber ma non che non riuscisse a toccare, prima o poi, temi o corde che ci riguardano nel profondo.

E' la prima volta che una donna si cimenta con il repertorio dei suoi spettacoli, sono felice e orgogliosa che il destino mi abbia riservato una simile opportunità.” (Maddalena Crippa)

ORARI SPETTACOLI

dal martedì al sabato ore 21.15

tutte le domeniche ore 17.15

INFO

botteghino (Quirino) 06/6794585

info 0669924847

mail info@teatroquirinetta.it

PREZZI

intero €25.00

ridotto €20.00

AQUAE

2012-01-27T08:29:00.000-08:00

percorso gratuito sul tema dell’acqua

al museo della civiltà romana ogni sabato e domenica del mese di febbraio

Aquae è un percorso realizzato per evidenziare e ricollegare le opere legate al mondo dell'acqua all'interno della collezione ospitata nel Museo della Civiltà Romana.

In particolare, si tratta di plastici di acquedotti di Roma e delle province dell’Impero, di piscinae limariae (vasche di decantazione), di castella aquae (punti di raccolta per la distribuzione) e di complessi termali.

Proseguendo nell’itinerario, s’incontrano ricostruzioni di meccanismi per la distribuzione e il sollevamento dell’acqua, materiali destinati all’uso domestico di tale bene primario, calchi di statue, ritratti e iscrizioni di illustri personaggi il cui nome è connesso alla costruzione degli acquedotti.

Il percorso si conclude nella sala del plastico di Roma nell’età di Costantino, nel quale sono riprodotti i tratti urbani degli acquedotti che alimentavano la Città con le loro caratteristiche arcate, come pure i vari impianti termali pubblici e privati, tra cui si segnalano i grandi stabilmenti delle Terme di Traiano, di Caracalla e Diocleziano.

Il logo è posto accanto a ognuna delle opere del percorso, per segnalarle in modo evidente e ricollegarle tra loro seguendo un filo unitario.

VISITE GUIDATE GRATUITE SOLO CON IL BIGLIETTO DI INGRESSO AL MUSEO

OGNI SABATO E DOMENICA DI FEBBRAIO

dalle ore 10 alle 11.30 e dalle ore 11.30 alle 13.00

max 30 persone per ogni turno di visita

www.museociviltaromana.it

INFO E PRENOTAZIONI 060608 (tutti i giorni ore 9.00 – 21.00)

Brava!

2012-01-27T08:08:00.000-08:00

teatro Ghione

dal 31 Gennaio al 12 Febbraio

Brava!

con

Anna Mazzamauro

Regia Tommaso Paolucci

Musiche Michele Paulicelli

Costumi Graziella Pera

Coreografia Fabrizio Angelini

Scene Gabriele Moreschi

Lo spettacolo

La consacrazione di una straordinaria attrice, Anna Mazzamauro , nel ruolo di one-woman-show. L’attrice resterà in scena per quasi due ore di spettacolo, affiancata da sei ballerini-cantanti-attori, ballando, cantando e recitando nella migliore tradizione della commedia musicale italiana alla Garinei e Giovannini e sulla scia dei musical di Broadway.

La storia di Brava! è quella di un' attrice che decide di portare in scena oltre 20 personaggi : dalla Magnani , alla Signorina Silvani, da Mary Poppins a un numero infinito di soubrettes, macchiette e personaggi del varietà italiano.

Dodici coreografie con altrettanti motivi musicali hanno decretato Brava! un grandissimo successo sia di pubblico che di critica. Uno spettacolo di grande intelligenza in cui l’artista ripercorre anche la sua carriera in un fuoco d’artificio di oltre sessanta costumi, musiche, canzoni e coreografie .

Per Anna Mazzamauro è l’occasione di vivere sulla scena due ore da leonessa , sentendosi gridare dal pubblico: “Brava!”.

Informazioni

Il teatro Ghione si trova a Roma, in via delle fornaci 37

(nelle immediate vicinanze di piazza San Pietro).

Il sito ufficiale del teatro è www.teatroghione.it

ROMEO E GIULIETTA

2012-01-27T07:58:00.001-08:00

Roma TEATRO ELISEO

31 gennaio / 12 febbraio 2012

Riccardo Scamarcio - Deniz Ozdogan

ROMEO E GIULIETTA

di William Shakespeare

traduzione e adattamento di Fausto Paravidino e Valerio Binasco

con Antonio Zavatteri, Filippo Dini,

Andrea Di Casa, Simone Luglio, Gianmaria Martini, Nicola Pannelli, Fulvio Pepe,

Giampiero Rappa, Nicoletta Robello, Marcela Serli, Roberto Turchetta,

e con Milvia Marigliano

scene Carlo De Marino

costumi Sandra Cardini

luci Pasquale Mari

musiche originali Arturo Annecchino

regista collaboratore Nicoletta Robello

regia Valerio Binasco

Premio Ubu 2011 Miglior regia

produzione

Nuova Teatro Eliseo/ Compagnia Gank

in collaborazione con Gloriababbi Teatro

e con la preziosa collaborazione del Teatro Biondo Stabile di Palermo che si ringrazia

Dopo il grande successo della passata stagione, torna dal 31 gennaio al 12 febbraio, al Teatro Eliseo di Roma, Romeo e Giulietta di William Shakespeare (traduzione e adattamento di Fausto Paravidino e Valerio Binasco) con la regia di Valerio Binasco. Protagonisti dello spettacolo sono Riccardo Scamarcio e Deniz Ozdogan in scena con Milvia Marigliano, Antonio Zavatteri, Filippo Dini, Andrea Di Casa, Simone Luglio, Gianmaria Martini, Nicola Pannelli, Fulvio Pepe, Giampiero Rappa, Nicoletta Robello, Marcela Serli, Roberto Turchetta.

Lo spettacolo che sarà dal 18 al 20 gennaio al Teatro Biondo di Palermo, dal 31 gennaio al 12 febbraio al Teatro Eliseo di Roma e dal 14 al 19 febbraio al Teatro Smeraldo di Milano, è valso a Valerio Binasco il premio Ubu 2011 miglior regia. Premio Flaiano a Riccardo Scamarcio. Per la sua interpretazione Filippo Dini ha vinto il Premio Le Maschere del Teatro 2011 - Migliore attore non protagonista.

Così si riavvicina al Bardo (suo autore ‘assoluto’), Valerio Binasco, uno dei più apprezzati registi della nuova generazione, che di recente si è soprattutto confrontato con la drammaturgia contemporanea (N. Ginzburg, J. Fosse, F. Paravidino). Nel suo stile considerato “naturalistico”, c’è sempre l’irruzione dell’inatteso, del ludico, e del sorprendente. Tutto dentro una forma di poesia e di profondità che negli anni hanno creato attesa per sue le direzioni e, spesso, anche per le sue interpretazioni. In questo caso però Binasco sarà solo alla regia del testo d’amore e morte più classico della drammaturgia mondiale: nel ruolo del protagonista, al suo debutto assoluto a taetro, ci sarà un vero divo cinematografico come Riccardo Scamarcio, che dopo anni di successi sul grande schermo ha scelto qui di misurarsi con il teatro. Scamarcio come Romeo di oggi che incontra la Giulietta Deniz Ozdogan, attrice turca ma impegnata in Italia da anni. Accanto ai due protagonisti si muove un cast di attori eccezionali molti dei quali hanno già in passato lavorato con Valerio Binasco. Alcuni membri della compagnia dello spettacolo fanno parte tra l’altro di due realtà teatrali indipendenti tra le più interessanti del panorama artistico italiano, la Compagnia Gank (Antonio Zavatteri) e la Gloriababbi Teatro (Filippo Dini, Giampiero Rappa e Andrea Di Casa), che sono state coinvolte nell’operazione anche da un punto di vista produttivo.

"“Romeo e Giulietta” è un punto di snodo importante, per molti motivi. Innanzitutto perché, insieme a tutto il progetto artistico e produttivo della stagione in corso, segna un passaggio importante nella ricerca artistica che l’Eliseo porta avanti per trovare le strade di quello che mi viene da definire, sperando di non essere frainteso, un “nuovo teatro popolare”: un Teatro cioè che coniughi con naturalezza la grande qualità, l’arte e il pubblico. Quel Teatro che era negli anni ’50 e ’60 nelle mani di artisti dell’importanza di Eduardo e Luchino Visconti, quel Teatro che ora per noi è un obiettivo. In secondo luogo, “Romeo e Giulietta” segna una tappa fondamentale nel rapporto costruito dall’Eliseo con Valerio Binasco: quarto spettacolo insieme, primo spettacolo shakespiriano. Un rapporto fruttuoso, stimolante, dialettico che ci ha portato finalmente nelle braccia di un grande classico. Inoltre, “Romeo e Giulietta” diventa il punto di incontro di mondi diversi, di attori con storie che non si sarebbero mai incrociate: Riccardo Scamarcio, star cinematografica, Deniz Ozdogan, attrice che viene dalle tavole del palcoscenico, alcuni membri della compagnia Gank di Genova (Antonio Zavatteri), che contribuisce anche produttivamente allo spettacolo, altri, membri di Gloriababbi Teatro (Giampiero Rappa, Filippo Dini, Andrea Di Casa), Milvia Marigliano nei panni della balia, Fulvio Pepe, Simone Luglio che già avevano lavorato con l’Eliseo, e alcuni nuovi ingressi nella squadra dell’Eliseo (Gianmaria Martini, Roberto Turchetta, Marcela Serli e Nicola Pannelli).

Dove ci porterà tutto questo facciamo fatica a capirlo: la mancanza di una visione della politica culturale del nostro Paese ci lascia perplessi e attoniti, i tagli rischiano di mettere in ginocchio definitivamente il sistema culturale italiano. Per ora, noi rilanciamo, e rilanciamo nella direzione, ancora una volta, di porre il Teatro Eliseo come una realtà di riferimento nel panorama produttivo e artistico italiano, orgogliosi di essere sempre il più importante teatro stabile privato (di interesse pubblico?) del Paese."

Massimo Monaci

(direttore del Teatro Eliseo)

Note di regia

"È quasi tutto troppo con Shakespeare. E Romeo e Giulietta ha persino un troppo in più. È un’opera così famosa che è impossibile sfuggire al già visto. In più mi accorgo che del testo mi piacciono soprattutto cose marginali: i personaggi secondari, il tono da commedia, il provincialismo italiano (di cui Shakespeare non sapeva nulla, certo, ma come non pensarci quando vedo quei poveri giovinastri Capuleti e Montecchi che si aggirano per Verona, nella nebbia, nel ‘niente da fare’ delle province del nord, determinati in modo quasi scientifico a diventare gretti e imbecilli come i loro genitori, antesignani illustri dei poveri baldi padani odierni … ?). Insomma la cosa che più mi attira in Romeo e Giulietta è la crudeltà, spesso involontaria ma ancor più spesso consapevole, che nasce dall’imbecillità umana. A parte i due protagonisti, in qualche modo ‘salvati’ dall’innamoramento, e dall’innamoramento convertiti al pacifismo, tutti gli altri si muovono minacciosi e vittoriosi verso il domani dell’umanità. Che è il nostro oggi, ahimè. Abbiamo visto tutti che bella carriera hanno fatto e stanno facendo nella Storia gli imbecilli violenti, e quale pessima gli innamorati pacifisti. Se la morte dei due innamorati doveva servire a placare gli animi, secondo le teorie di René Girard, allora ci troviamo dinnanzi a due capri espiatori. All’epoca di Shakespeare è probabile che lo shock morale della morte di due innocenti fosse sufficiente a fermare un’escalation di stragi. Oggi non funziona più. I capri ammazzati son capri morti e basta, di espiatorio non si vede nulla. Ma forse anche le famiglie di Romeo e Giulietta si salvano dalla strage reciproca ma non dall’accidia che fa fermentare il nulla e il vuoto della provincia (le statue d’oro dei figli al termine della tragedia cosa risolvono?). E di questi climi di provincia ho un’esperienza personale, che porterò. Anzi, qualcuno che vuol bene al mio lavoro, mi ha detto che in qualche modo io continuo a provare a fare Checov, magari anche Maupassant, nei miei spettacoli. Sono d’accordo con lui. A onor del vero qualcosa di simile me l’ha detta anche qualcuno che non vuole bene al mio lavoro. Sono d’accordo anche con lui. Vedremo che succederà. Con Shakespeare non si può prevedere nulla. Intanto mi sono procurato degli attori fantastici, e avrò al mio fianco Sandra Cardini, il mio Ariel prezioso che non ha paura dei troppi della vita e dell’arte."

Valerio Binasco

È uno degli attori-registi teatrali più apprezzati della “nuova” generazione: diplomato presso la Scuola di Recitazione del Teatro Stabile di Genova nel 1988, dove ha iniziato a lavorare come attore con Marco Sciaccaluga, Valerio Binasco ha collaborato ai progetti artistici di Franco Branciaroli e per molti anni ha lavorato con Carlo Cecchi. Ha ricevuto il Premio Linea d’ombra e il Premio Ubu quale miglior attore giovane per l’interpretazione di Amleto (proprio per la regia di Carlo Cecchi) ed è stato prescelto quale vincitore per i Premi Olimpici del Teatro e per il Premio Ubu per Edipo a Colono (miglior attore non protagonista, regia di Mario Martone). Con Cecchi ha interpretato anche il ruolo di Clov nello spettacolo (premio Ubu) Finale di partita di Beckett. Lavora anche per il cinema, ricordiamo: Lavorare con lentezza di Guido Chiesa, Texas di F. Paravidino, La bestia nel cuore di C. Comencini, ed è stato tra i protagonisti del film di F. Ozpetek Un giorno perfetto del film (cinema e tv) e de Il sangue dei vinti dal libro di Pansa con la regia di Soavi. Alterna l’attività di interprete e di regista, e anche nel secondo ruolo ha meritato molti riconoscimenti: tra gli spettacoli da lui diretti citiamo La chiusa di Conor Mcpherson, Il cortile di Spiro Sciamone, Cara Professoressa di Ludmilla Razumovskaja, Ti ho sposato per allegria di Natalia Ginzburg. Nelle ultime stagioni ha messo in scena la trilogia dell’autore norvegese Jon Fosse: Qualcuno arriverà al Teatro Stabile di Genova, E la notte canta al Teatro di Roma e Un giorno d’estate prodotto dal Teatro Eliseo di cui è regista stabile per il triennio 2009-2011 e per il quale nel 2009 ha diretto e interpretato insieme a Maria Paiato anche L’intervista di Natalia Ginzburg. Nel 2010 è coprotagonista con Luigi Lo Cascio del film Noi credevamo di Mario Martone. Sempre nel 2010 apre la stagione Carignano di Torino con Filippo di Alfieri e dirige Ennio Fantastichini e Isabella Ferrari nello spettacolo il Catalogo di Jean Claude Carriére. La regia di Romeo e Giulietta è valsa a Binasco il Premio Ubu 2011 migliore regia.

Dramatis Personae

Coro.

Escalo. Giampiero Rappa

Principe di Verona.

Paride. Roberto Turchetta

Un giovane conte, parente del Principe.

Montecchi. Nicola Pannelli

Signore di una delle due famiglie in lotta.

Capuleti. Antonio Zavatteri

Signore di una delle due famiglie in lotta.

Romeo. Riccardo Scamarcio

Figlio del Montecchi.

Tebaldo. Gianmaria Martini

Nipote di Donna Capuleti.

Mercuzio. Andrea Di Casa

Parente del Principe e amico di Romeo.

Benvolio. Fulvio Pepe

Nipote del Montecchi e amico di Romeo.

Padre Lorenzo. Filippo Dini

Prete.

Padre Giovanni. Simone Luglio

Prete.

Baldassarre. Francesco Formichetti

Servo di Romeo.

Abramo. Giuseppe Cristiano

Servo dei Montecchi.

Sansone. Emanuele Arciprete

Servo dei Capuleti.

Gregorio. Massimiliano Frateschi

Servo dei Capuleti.

Pietro. Nicola Pannelli

Servo della Balia di Giulietta.

Quattro musici Andrea Di Casa, Simone Luglio

Giampiero Rappa, Fulvio Pepe

Donna Montecchi. Nicoletta Robello

Moglie del Montecchi.

Donna Capuleti. Marcela Serli

Moglie del Capuleti.

Giulietta. Deniz Ozdogan

Figlia del Capuleti.

Balia di Giulietta. Milvia Marigliano

Cittadini di Verona; uomini e donne delle due casate; maschere, portatori di torce, paggi, guardie,

servi e servitori: Emaunuele Arciprete, Giada Caruso, Giuseppe Cristiano, Eleonora Mainardi, Francesco Formichetti, Martina Manufò, Massimiliano Frateschi, Riccardo Morgante, Claudio Suriano,

Orario recite: da martedì a sabato ore 20.45

domenica ore 17.00

I° Platea euro 32 – II° Platea euro 30 – Balconata euro 28

I° Galleria euro 17 – II° Galleria euro 11

Ridotto giovani e gruppi: fino al 36%

Ridotto over 65 (mercoledì e sabato pomeriggio):

fino al 22%

Prezzi weekend (venerdì, sabato, domenica):

platea 35 € | balconata 30 €

prima galleria 17 € | seconda gallera 11 €

Per le recite infrasettimanali i prezzi rimangono invariati

(NB: platea Prima recita 47 €)

MIDSUMMER

2012-01-27T07:41:00.000-08:00

PICCOLO ELISEO PATRONI GRIFFI

31 gennaio / 5 febbraio 2012

PUGLIA IN SCENA A ROMA

in collaborazione col Teatro Pubblico Pugliese

nell'ambito del progetto Internazionalizzazione della Scena

MIDSUMMER

Una commedia romantica con canzoni

di David Greig

regia di Gianpiero Borgia

musiche di Gordon McIntyre

traduzione di Masolino d’Amico

con Manuela Mandracchia e Christian Di Domenico

e con Francesco Santalucia

adattamento e musiche Francesco Santalucia e Papaceccio

Dal 31 gennaio al 5 febbraio va in scena Macbeth Night della compagnia Teatro dei Borgia, ultimo appuntamento di PUGLIA IN SCENA, la vetrina che porta sul palcoscenico del Piccolo Eliseo quattro tra le migliori espressioni della terra teatrale pugliese. “Un tentativo – dice Carmelo Grassi, presidente del Teatro Pubblico Pugliese – di far conoscere meglio le eccellenze pugliesi anche nelle principali piazze italiane e dare maggiori opportunità di crescita alle produzioni pugliesi”.

E’ una commedia intrisa di ironia e passione l’acclamata “Midsummer” del drammaturgo inglese David Greig. Uno spettacolo divertente, tenero e profondo scritto dal più quotato drammaturgo della scena contemporanea e tradotto, per la prima volta in italiano, dal celebre critico teatrale, giornalista e anglista Masolino D’Amico.

La regia è dell’affermato regista barlettano Gianpiero Borgia, premio nazionale della critica teatrale 2010 per lo spettacolo “Come spiegare la storia del comunismo ai malati di mente”.

Helena è un avvocato elegante e di successo, tutta profumo e self control, ma vagamente insoddisfatta e infelice. Bob è un uomo piuttosto insignificante, che un tempo sognava di fare il musicista di strada suonando in giro per l’Europa e ora gravita ai margini della malavita di Edimburgo. Si incontrano una sera in un wine bar e, ubriachi, finiscono a letto insieme. Per entrambi la cosa termina lì. Ma quando, il giorno dopo, si incontrano di nuovo e una serie di circostanze li spinge a passare altro tempo insieme, scoprono di provare qualcosa di profondo.

La loro insolita storia d’amore è musicata da alcune canzoni scritte dal genio dei Ballboy, Gordon McIntyre, interpretate in scena dagli stessi attori.

Sullo sfondo la presenza romantica e inconfondibile di Edimburgo, la terza protagonista dell’opera.

Nel ruolo di Helena, la pluripremiata Manuela Mandracchia, attrice che ha a lungo lavorato con Luca Ronconi, Mauro Avogadro e per il cinema con Cristina Comenicini e Nanni Moretti. Ad interpretare Bob sarà l’intenso ed eclettico Christian Di Domenico.

La produzione è realizzata nell’ambito del progetto “Teatri Abitati: una rete del contemporaneo”, finanziato dal FESR (Fondo Europeo di Sviluppo Regionale) dell’Asse IV, Linea di intervento 4.3.2, affidato dalla Regione Puglia al Teatro Pubblico Pugliese.

“Midsummer” inaugura l’attività di produzione della compagnia Teatro dei Borgia nell’anno in cui ricorre il decennale dalla sua fondazione. Una anno dedicato alle sperimentazioni sulla nuova drammaturgia europea. Una scelta che riflette l’attenzione della storica compagnia verso quanto c’è oggi di innovativo e fruibile sulla scena contemporanea.

Note di regia

Il tratto comune della nuova scrittura teatrale europea sembra essere la ricerca poetica che tende ad un contatto maggiore con il pubblico, soprattutto attraverso la costruzione di storie coinvolgenti e l’uso di un linguaggio che, per quanto sperimentale, incontri i gusti dello spettatore.

David Greig è un drammaturgo esemplare in questo nuovo modo di fare teatro: nei suoi lavori i piani della narrazione, dell’azione scenica e della musica vengono mescolati con libertà e gioia in una relazione ludica con il pubblico. Midsummer è un testo che parla a un’intera generazione, quella degli eternamente adolescenti trentacinquenni che devono fare i conti con le scelte, la ricerca della felicità e l’improvviso presentarsi dell’amore.

Orario recite: da martedì a sabato ore 20.45

domenica ore 17.00

Biglietti: posto unico 15 € , ridotto 10 €.

Acquistando insieme i 4 spettacoli di PUGLIA IN SCENA 7,50 € a spettacolo.

FESTA INDIANA AL MAXXI

2012-01-27T03:27:00.000-08:00

DOMENICA 29 GENNAIO, ORE 11:30

DANZE TRADIZIONALI NELLA PIAZZA DEL MUSEO

PER LA CHIUSURA DI INDIAN HIGHWAY

ULTIMO WEEKEND PER VISITARE LA MOSTRA

80mila visitatori in quattro mesi

progetto a cura del Dipartimento Educazione del MAXXI

in collaborazione con Servizio Didattico del MNAO e Associazione culturale Vidya – Arti e Culture dell’Asia

Roma, 27 gennaio 2012. 80mila visitatori in 116 giorni, dal 21 settembre 2011 ad oggi. Sono i numeri di INDIAN HIGHWAY, la grande mostra collettiva sull’arte indiana contemporanea organizzata dal MAXXI Arte che, attraverso 60 opere di 30 artisti, racconta la corsa vertiginosa del subcontinente indiano verso il futuro, insieme con la forza e la presenza di una tradizione millenaria.

Sabato 28 e domenica 29 gennaio sono gli ultimi giorni per visitare la mostra.

In occasione della sua chiusura, il Dipartimento Educazione del MAXXI, in collaborazione con il Servizio Didattico del MNAO (Museo Nazionale d’Arte Orientale “Giuseppe Tucci”) e l’Associazione culturale Vidya – Arti e Culture dell’Asia, organizza un Open Day di Danze Indiane nella piazza del Museo, che si animerà di mille colori e suoni, proprio dove la ghirlanda di volti di N.S. Harsha accoglie e incuriosisce i visitatori.

Appuntamento domenica 29 gennaio, alle ore 11:30 (fino alle 13:30): le maestre Marialuisa Sales e Ambili Abraham, insieme ai loro allievi, animeranno l’evento presentando rispettivamente la danza classica nazionale Bharatanatyam e la danza Bollywood, ormai marchio distintivo dell’India per il grande pubblico. I visitatori del MAXXI sono invitati a partecipare. La danza si farà così linguaggio comune di scambio e comunicazione interculturale, strumento privilegiato per l’incontro fra le culture e il superamento degli stereotipi e dei pregiudizi.

L’incontro di domenica 29 è l’ultima tappa di un progetto che ha coinvolto i due musei: alla presenza di mediatori culturali, le famiglie del quartiere Flaminio e dell’Esquilino insieme a quelle del subcontinente indiano che risiedono a Roma, hanno visitato per due weekend (14 e 15 gennaio, 21 e 22 gennaio 2012) le collezioni del Museo d’Arte Orientale e poi, al MAXXI, la mostra sull’arte contemporanea indiana. Il percorso didattico ha collegato la componente storica e tradizionale del tessuto culturale indiano con gli apporti più recenti di una cultura in pieno fermento, attraverso il viaggio dalle campagne alla città, dall’antica cultura dei Veda alla Silicon Valley di Bangalore.

E’ un progetto dalla forte valenza interculturale in cui il confronto tra l’arte indiana antica e quella contemporanea diventa strumento efficace per la conoscenza di tradizioni e costumi diversi, nello spazio privilegiato del Museo.

La mostra INDIAN HIGHWAY è stata realizzata con il contributo di Japan Tobacco International.

Il Gioco del Lotto è partner delle attività educative del MAXXI.

Per informazioni:

Dipartimento Educazione MAXXI:

email:edumaxxi@fondazionemaxxi.it

info: 06.399.67.350; info@fondazionemaxxi.it

www.fondazionemaxxi.it - www.romaexhibit.it

orario di apertura:

11.00 – 19.00 (martedì, mercoledì, giovedì, venerdì, domenica)

11.00 – 22.00 (sabato)

giorni di chiusura: chiuso il lunedì, il 1° maggio e il 25 dicembre

biglietto:

€11,00 intero, € 8,00 ridotto

Aesthetica

2012-01-27T01:07:00.000-08:00

TEATRO CASSIA

sabato 28 gennaio ore 21

domenica 29 gennaio ore 17,30

Compagnia Kaos Balletto Di Firenze

presenta

Aesthetica

La bellezza è in movimento

Sabato 28 e domenica 29 gennaio,al Teatro Cassia, la Compagnia Kaos Balletto Di Firenze presenta,Aesthetica,La bellezza è in movimento. Stile, energia ed emozione sono l’anima di questa nuova produzione della Compagnia Kaos Balletto di Firenze. Qui i coreografi si confrontano con lo scopo comune di generare bellezza e cercano “il bello” da punti di vista differenti, con la volontà di trovare altre vie per raggiungere forme ed emozioni esteticamente appaganti.È la ricerca di un piacere puramente epicureo che possa arrivare in modo diretto agli occhi dello spettatore, emozionarlo e coinvolgerlo, regalandogli una nuova bella esperienza.

“AMORE+PSICHE” Pezzo inedito

Coreografia: Cristian Fara

musica: Ryuichi Sakamoto, Yann Tiersen, Giovanni Sollima, Zoe Keating

Tratto dalla favola greca di Apuleio, Amore e Psiche descrive un amore tormentato tra l’etereo mondo divino e il carnale mondo umano.

Gelosia, passione, invidia e sentimento si intrecciano in questa antica storia riportata ai nostri giorni.

“STORIA ROM-ANTICA”

Coreografia: Roberto Sartori

Musica: Goran Bregovic

Questo progetto nasce da una particolare predilezione per le sonorità klezmer e le loro suggestioni visive che riecheggiano una frammentazione umana e culturale ricca di spunti accattivanti. La musica klezmer, in cui palpita non solo l’identità culturale yiddish ma anche, in senso lato, il frazionamento e la compenetrazione tra le popolazioni slave, è sorgente ispiratrice per un percorso coreografico che si focalizza su una determinata comunità, ricca di storia eppure senza tempo: il popolo gitano. Con i suoi codici, i suoi "spigoli" e le sue gerarchie, quasi un’unica, grande famiglia. Ogni elemento, ogni atteggiamento trova il suo posto in un’ottica limpida e netta, eppure lievemente surreale. In ogni società è possibile una storia romantica.

“SUBLIME” Pezzo inedito

Coreografia: Roberto Sartori

Musica: W. A. Mozart, G. Rossini, G. F. Handel.

Il bello è ciò che cogliamo mentre sta passando. È l'effimera configurazione delle cose nel momento in cui ne vedi insieme la bellezza e la morte. (Muriel Barbery)

La bellezza è mescolare in giuste proporzioni il finito e l'infinito. (Platone)

Per me la bellezza è il movimento,

E’ insieme la fortuna di avere e la capacita di procurarsi doti e virtù, la sensibilità e il gusto di misurarli in ogni nuova fase dell’esistenza.

La bellezza non si può fossilizzare pensando che possa restare inalterata in eterno.

Da giovani le doti possono essere tali da generare bellezza anche in assenza di virtù, ma più decadono più la virtù si rende necessaria … fino al punto in cui tutta la virtù di cui siamo capaci non è più in grado di generare bellezza!

BIGLIETTI

Intero da 10 a 20 euro

Ridotto da 8 a 16 euro

Teatro Cassia

Via Santa Giovanna Elisabetta,69

00189 ROMA

Tel 06 9652 7967

Fax 06 4547 0565

www.teatrocassia.it

promozione@teatrocassia.it

1938-1945 LA PERSECUZIONE DEGLI EBREI IN ITALIA

2012-01-27T00:33:00.000-08:00

DOCUMENTI PER UNA STORIA

CASA DELLA MEMORIA E DELLA STORIA

25 gennaio – 10 febbraio 2012

Inaugurazione martedì 24 gennaio 2012 - ore 16.00

Alla Casa della Memoria e della Storia di Roma, la celebrazione del Giorno della Memoria - il 27 gennaio - prevede anche quest’anno una settimana di iniziative: dal 23 al 30 gennaio 2012 si alterneranno incontri con le scuole, letture e presentazioni di libri, proiezioni di film e documentari, testimonianze e interviste.

Martedì 24 gennaio alle 16.00, per arricchire le iniziative proposte, viene inaugurata 1938-1945. La persecuzione degli ebrei in Italia. Documenti per una storia, una mostra che illustra, con impostazione scientifica e completezza storica, la persecuzione degli ebrei in Italia dal 1938 al 1945, con l’ausilio di 38 pannelli e articolandosi in 15 sezioni tematiche.

Si parte dalle premesse storiche, per contestualizzare la situazione agli esordi del ‘900, con le sezioni Ebrei nell’Italia unita; Antisemitismo e razzismo; Ebrei e Italia fascista. Il percorso espositivo prosegue attraverso il periodo della minorazione dei diritti e della persecuzione sociale - dal 1938 al 1943 sotto il governo fascista del Regno d’Italia - illustrata dalle sezioni Propaganda antiebraica 1937-1938; Le leggi antiebraiche del 1938-1939; Gli effetti delle leggi; Di fronte alla persecuzione; Le norme antiebraiche del 1940-1943.

Guidato dal testo riassuntivo introduttivo di ciascuna sezione, il visitatore potrà quindi soffermarsi davanti all’immagine della copertina del primo numero de “La difesa della razza” - principale periodico italiano di divulgazione dell’antisemitismo e del razzismo fascista - e passare davanti a un esempio degli elenchi dei cittadini ebrei italiani, le schedature attuate da Comuni italiani nel ’38 per rendere gli ebrei reperibili. Si potrà soffermare di fronte alle riproduzioni delle lettere con le quali gli ebrei venivano licenziati dai loro posti di lavoro o davanti alle riproduzioni dei cartelli che ne vietavano l’ingresso in alcuni luoghi pubblici.

La mostra continua illustrando il periodo storico dal settembre 1943 alla Liberazione, nelle regioni poste sotto l’occupazione tedesca e la Repubblica Sociale Italiana. Questa fase, contrassegnata dagli arresti, dalla deportazione e dallo sterminio è raccontata nelle sezioni L’Europa nazista e gli ebrei: persecuzione e sterminio; Occupazione tedesca ed estensione della shoah in Italia; La politica antiebraica della Repubblica sociale italiana; Carceri, campi, eccidi; Deportazione dall’Italia e sterminio; Clandestinità, fuga, resistenza, soccorso. Si potranno quindi leggere la lettera degli arrestati in attesa di conoscere la loro sorte o la riproduzione del foglio consegnato agli arrestati del 16 ottobre 1943 a Roma. Ci si potrà documentare sui campi di concentramento per ebrei in Italia e prendere visione dei testi delle cartoline gettate dai treni dai deportati in viaggio verso i campi, delle schede di segnalazione di ebrei scomparsi raccolte dopo la liberazione di Roma, delle lettere dei delatori, le lettere con cui alcuni giovani avvertono i genitori del loro ingresso nella resistenza. Testimonianze vive di un tempo buio della storia d’Italia.

Conclude il percorso il ritorno alla vita nell’immediato dopoguerra.

L’iniziativa - alla Casa della Memoria e della Storia dal 25 gennaio al 10 febbraio 2012 - è a cura dell’Associazione Romana Amici D’Israele con pannelli della Fondazione Centro di Documentazione Ebraica Contemporanea CDEC onlus di Milano ed è promossa da Roma Capitale - Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico, Dipartimento Cultura - Servizio Programmazione e Gestione Spazi Culturali in collaborazione con Zètema Progetto Cultura.

Casa della Memoria e della Storia

Via San Francesco di Sales, 5 (Trastevere) – Roma

dal lunedì al venerdì, 9.30 - 20.00

sabato e domenica chiuso

Tel. 060608, 06 6876543

www.casadellamemoria.culturaroma.it

http://casamemoria.wordpress.com

INGRESSO LIBERO

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23 - 30 GENNAIO 2012

SETTIMANA DELLA MEMORIA

CASA DELLA MEMORIA E DELLA STORIA

Il 27 gennaio 1945 l’Armata Rossa apriva i cancelli del campo di sterminio di Auschwitz, rivelando al mondo gli orrori che vi erano stati consumati.

Nel 2000 il Parlamento italiano istituiva il 27 gennaio il “Giorno della Memoria”, in “ricordo dello sterminio e delle persecuzioni del popolo ebraico e dei deportati militari e politici italiani nei campi nazisti”.

Anche quest’anno la Casa della Memoria e della Storia conferma il suo ruolo di primo piano a Roma per le celebrazioni del “Giorno della Memoria” con un programma che dal 23 al 30 gennaio 2012 propone incontri con le scuole, letture e presentazioni di libri, proiezioni di film e documentari, testimonianze, interviste e una mostra.

L’iniziativa, promossa dall’Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico di Roma Capitale, è a cura delle Associazioni residenti e della Biblioteca della Casa della Memoria e della Storia con il coordinamento organizzativo del Dipartimento Cultura - Servizio Programmazione e Gestione Spazi Culturali in collaborazione con Zètema Progetto Cultura.

Tutte le iniziative sono a ingresso libero fino a esaurimento posti disponibili

Lunedì 23 gennaio 2012

Maratona di lettura “AD ALTA VOCE PER NON DIMENTICARE”:

dalle 9.30 alle 13.30 - “LETTURE DALLA SCUOLA” con brani proposti dagli studenti,

dalle 15.00 alle 20.00 - “LETTURA COLLETTIVA APERTA A TUTTI” da “L’esile filo della memoria” di Lidia Beccaria Rolfi (Einaudi, 1996).

Iniziativa a cura della Casa della Memoria e della Storia

Martedì 24 gennaio 2012

Dalle ore 10.00 – Sala Multimediale

Proiezione del film "TZIGARI, UNA STORIA ROM”, regia di Paolo Santoni (Italia, 2010). Il film documentario è ispirato all’autobiografia di Giuseppe Levacovich, meglio conosciuto come Tzigari, un Rom italiano che, a seguito della deportazione della moglie durante la seconda guerra mondiale, si arruolò con i partigiani della brigata Osoppo. Introduzione a cura del regista e di Antun Blazevic mediatore culturale.

Iniziativa a cura della Biblioteca della Casa della Memoria e della Storia in collaborazione con Fabula Film

Dalle ore 16.00 – Sala Multimediale e Spazio Mostre

Inaugurazione della mostra "1938-1945 LA PERSECUZIONE DEGLI EBREI IN ITALIA".

Fino al 10 febbraio 2012.

La mostra illustra attraverso alcuni pannelli, con impostazione scientifica e completezza storica, la persecuzione degli ebrei in Italia ricostruendo le tragiche vicende di quegli anni: dalla minorazione dei diritti e la persecuzione sociale sotto il governo fascista del Regno d’Italia nel periodo dal 1938 al 1945, agli arresti, la deportazione e lo sterminio, nelle regioni poste sotto l’occupazione tedesca e la Repubblica Sociale Italiana, dal settembre 1943 alla Liberazione.

Iniziativa a cura dell’Associazione Romana Amici D’Israele con pannelli del CDEC di Milano

Dalle ore 17.30 – Sala Multimediale

Tavola rotonda su “BIRKENAU – IL MONUMENTO FRA STORIA E MEMORIA” in occasione della presentazione del libro “La memoria di Auschwitz. Storia di un monumento 1957-1967” di Giorgio Simoncini (Editoriale Jaka Book, 2012). Storia del monumento di Birkenau dal primo bando del 1957 alla sua realizzazione nel 1967, raccontata dall’architetto che ne ha seguito la realizzazione in collaborazione con lo scultore Pietro Cascella. Non viene esposto solo il punto di vista tecnico ideativo ma anche quello etico e di personale coinvolgimento. Proiezione di materiale illustrativo. Ne parlano insieme all'autore, l’architetto Adachiara Zevi, lo storico Bruno Tobia, lo psicanalista David Meghnagi. Coordina Vera Michelin Salomon.

Iniziativa a cura di ANED Sezione di Roma

Mercoledì 25 Gennaio 2012

Dalle ore 10.00 – Sala Multimediale

Proiezione del film “VENTO DI PRIMAVERA” (titolo originale La Rafle), regia di Roselyne Bosch (Germania, Francia, Ungheria, 2011). Il film mette in luce la complicità attiva del governo collaborazionista di Vichy nella deportazione degli ebrei francesi. Attraverso gli occhi del piccolo ebreo Joseph Weysmann di dieci anni e dei suoi due amici, i fratellini Simon e Nono Zygler, si racconta la retata dello stadio Velodromo d’Inverno (1942) nella quale 13.152 persone fra cui 4.115 bambini vennero arrestate e rinchiuse nel Velodromo e a Drancy, il campo di concentramento e transito alle porte di Parigi, in attesa di essere deportati ad Auschwitz.

Iniziativa a cura di IRSIFAR

Dalle ore 17.00 – Sala Multimediale

Incontro sul libro “LA CITTÀ E L’ISOLA. OMOSESSUALI AL CONFINO NELL’ITALIA FASCISTA” di Gianfranco Goretti e Tommaso Giartosio (Donzelli Editore, 2006).

A partire da testimonianze e da fonti d'archivio gli autori ricostruiscono un mondo che sembrava scomparso nel nulla: quello dell'Italia omosessuale durante il fascismo. Le complicità, le rivalità, i travestimenti, gli espedienti, la paura, l'amore. E poi, dopo l'arresto, gli stratagemmi messi in atto dalle famiglie, i paradossi nati dalla detenzione, i tentativi nobili o strumentali (ma quasi sempre vani) di rivendicare la propria innocenza e guadagnarsi la libertà.

Intervengono: Andrea Maccarone del Circolo Mario Mieli e gli autori.

Coordina Ernesto Nassi Vice Presidente Vicario dell’Anpi di Roma e del Lazio.

Iniziativa a cura di ANPI di Roma e del Lazio in collaborazione con il Circolo Mario Mieli

Giovedì 26 Gennaio 2012

Dalle ore 9.30 – Sala Multimediale

Proiezione integrale del film documentario “SHOAH”, regia di Claude Lanzmann (Francia, 1985).

I sopravvissuti, i testimoni, i carnefici. I volti, le parole, le storie e le domande di un uomo. Sullo sfondo, in una quiete sconvolgente, i luoghi dello sterminio come sono oggi. Realizzato in undici anni di lavoro, oltre nove ore di durata, Shoah, uscito nelle sale nel 1985, è considerato un evento cinematografico insostituibile, un’opera fondamentale nella ricostruzione della memoria della deportazione.

Ad introdurre la proiezione, in occasione dell’inaugurazione del Master in Didattica della Shoah dell’Università Roma Tre, interventi di: David Meghnagi, Direttore del Master, Claudia Hassan, Università di Tor Vergata e Massimo Rosati, Direttore del Centro studi e documentazione su Religioni e Istituzioni politiche nella società post-secolare (Csps) Università Tor Vergata.

Iniziativa a cura della Biblioteca della Casa della Memoria e della Storia e del Master Didattica della Shoah dell’Università Roma Tre, con la collaborazione di Csps e Europa Ricerca (Onlus)

Venerdì 27 Gennaio 2012

Dalle ore 10.00 – Sala Multimediale

Proiezione del cortometraggio “AKTION T4” regia di Silvia Cutrera, in memoria della strage di bambini disabili o dichiarati tali dai nazisti tra gli anni 1942/44. Il documentario si compone di una intervista ad un testimone sopravvissuto e di una ricerca del prof. Michael von Cranach, direttore della Clinica psichiatrica Kaufbeuren, luogo di sterminio dei pazienti disabili. E’ presente l’autrice.

A seguire, proiezione del documentario “EUTANASIA NAZISTA”, tratto dalla raccolta “I sordi austriaci e il Nazionalsocialismo”, frutto del progetto di ricerca realizzato da Verena Krausneker & Katharina Schalber, che ha portato alla luce il modo in cui la comunità Sorda Austriaca è stata perseguitata e discriminata durante il regime Nazionalsocialista, tra il 1938 e il 1945. (in Lingua dei Segni Austriaca con sottotitoli in italiano). Intervengono: Dott.ssa Francesca di Meo, Mediateca Visuale - Istituto Statale Sordi di Roma, e Dott. Luca Des Dorides, Biblioteca Storica - Istituto Statale Sordi Roma.

Conclusioni a cura dello scrittore Giorgio Giannini.

Iniziativa a cura di ANED Sezione di Roma e Biblioteca della Casa della Memoria e della Storia in collaborazione con Agenzia per la Vita Indipendente Onlus e Istituto Statale Sordi di Roma

(dedicata alle scuole)

Dalle ore 15.00 – Sala Multimediale

Proiezione del film “A NOI FU DATO IN SORTE QUESTO TEMPO 1938/1947” a cura di Alessandra Chiappano, realizzato da N!03 e prodotto dall'Istituto Nazionale per la Storia del Movimento di Liberazione in Italia, dall’Associazione Comitato “In treno per la memoria” e CGIL-CISL Lombardia.

Una storia d’amore e di amicizia di un gruppo di ragazzi ebrei, intellettuali, studenti appena laureati e amanti della montagna vissuti a Torino nel periodo delle leggi razziali e della persecuzione nazifascista. Gli amici si chiamavano: Alberto Salmoni, Bianca Guidetti Serra, Silvio Ortona, Emanuele Artom, Luciana Nissim, Vanda Maestro, Eugenio Gentili Tedeschi, Giorgio Segre, Franco Momigliano, Giorgio Diena, Primo Levi, Ada Della Torre, Franco Sacerdoti. Interviene la curatrice.

Iniziativa a cura di IRSIFAR

Dalle ore 17.00 – Sala Multimediale

Proiezione di un brano del documentario “PRIGIONIERI. I SOLDATI ITALIANI NEI CAMPI DI CONCENTRAMENTO 1940-1947” dedicato alla detenzione nei campi nazisti degli “Internati Militari Italiani”, scritto e diretto da Massimo Sani (Italia, 1987). La vicenda degli I.M.I. viene illustrata dallo storico Luciano Zani dell’Università La Sapienza di Roma e da un testimone, Michele Montagano, ex internato militare in un KZ.

Iniziativa a cura di ANED Sezione di Roma e ANEI

Lunedì 30 gennaio

Dalle ore 10.00 – Sala Multimediale

"LE MEMORIE DELLA SHOAH. LE INTERVISTE ITALIANE DELLO USC SHOAH FOUNDATION”

Presentazione del sito www.shoah.acs.beniculturali.it dell’Archivio Centrale dello Stato nel quale sono consultabili 433 interviste audiovisive, in italiano, raccolte dalla Shoah Foundation Institute for Visual History and Education, fra i sopravvissuti o gli scampati ai Lager nazisti.

Le interviste sono parte del corpus di circa 52 mila videoregistrazioni effettuate in 70 Paesi e 37 lingue fra testimoni – ebrei, sinti e rom, politici, sacerdoti, omosessuali – della Shoah, che la Fondazione creata nel 1994 da Steven Spielberg ha realizzato per non disperdere la memoria del genocidio.

Introduce Anna Rossi-Doria. Micaela Procaccia illustra il sito e i possibili percorsi di ricerca.

Iniziativa a cura di IRSIFAR

Dalle ore 17.00 – Sala Multimediale

Presentazione del libro "NON AVEVO LA STELLA. LA TESTIMONIANZA DI UNA BAMBINA DEPORTATA PER ERRORE" di Errico Marisa Catone (ed. Nuova Dimensione, 2011).

Un papà, una mamma e una bambina di otto anni. La storia di una famiglia travolta dagli ultimi, terribili avvenimenti della Seconda guerra mondiale. La partenza da Mestre per i Sudeti al fine di ricongiungersi con i parenti di lingua tedesca della madre; un incredibile equivoco burocratico, le vicissitudini della sopravvivenza nei campi di transito e di sterminio dell'Europa centrale, l'arrivo nei territori cechi occupati dal III Reich, il lavoro forzato e finalmente il rientro in Italia, con mezzi di fortuna, dopo la Liberazione, sono osservati in questo libro con gli occhi di una bimba che voleva avere anche lei una stella cucita sul vestito, come i bambini ebrei del lager. Interventi di Aldo Cazzullo, Aldo Pavia e Stefano Gambari.

Letture a cura di Angelo Blasetti. E' presente l’autrice.

Iniziativa a cura della Biblioteca della Casa della Memoria e della Storia

Info

CASA DELLA MEMORIA E DELLA STORIA

da lunedì a venerdì 9.30 – 20.00

sabato e domenica chiuso

Via San Francesco di Sales, 5 (Trastevere) – Roma

Tel. 06 6876543 – 060608

INGRESSO LIBERO

www.casadellamemoria.culturaroma.it

http://casamemoria.wordpress.com

CENERENTOLA

2012-01-27T00:28:00.000-08:00

domenica 29 gennaio ore 17

Balletto di Milano

presenta:

CENERENTOLA

Balletto in due atti

Coreografia: Giorgio Madia  

Musiche: Gioacchino Rossini

con

Giulia Parisi - Martin Zanotti

solisti e corpo di ballo del Balletto di Milano  Scene e costumi: Cordelia Matthes  

Domenica 29 gennaio, al Teatro Parioli Peppino De Filippo, a Roma in via Giosuè Borsi 20, diretto da Luigi De Filippo, la compagnia Balletto di Milano, presenta: “CENERENTOLA”, coreografia,Giorgio Madia,musiche,Gioacchino Rossini, con Giulia Parisi,Martin Zanotti e i solisti eil corpo di ballo del Balletto di Milano,scene e costumi,Cordelia Matthes. Una vera novità per l’Italia l’acquisizione della creazione firmata Giorgio Madia per la quale il coreografo ha vinto nel 2007 il Gold Mask Critics Award.

Il balletto, ispirato all’omonima fiaba di Charles Perrault, si dipana su musiche di Rossini tratte dall’omonima opera e arricchite dalle ouvertures da Guglielmo Tell, Gazza Ladra, Scala di Seta, Il Barbiere di Siviglia, L’Italiana in Algeri, Otello, L’Innocence Italienne, Semiramide, nonché Sonate per archi e brani per pianoforte.

Cenerentola ha luogo nel fantastico mondo delle favole ma è ambientata negli anni Cinquanta con i clichés di ruoli e opportunità che si rifanno al prosperoso periodo postbellico

L’antefatto di come la piccola Cenerentola si ritrovi con la matrigna e le sorellastre è svelato da un gioco in controluce e il sipario si alza nel primo atto dove, in una casa borghese, Cenerentola è vestita esattamente come la carta da parati delle mura domestiche, proprio per sottolineare il suo status all'interno della famiglia.

I laquees si spartiscono le faccende di casa con Cenerentola e assistono alla tirannia delle due sorelle malefiche che non perdono nessuna occasione per fare di lei lo zimbello di casa.

La notizia dell’invito al Ballo del Principe invade come un turbinio la casa e le due sorellastre si vedono già quali “principesse” mentre a Cenerentola viene negato il permesso di partecipare.

Come Cenerentola resta a casa, una fata divertente e sbadata fa la sua comparsa attraverso il camino e poi attraverso la porta. Decide di aiutare la giovane procurandole una carrozza, cavallo e servitori per raggiungere il ballo, ma avendo dimenticato di fornirle un abito adatto all’occasione, la raggiungerà subito dopo.

Al ballo sono presenti tutte le ragazze della buona società, tra cui le due sorellastre le quali non riconoscono Cenerentola che, alla sua abbagliante apparizione, suscita l’ammirazione di tutti i presenti. Nel mezzo del ballo, come dal cielo, il principe fa il suo ingresso e, imbattendosi in Cenerentola, non ha occhi che per lei. La coppia rimasta sola, come sollevata in una nuvola rosa, si innamora: il mondo ed i suoi abitanti appaiono nani in proporzione. Ma l’orologio suona la mezzanotte e Cenerentola corre via perdendo una scarpa e ricordando che la magia potrebbe concludersi velocemente come è iniziata.

Rimasto solo, il principe danza in preda alla disperazione, ma la fata interviene ricordandogli che la scarpa può essere la guida per il suo amore: lui inizia la sua ricerca.

A casa per Cenerentola è il giorno del sogno, mentre le sorelle tornano ubriache dalla festa e la madre con i postumi di una sbornia. Arriva tempestivamente il principe e riconosce sotto un paralume la ragazza della quale si è innamorato e,in un vortice finale di bolle di sapone per festeggiare il lieto fine, restano solamente le due sorellastre invidiose e gelose.

GIORGIO MADIA - coreografo

Giorgio Madia, classe 1965, studia danza presso la prestigiosa scuola di ballo del Teatro La Scala, diplomandosi nel 1984.

Nel 1983 entra a far parte del corpo di ballo della Scala e dal 1985 è ballerino solista per diverse compagnie di balletto: Béjart’s Ballet du XXéme Siécle, Bejart Ballet Lausanne, Pennsylvania Ballet e Milwaukee Ballet, san Francisco Ballet, Aterballetto e Züricher Ballet.

Nel 1988 è stato scelto da Nureyev come suo partner nel pas de deux di Béjart Le Chant du compagnon errant, per la produzione Nureyev and Friends (in tournèe in Europa, Asia, Australia e Nord e Sud America fino al 1991). Ha danzato interpretando diversi ruoli in più di 90 produzioni, lavorando con coreografi di fama mondiale come Alicia Alonso, Maurice Béjart, David Bintley, Nicholas Beriozoff, Merce Cunningham, Bertrand D’At, William Forsythe, Andy de Groat, Rosella Hightower, Lionel Hoche, James Kudelka, Hans Van Manen, Peter Martins, Rudolf Nureyev, Roland Petit, Josef Russillo, Heinz Spoerli, Richard Tanner, Glenn Tetley, Helgi Tomasson e Iorma Uotinen.

È stato Maître de Ballet, assistente coreografo e coreografo per il Balletto di Toscana, il balletto della Komische Oper di Berlino, del Teatro di Basilea e del Grand Teatr Łodz.

Dal 2003 al 2005 ha ricoperto la carica di direttore del balletto della Volksoper di Vienna.

Ha inoltre vinto i seguenti premi: nel 2006 il Gold Mask Critics Award per la miglior produzione con La bella addormentata, nel 2007 il Gold Mask Critics Award per la migliore direzione con Cinderella e nel 2008 il Gold Mask Critics Award per la migliore direzione con Les Contes d’Hoffmann.

Nel 2009, oltre a Romeo e Giulietta per il Balletto di Milano, ha creato Chopin Immaginaire per il Teatro di Cottbus e una nuova versione de Il Lago dei Cigni per il Festival di Danza di Lodz. Del 2010 sono Minuten Waltz e Chopin à Vienne create per l’Opernball al Teatro dell’Opera di Vienna di cui ha curato le coreografie per il quanto anno.

Attualmente è diviso tra insegnamento - Professeur invitato alla Compagnia Nazionale di Danza di Nacho Duato in Spagna, ma anche in Austria, Germania e Israele, nonché docente all´Universitá Konservatorium di Vienna - e creazioni tra cui una prima mondiale di OZ (the Wonderful Wizard) per il Balletto di Stato di Berlino e una nuova Fille Mal Gardée per l´Opera di Breslavia. I suoi spettacoli si possono vedere in molti paesi: Chopin Imaginaire al Teatro di Stato di Cottbus, Germania; Il Lago dei Cigni, Lo Schiaccianoci, La Bella addormentata nel Bosco all´Opera di Lodz; Cinderella all´Opera di Cracovia (Polonia); Opernball all´Opera di Stato di Vienna. In Italia oltre la tournée di Romeo e Giulietta con il Balletto di Milano nei più prestigiosi teatri,la prossima stagione si potrà vedere anche Chopin Imaginaire grazie ad una collaborazione tra il Teatro Coccia di Novara e il Teatro di Stato di Cottbus.

INGRESSO

da 22 a 28 euro

ridotti da 16 a 19 euro

INFO:

Teatro Parioli Peppino De Filippo

Via Giosuè Borsi, 20 – 00187 Roma

Telefono: 06 807 30 40

Sito internet: www.teatropariolipeppinodefilippo.it

Orario botteghino: dal martedì al sabato ore 10.30 -19.00 | domenica dalle ore 16.00

Senz’appello

2012-01-27T00:26:00.000-08:00

27 gennaio – 12 febbraio 2012

Museo San Francesco, via Basilicius, San Marino (centro storico)

Inaugurazione: venerdì 27 gennaio, ore 18.00

La Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea della Repubbilca di San Marino è lieta di comunicare l’avvenuta selezione, da parte della giuria costituita da Andrea Bruciati, Daniele Capra, Juan Carlos Ceci, Silvia Conta e Massimiliano Messieri, delle opere partecipanti alla Prima Edizione del concorso Senz’appello. Il tema del concorso è finalizzato alla presentazione di un’opera audiovisiva che rifletta sul persistere ai nostri giorni di totalitarismi, processi di natura politico-economica o ideologie che mirano ad una relativizzazione dell’individuo e alla negazione dei suoi diritti fondamentali.

Questi i video selezionati: L'eternité par les astres di Riccardo Giacconi; Rumore nero di Elisa Monaldi; Every day di Pietro Mele; Burning, falling, brushing di Jacopo Natoli; Tommy Gun di Nicola Nunziata; Existenzminimum di Daniele Pezzi.

La presentazione delle opere selezionate avrà luogo venerdì 27 gennaio alle ore 18.00 negli spazi espositivi del Museo San Francesco e in tale occasione verrà proclamato il video vincitore, che entrerà a far parte della collezione della Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di San Marino, e conferito il premio.

Una più ampia selezione di opere partecipanti al concorso sarà presentata durante il V Concerto per la Giornata Internazionale della Memoria del San Marino Ensemble diretto dal Maestro Massimiliano Messieri (27 gennaio 2012, ore 21.15, Teatro Titano). Per tale occasione i video saranno complementari all’evento e verranno proiettati privi di audio.

TITOLO: Senz’appello

SEDE: Museo San Francesco, via Basilicius, San Marino (centro storico)

PRESENTAZIONE: venerdì 27 gennaio, ore 18.00

DATA: 27 gennaio – 12 febbraio 2012

ORARI: tutti i giorni 9.00 – 17.00 INGRESSO: libero

INFO: Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea Scala Bonetti, 2 – 47890 San Marino

tel. 0549.885414

Enrico Intra Trio

2012-01-27T00:23:00.000-08:00

CASA DEL JAZZ

venerdi 27 gennaio

ore 21

(sala concerti)

Enrico Intra Trio

Mattia Cigalini sax alto

Enrico Intra pianoforte

Paolino Dalla Porta contrabbasso

Dopo aver pubblicato da pochi mesi il suo primo album in piano solo: Piani diversi, ancora una volta edito da AlfaMusic, che da più di un lustro documenta l’attività di questo grande pianista e compositore, Enrico Intra si presenta alla Casa del Jazz,venerdi 27 gennaio, con un nuovo progetto, che lega tra loro il recente passato, il presente e il prossimo futuro della sua musica riunendo altresì tre diverse generazioni di musicisti. Un passato che nel concerto sarà rappresentato da alcune composizioni presenti nell’album Il Trio, registrato nel 2010 con Giovanni Tommaso e Roberto Gatto, rivisitate per la nuova formazione; un presente che si concretizzerà nell’esecuzione in trio (ma anche in solo) dalle parti della suite Anbahanen op. 10, fulcro del Cd in piano solo, e un futuro legato alle nuove pagine pensate per questo inusuale organico, frutto appunto del sodalizio tra musicisti di epoche diverse: quella del pianista e compositore milanese, che rappresenta la storia proiettata nell’attualità. Quella del contrabbassista Paolino Dalla Porta, formatasi negli anni ’70 e, infine, la nouvelle vague di jazzisti italiani di cui fa parte il sassofonista Mattia Cigalini. Ancora una volta, dunque, Intra si confronta con i giovani e con i musicisti più attenti ai valori del jazz europeo, per proporre una musica in grado di favorire l’interplay tra artisti di differente poetica, uniti dal gusto per l’avventura musicale e per l’improvvisazione, anche quella totale. Un trio anomalo e sorprendente, il cui esordio alla Casa del Jazz di Roma rappresenta un evento dell’anno jazzistico appena cominciato.

Casa del Jazz

viale di Porta Ardeatina, 55

Info: 06/704731

Ingresso 10 euro

Satoshi Hirose - Winter Garden

2012-01-27T00:15:00.000-08:00

Satoshi Hirose - Winter Garden

Testo a cura di Flavia Montecchi

Inaugurazione: lunedì 23 gennaio 2012, h19

Fino al 24 marzo 2012

Galleria Maria Grazia Del Prete, via di Monserrato, 21 Roma

La Galleria Maria Grazia Del Prete è lieta di presentare Winter Garden, personale dell’artista giapponese Satoshi Hirose (Tokyo, 1963). Tappi di plastica e fagioli d’oro per "nove anni di esistenza". Così è composta l’Isola della vita che Satoshi Hirose ha creato a partire dal 2001. Una collezione di tappi di bottigliette d’acqua di plastica consumate in nove anni a formare un cumulo di materiale da riciclare, materiale di tutti i giorni contro una piccola nicchia di fagioli dorati nascosti. Il basamento che sorregge la montagna di riciclo è a grandezza “innaturale” per essere un oggetto d’arte, porta il fruitore a viverlo nella sua interezza dandogli la possibilità di girarci intorno, ma nello stesso tempo lo allontana dall’immaginarlo come “ospite scultoreo” di uno spazio. Le installazioni di Satoshi sono accomunate da grandezze "irrisolte" ma positive, in grado di tendere una relazione con il suo pubblico, di metterlo a proprio agio seguendo l’interazione sensoriale verso cui l’opera tende. A circondare l’isola fotografie di attività quotidiane racchiuse in una porzione di realtà casuale: quella di "situazioni e oggetti che non sono di alcune utilità". Una parte della vita di Palomar. Le immagini scorrono come in un Montaggio delle Attrazioni senza il tempo narrativo, che è invece l'anima dell’Isola di plastica e oro posta davanti a loro. L’accumulo quotidiano e seriale si scontra con il frammento casuale dell’istante e questo rispettando il carattere della "molteplicità" nel processo espressivo dell’arte di Satoshi Hirose.

Isola: un’esistenza di nove anni. 2001-2011. mixed media. 180x310x105 cm. ( detail )

Satoshi Hirose si diploma presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano, IT. Tra le sue mostre personali: 2011 Winter Garden, Red Mill Gallery, Vermont Studio Center, Jhonson, Vermont, U.S.; 2009 Satoshi Hirose, Tomio Koyama Gallery Daikanyama, Tokyo, JP; Angelus Novus, galleria Maria Grazia Del Prete, Roma, IT; 2008 Il Giardino dei sensi, Tomio Koyama Gallery, Tokyo, JP; Microcosmos, Umberto Di Marino Arte Contemporanea, Napoli, IT; 2004 Pas au de-la’, Umberto Di Marino Arte Contemporanea, Napoli, IT; 2003 Traveller, galleria Nicola Fornello, Torino, IT; 2000 2001, Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima, JP; day, day, day..., Tomio Koyama Gallery, Tokyo, JP; 1999 Project A.P.O., Sagacho Exhibit Space/sagacho bis, Tokyo, JP; 1998 Paradiso- Criterium 34, Contemporary Art Center, Art Tower Mito, Ibaraki, JP; 1997 Lemon Project 03, The Ginza Art Space, Tokyo, JP. Tra le sue mostre collettive: 2011 F for Fake, Complesso Monumentale del Belvedere di San Leucio, Caserta, IT; Quarta dimensione – visioni plastiche del tempo e dello spazio, Banca Akros, Milano, IT; 2006 Passage to the Future: Young Japanese Artists, Maison de la culture du Japon à Paris, Parigi, FR; Touching the Cosmos, The Vangi Sculpture garden Museum, Mishima, Shizuoka, JP; 2001 Super future, Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, IT; Neo Tokyo, Museum of Contemporary Art, Sydney, AUS.

Satoshi Hirose vive tra Milano e Tokyo.

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Satoshi Hirose - Winter Garden

Text by Flavia Montecchi

Opening: January 23 2012, 7 p.m.

Until March 24 2012

Maria Grazia Del Prete Gallery, Via di Monserrato, 21 Rome

Maria Grazia Del Prete Gallery is pleased to present Winter Garden, a solo exhibition of works by Japanese artist Satoshi Hirose (Tokyo, 1963). Plastic caps and golden beans for “nine years of existence”. That is what the Island of life, composed by Satoshi Hirose since 2001, is made of. A collection of caps from plastic bottles consumed in nine years forming a pile of recyclable materials, everyday materials against a small niche of hidden golden beans. The base supporting the recycle mountain is oversize as an art object, the visitor enjoys it in its entirety, having the chance of going round it, but, in the same time, is hindered from imagining it as a “sculptural host” of a space. The common thread in all of Satoshi’s installations is their “unsolved” but positive size, able to build a relationship with the viewer, putting him at ease by following the sensorial interaction at which the work aims. Around the Island there are pictures of everyday activities closed in a piece of chance reality: that of “situations and objects of no use”. A bit of Palomar’s life. The images unfold like in a Montage of Attractions without narrative time, that is the core of the plastic and gold Island in front of them. The day-to-day accumulation is contrasted with the chance fragment of the instant, and that with respect to the “manifold” nature of the expressive process of Satoshi Hirose’s art.

Satoshi Hirose graduated from the Academy of Fine Arts of Brera, Milan, IT. Personal show include: 2011 Winter Garden, Red Mill Gallery, Vermont Studio Center, Jhonson, Vermont, U.S.; 2009 Satoshi Hirose, Tomio Koyama Gallery Daikanyama, Tokyo, JP; Angelus Novus, Galleria Maria Grazia Del Prete, Rome, IT; 2008 Il Giardino dei sensi, Tomio Koyama Gallery, Tokyo, JP; Microcosmos, Umberto Di Marino Arte Contemporanea, Naples, IT; 2004 Pas au de-la’, Umberto Di Marino Arte Contemporanea, Naples, IT; 2003 Traveller, Nicola Fornello gallery, Turin, IT; 2000 2001, Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima, JP; day, day, day..., Tomio Koyama Gallery, Tokyo, JP; 1999 Project A.P.O., Sagacho Exhibit Space/sagacho bis, Tokyo, JP; 1998 Paradiso- Criterium 34, Contemporary Art Center, Art Tower Mito, Ibaraki, JP; 1997 Lemon Project 03, The Ginza Art Space, Tokyo, JP. Group show include: 2011 F for Fake, Complesso Monumentale del Belvedere di San Leucio, Caserta, IT; Four Dimensions - plastic vision of time and space, Banca Akros, Milan, IT; 2006 Passage to the Future: Young Japanese Artists, Maison de la culture du Japon à Paris, Paris, FR; Touching the Cosmos, The Vangi Sculpture garden Museum, Mishima, Shizuoka, JP; 2001 Super future, Luigi Pecci Contemporary Art Center, Prato, IT; Neo Tokyo, Museum of Contemporary Art, Sydney, AUS.

Satoshi Hisore lives among Milan and Tokyo.

Galleria Maria Grazia Del Prete

Via di Monserrato, 21 Roma - T: 39 (0) 6 68892480

www.galleriadelprete.com – info@galleriadelprete.com

DUE MARITI E UN MATRIMONIO

2012-01-26T01:51:00.000-08:00

24 GENNAIO-12 FEBBRAIO 2012

DUE MARITI

E UN MATRIMONIO

SCRITTO E DIRETTO DA ROBERTO MARAFANTE

con Ussi Alzati, Pia Engleberth, Alice Mangione, Alessandra Ierse, Federico Bonaconza - voce Awali Karamouwa

Di questa commedia non si può raccontare molto, anzi, sarebbe bene che chi la vedesse non dicesse nulla agli amici intenzionati a venire a teatro perché la trama è fondamentale per narrare i contenuti.

La vicenda si snoda praticamente in un pomeriggio e il racconto di un matrimonio mancato sviluppa un meccanismo ad orologeria che crea situazioni comiche che a colpi di scena precipita in un sorprendente epilogo.

È Mimì che non si presenta al suo matrimonio con Rodolfo e sparisce. Tutti la cercano: le amiche del cuore, la sorella, il marito abbandonato, tutti sono preoccupati per la sua sorte. Per un motivo o per l'altro si ritrovano a casa di Luisa e in questo appartamentino da single, vorticosamente la storia prende una piega inaspettata.

Il tema si potrebbe definire "l'amore al tempo della crisi", ma non è solo la crisi economica quella che coinvolge i protagonisti, ma soprattutto quella dei valori, quella femminile, quella familiare, quella delle relazioni e chi più ne ha più ne metta.

Anche se quattro sono le donne e solo uno l'uomo, non si può definire la vicenda un conflitto tra i sessi, anzi c'è un "deus ex machina" che mette in crisi sia il mondo maschile che quello femminile.

Certo le donne sembrano avere una marcia in più, se non altro per quella loro innata determinazione e quella attitudine alla adattabilità alle vicende della vita sotto le quali gli uomini, spesso troppo rigidi, si spezzano.

Un segreto, però, le donne ce l'hanno ed è il fatto che riescono a divagare. La loro mente non smette di saltare da un pensiero ad un altro, da un dramma ad una crema antirughe e questo alla lunga produce un sentimento di cui in questo momento il mondo ne ha un grande bisogno: la leggerezza!

DUE MARITI E UN MATRIMONIO

Teatro de' Servi

via del Mortaro 22

angolo via del Tritone

00187 Roma

tel. 06 67.95.130

info@teatroservi.it

Orario spettacoli:

mar-ven: ore 21.00 | sab: ore 17.30 e 21.00 | dom: ore 17.30

lunedì: riposo

Biglietti:

platea: 20 euro | galleria: 17 euro

Colli Albani. Protagonisti e Luoghi della ricerca archeologica nell’Ottocento

2012-01-26T00:17:00.000-08:00

fino al 13.2.2012

Colli Albani. Protagonisti e Luoghi della ricerca archeologica nell’Ottocento

Roma, Complesso del Vittoriano

I protagonisti archeologi dell’Ottocento, la loro vita, la loro formazione, le ricerche effettuate, i reperti scavati, le loro metodologie sono solo alcune delle informazioni che questa esposizione ci offre.

Dentro il Complesso del Vittoriano, nella Sala Zanardelli, si sviluppa questa mostra di interesse archeologico. Si tratta di una raccolta di informazioni sugli scavi effettuati nell’arco dell’Ottocento nella zona dei Castelli Romani e sui relativi reperti. Il percoso è suddiviso in due sezioni, ad ognuna delle quali è dedicato un piano.

Nella prima parte della mostra possiamo leggere informazioni sulla formazione dell’archeologia come scienza indipendente ed autonoma, e sull'evoluzione della legislazione per assicurare la tutela dei reperti e allo stesso tempo la salvaguardia della neonata disciplina (brani di legislazione sono riprodotti nel percorso). Agli studiosi dell’epoca interessa andare oltre le apparenze. Vogliono e sono in grado di guardare oltre il mero rinvenimento del reperto archeologico: sapere la sua storia, il suo motivo di essere. Fanno ricerche basate sulle scienze della topografia antica, studiano le fonti bibliografiche e letterarie che riguardano l’area dei Colli Albani. Le loro ricerche sono state facilitate da schizzi topografici e planimetrici, molti dei quali possiamo ammirare da vicino nel loro stato originale. Materiali illustrativi d'epoca e documenti d’archivio sono in esposizione, alcuni per la prima volta al pubblico. Una serie di panelli che raccontano la vita di questi grandi archeologi che hanno scavato in questa zona completa il percorso della prima parte della mostra, quella narrativa. I visitatori possono conoscere la vita di questi grandi uomini che con il loro operare non hanno solo arricchito la scienza dell'archeologia, ma hanno dato un contribuito anche al mondo politico, in un periodo fondamentale e di grande cambiamento come quello dell’Unità d’Italia. Con la loro fama sia politica che accademica, hanno vissuto al massimo un’epoca che ha segnato la storia di un popolo. Antonio Nibby, Luigi Biondi, Giovan Battista de Rossi, Enrico Stevenson, Pietro Rosa, Rodolfo Lanciani, sono solo alcuni dei nomi di questi grandi archeologi.

Nella seconda parte della mostra, a cui si accede scendendo per le scale al piano inferiore, incontriamo i frutti delle loro ricerche. Abbiamo la possibilità di vedere esposti i reperti scavati da questi archeologi. Lastre, statue, skyphoi, lebete arricchiscono la bellezza di questo percorso. Informazioni topografiche e ricerche sulle ville, le catacombe e i santuari nell’Ottocento vengono fornite per numerosi siti, come via Tuscolana, Ciampino, via Latina, Frascati, la villa di Domiziano di Pietro Rosa, etc.

Questa mostra attira l’interesse del pubblico ed è raccomandabile una visita per chi sinora non ne avesse avuto la possibilità. Il percorso aiuta studiosi ed amatori dell’archeologia a farsi un'idea più precisa di come funzioni questa scienza affascinante, e permette di ammirare reperti normalmente custoditi in collezioni private. È una mostra interessante anche per chi non fosse direttamente connesso al settore archeologico, per vari motivi. Questi archeologi, oltre alla loro importanza per la disciplina di studio, presero anche parte a vicende importanti per la storia dello Stato Italiano. Attraverso la loro vita, possiamo approfondire anche alcuni fatti dell’epoca della transizione all'Unità d'Italia e scoprire uomini dalle storie personali affascinanti.

maria katsinopoulou

dal 12 gennaio al 13 febbraio 2012

Colli Albani. Protagonisti e Luoghi della ricerca archeologica nell’Ottocento

ideazione e cura scientifica di Massimiliano Valenti

Complesso del Vittoriano

Via San Pietro in Carcere 00187 Roma

Orari: aperto tutti i giorni lunedì-giovedì dalle ore 9.30 alle ore 18.30; venerdì e sabato dalle ore 9.30 alle ore 22.30; domenica dalle ore 9.30 alle 19.30

Ingresso: gratuito (solo per vedere la mostra)

Info: tel. +39 066780363 – 066780664 – 0669202049

www.comunicareorganizzando.it

Provincia di Roma

Ministero per i Beni Culturali e le Attività Culturali

Soprintendenza per i Beni Archeologici del Lazio

Soprintendenza Speciale per i Beni archeologici di Roma

Città di Monte Porzio Catone (Istituzione – Area delle Muse – Polo Museale)

Galleria Theodora Frascati

Comitato d’onore: Luciano Gori, Marina Sapelli Ragni, Paolo Sommella

Comitato scientifico: Paolo Sommella, Giuseppina Ghini, Massimiliano Valenti

Henri Cartier – Bresson. Immagini e parole

2012-01-26T00:10:00.000-08:00

Fino al 6.V.2012

Henri Cartier – Bresson.

Immagini e parole

Roma, Palazzo Incontro

42 scatti scelti e interpretati da grandi artisti contemporanei

Nato il 22 agosto 1908, Henri Cartier–Bresson si appassiona dapprima alla pittura, soprattutto per influenza di uno zio, e nei primi anni Trenta alla fotografia, quando acquintò una Leica 35 mm che lo accompagnerà per molti anni in giro per il mondo, senza cercare l’innovazione. D’altronde era lui ad affermare che “è un’illusione affermare che le fotografie si facciano con la macchina … si fanno con gli occhi, con il cuore, con la testa”. Autore di importanti reportage il suo nome rimarrà inesorabilmente legato a quello dei colleghi Robert Capa, David Seymour e altri per la creazione della Magnum Photo, una delle più grandi agenzie fotografiche tutt’ora esistenti. Molte le mostre a lui dedicate, sia in vita che postume che hanno consacrato le sue immagini al patrimonio culturale internazionale. Nel 1988 in Centre National de la Photographie di Parigi istituisce il Premio Internazionale di Fotografia intitolandolo al maestro e nel 2000 insieme a moglie e figlie crea la Fondazione Henri Cartier – Bresson, che due anni dopo è stata riconosciuta dallo stato francese Ente di pubblica utilità. Muore nell’agosto del 2004 all’età di 95 anni.

Una passione più che per la fotografia per la realtà, per l’attimo da immortalare. Una passione che sfamerà girando il mondo alla ricerca dell’attimo da rendere eterno, attimi rubati alla vita di tutti i giorni, alla gente comune; linee, luci e movimenti catturati da un occhio non invadente ma vigile. La sua più grande virtù è stata quella di riuscire a vedere in un soggetto qualsiasi “di cosa questo soggetto sia fatto e, in questo modo, nessun oggetto è uguale all’altro” “riabilitando il banale (…), trasformando il quotidiano in una permanenza che non appassisce” come raccontano due dei suoi commentatori per la mostra, il pittore e storico dell’arte israeliano Avigdor Arikha e lo scomparso storico della danza americana Lincoln Kirstein. Una passione, quella per l’attimo, che lo accompagnerà fino alla fine degli anni Settanta, quando tornerà alla sua prima passione, la pittura, la cui impostazione lo aveva accompagnato alla cattura delle immagini con il mezzo fotografico.

Questa mostra fa parte di un progetto nato in occasione dei suoi 80 anni per iniziativa di alcuni amici del fotografo che chiesero a intellettuali, scrittori, critici, fotografi e grandi amici di Bresson di scegliere e commentare un’immagine dell’archivio del maestro, la loro preferita. La selezione, ovviamente, oggi si presenta aggiornata rispetto all’idea originale.

Un’altra grande mostra fotografica ospitata nella capitale, in un luogo – Palazzo Incontro – che ha recentemente riaperto i battenti al pubblico nei suoi nuovi spazi dedicati a mostre, conferenze e un laboratorio teatrale, tutto questo grazie all’impegno dell’associazione Civita insieme a Fandango e in collaborazione con la Provincia di Roma. “Uno spazio che si sta affermando come una realtà fondata su una precisa vocazione che ne determina l’originalità”, come spiega il Presidente della Provincia di Roma Nicola Zingaretti. Un “vecchio” grande artista per un nuovo grande spazio.

fabiola scarizza

mostra visitata il 25 gennaio 2012

Dal 20 gennaio al 6 maggio 2012-01-25

Henri Cartier – Bresson.

Immagini e parole

A cura di Contrasto e Magnum Photo

Palazzo Incontro

Via dei Prefetti 22, Roma

Orario: 10-19, lunedì chiuso

Ingresso: intero € 6, ridotto € 4

Catalogo: Contrasto Contatti: 06 32810, www.fandangoincontro.it

Casa del Cinema: bilancio 2011 e novità per il nuovo anno

2012-01-25T09:42:00.000-08:00

Casa del Cinema: bilancio 2011 e novità per il nuovo anno

Dai successi dell’anno passato a un pianoforte nero che guarda al futuro

632 eventi, 47260 presenze, 200 corti, 106 incontri con autori, 250 proiezioni, 123 documentari … questi sono solo alcuni dei numeri con cui Dino Gasperini (Assessore alle Politiche Culturali Centro Storico) apre la conferenza di presentazione del bilancio 2011 della Casa del Cinema, a quasi un anno dall’inizio della conduzione firmata Caterina D’Amico e sotto la gestione di Zètema Progetto Cultura.

Il segreto di questo successo? La “generosità” del tecnico/manager D’Amico, così la definisce Emma Perrelli –Dipartimento della Gioventù, Presidenza del Consiglio dei Ministri, e questo si traduce nelle numerose attività che la CdC ha già proposto e in quelle che sta organizzando per l’anno a venire.

Nel primo caso viene ricordata l’attenzione ai giovani talenti cinematografici, fucina di idee che sempre più spesso trova sostegno nella CdC; l’essere divenuto un punto di riferimento sempre più forte per gli operatori del settore, per cui dopo aver approfondito il mestiere dell’autore, nel 2012 si passerà ad attori (coordinatore Giulio Scarpati, già Dott. Lele della popolare serie televisiva Un medico in famiglia) e poi scenografi e costumisti (in questo caso il coordinatore sarà Lorenzo Beraldi, scenografo di film come Il postino, Il Marchese del Grillo, Un borghese piccolo, piccolo e Vice Presidente dell’Associazione Italiana Scenografi, Costumisti e Arredatori); un sito internet tutto nuovo; l’attenzione a documentari, fiction e cortometraggi; la capacità di interagire ed entrare in relazione con altre realtà territoriali, che siano Festival, altre strutture cittadine -come Casa Moravia e il Centro Culturale Elsa Morante-, o eventi organizzati dal Comune.

Per il futuro si confermerà quanto fatto finora, la collaborazione si allargherà al Centro Culturale Aldo Fabrizi di S. Basilio (rinnovando l’attenzione della CdC anche per le zone periferiche), e un pianoforte nero al lato della sala preannuncia una nuova e interessante modalità di porre attenzione ai giovani. La CdC, infatti, ha stipulato un accordo con il Conservatorio di Santa Cecilia, che fornirà giovani virtuosi della musica per la composizione di colonne sonore che saranno poi eseguite dal vivo durante la proiezione di film muti. Almeno un film al mese, questo il proposito della Direttrice, per dare maggiore importanza alla musica nella programmazione della Casa. Un altro grande obiettivo, già in via di attuazione, è di dare un respiro nazionale alle attività del Centro.

Una generosità, dunque, che consiste nella buona pratica della collaborazione, della condivisione e della razionalizzazione di mezzi e risorse, caratteristiche assai rare nel mondo culturale, artistico e delle istituzioni (e la CdC è una summa di tutto ciò), per questo motivo la si può considerare senza dubbi un esempio virtuoso, anche nell’impiego delle risorse, appena cinque persone. Un’Istituzione che pensa al cinema come un veicolo di tradizioni e valori per vecchie e nuove generazioni, una risorsa in cui la gelosia non deve avere spazio.

La capacità di coesione della direzione e la qualità della proposta è tale che si sono impegnati in maniera convinta nel sostentamento della CdC sia attori istituzionali (Ministero e Regione con un contributo di € 250000 ciascuno) sia private, oltre a collaborazioni con produttori e distributori. Così che per il Comune di Roma la CdC non costituisce un costo, bensì una risorsa a disposizione di tutti i cittadini.

Altri progetti per il futuro? Proiezione di film in italiano sottotitolati in lingua straniera, inserirsi nei pacchetti turistici grazie a Zètema, recuperare e rendere fruibile l’archivio … c’è ancora tanto da fare e la grintosa Direttrice ha in serbo grandi progetti per noi.

Conferenza stampa del 24 gennaio 2012

fabiola scarizza

Casa del Cinema

Largo Marcello Mastroianni, 1

www.casadelcinema.it

This is an happening: vademecum

2012-01-25T09:37:00.001-08:00

The Grossi Maglioni Magic Duo

This is an happening: vademecum

A cura di Massimo Marchetti

Con il patrocinio di Federculture

27-28 gennaio 2012 h 18.0o-21.00

29 gennaio 2012 h 15.00-18.00

c/o Associazione Crudo

Via Zamboni 26, Bologna

Dal 27 al 29 gennaio, allʼinterno del programma di Arte Fiera OFF, sarà visibile presso la sede dellʼAssociazione Crudo, la documentazione di This is an happening, unʼazione realizzata dal The Grossi Maglioni Magic Duo a partire dal 2006. Lʼoccasione di questo evento è data dallʼinvito rivolto da Federculture al duo di illustrare il proprio progetto allʼinterno della presentazione del concorso internazionale per giovani artisti Centro/Periferia, che si svolgerà negli spazi di Arte fiera il 27 gennaio alle ore 11.45.

The Grossi Maglioni Magic Duo (Francesca Grossi e Vera Maglioni) svolge unʼindagine sui procedimenti dellʼentertainment legati alla dimensione dellʼattrazione e della meraviglia, utilizzando gli aspetti che legano spettacolo e irrazionalità come dispositivi per rilevare gli stereotipi sul corpo femminile. Lo sguardo, che alimenta un desiderio destinato alla frustrazione, viene considerato allʼinterno di un genere di finzione in cui non è solo lʼincredulità dello spettatore ad essere sospesa, ma anche la sua capacità di riconoscere lucidamente i significati sociali che ne derivano.

This is an happening, fin dal titolo grammaticalmente scorretto, è una provocazione ironica che allarga lʼindagine sugli stereotipi sociali direttamente al mondo artistico, sperimentando le reazioni prodotte da questo tipo di ricerca allʼinterno di uno dei contesti più codificati del sistema dellʼarte contemporanea, quello delle gallerie. Privilegiando la struttura della “situazione”, la coppia di artiste ha realizzato una serie di brevi incursioni in gallerie di New York, Helsinki e Stoccolma. Il guestbook di queste gallerie era posto al centro di una coreografia associata agli spettacoli di illusionismo, dando vita a un momento “fuori luogo” dove per magia appariva lʼopera. Mutando la funzione del libro delle firme e invitando il personale a uno scambio simbolico, questa presenza, non prevista nella logica del white cube, ne riproduceva sinteticamente gli stessi meccanismi commerciali in direzione inversa. A quel punto, lʼasetticità del “cubo bianco”, luogo di una teorica libertà espressiva, era incrinata da un momento di imbarazzo, dando vita a una metafora della resistenza di fondo di quel contesto.

La documentazione di queste azioni, allestite negli spazi di Crudo assieme a una serie di oggetti che le testimoniano e al kit per un suo re-enactment da parte di altri artisti, indicano la varietà delle reazioni ottenute. Contestualmente, The Grossi Maglioni Magic Duo metterà in atto una nuova versione del lavoro negli stand delle gallerie ospitate in fiera, dando modo di verificare come possa variare lʼatteggiamento del sistema in questa situazione.

Info:

T. 3479109417

crudo@crudotdb.org

http://thegrossimaglionimagicduo.com/thisisanhappening/

http://spaziocrudo.blogspot.com/

Le fotografie della performance sono state realizzate da Max Botticelli

Per la stampa si ringrazia

The Photographers' room (Milano) http://www.thephotographersroom.com

Sogno di una notte d’estate

2012-01-25T09:34:00.000-08:00

Teatro Vascello

DIRETTORE ARTISTICO MANUELA KUSTERMANN

stagione teatrale 2011 2012

Teatro Stabile delle Marche

con il patrocinio di Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico”

31 GENNAIO - 12 FEBBRAIO 2012

Sogno di una notte d’estate

Orari dal martedì al sabato ore 21 – domenica ore 18

Prezzi: 20,00 euro intero, 15,00 euro ridotto

di William Shakespeare

traduzione Patrizia Cavalli

regia Carlo Cecchi

scena Roberto Bivona e Carlo Cecchi

costumi Sandra Cardini

luci Stefano Barbagallo

consulenza musicale Nicola Piovani

Teseo, Oberon Federico Brugnone

Ippolita, Titania Valentina Ruggeri

Lisandro Gabriele Portoghese

Demetrio Davide Giordano

Ermia Sofia Pulvirenti

Elena Barbara Ronchi

Filostrato Cecilia Zingaro

Fate Cecilia Zingaro, Barbara Ronchi, Sofia Pulvirenti, Giorgio Musumeci

Puck Silvia D’Amico

Egeo, Cotogno, Prologo nella recita Carlo Cecchi

Botto, Piramo nella recita Luca Marinelli

Canna, Tisbe nella recita Dario Iubatti

Stagna, Muro nella recita Giorgio Musumeci

Zeppa, Leone nella recita Alessandro Marmorini

Fameterna, Chiardiluna nella recita Fabrizio Falco

Pianoforte e diamonica, Valentina Rosati

batteria Alessandro Marmorini/Luca Marinelli

basso elettrico e melody horn Valentina Ruggeri

clarinetto Dario Iubatti

flauti Silvia D’Amico, Fabrizio Falco

chitarra e glockenspiel Gabriele Portoghese

Fuoco d'artificio di equivoci, incanti, litigi e riconciliazioni di innamorati, Sogno d'una notte d'estate è una delle commedie più popolari e più amate di William Shakespeare, è un congegno teatrale di stupefacente maestria. Fate, folletti, elfi, insieme agli abitanti di Atene, danno vita sulla scena a un incantevole gioco dell'immaginazione in una delle più pirotecniche invenzioni della fantasia.

Questo spettacolo nacque come saggio di diploma degli allievi attori dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico” diretto da Carlo Cecchi nel giugno 2009. Il Teatro Stabile delle Marche lo ha poi fatto debuttare al 52° Festival dei 2mondi di Spoleto e distribuito per due stagioni teatrali in tutta Italia.

- Si tratta dunque di un gruppo di giovanissimi attori, alcuni dei quali anche musicisti, che affrontano, per la prima volta, l’esperienza di una Compagnia di teatro e di una tournée. – dichiara nelle note di regia di Carlo Cecchi - Se per l’Accademia mi ero limitato a fare il regista, nello spettacolo che ora presentiamo vi partecipo anche come attore, recitando la parte del drammaturgo della troupe degli artigiani. Al di là dell’enorme piacere che io provo a recitare, il mio ingresso nella Compagnia di questi giovanissimi attori è in realtà lo sviluppo naturale di un rapporto umano e professionale che, a partire dalle prime, dure prove del saggio, è cresciuto in maniera piuttosto felice e sorprendente.

Ciò che ci unisce, scavalcando le generazioni, è il teatro: ossia la ricerca di quel rapporto attivo fra attori e spettatori, nell’immediatezza del qui e ora della rappresentazione, che solo il teatro ancora può far vivere. E trattandosi del Sogno di una notte d’estate, con la complicità divina di William Shakespeare. –comunicazione e ufficio stampa Beatrice Giongo 335 7550083 giongo@stabilemarche.it

Per contattarci >>> Teatro Vascello 06 5881021 – 06 5898031 – fax 06 5816623

Prenotazioni: per telefono o mail. Con supplemento di 1,00 euro e ritiro dei biglietti prenotati entro mezz’ora dall’orario di inizio spettacolo.

TEATRO VASCELLO Teatro Stabile d'Innovazione - Promozione e ricerca di nuovi linguaggi

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Come raggiungerci: Il Teatro Vascello si trova in Via Giacinto Carini 78 a Monteverde Vecchio a Roma sopra a Trastevere, vicino al Gianicolo. Con mezzi privati: Parcheggio per automobili lungo Via delle Mura Gianicolensi, a circa 100 metri dal Teatro. Parcheggi a pagamento vicini al Teatro Vascello: Via Giacinto Carini, 43, Roma tel 06 5800108; Via Francesco Saverio Sprovieri, 10, Roma tel 06 58122552; Via Maurizio Quadrio, 22, 00152 Roma tel 06 5803217, Via R. Giovagnoli, 20,00152 Roma tel 06 5815157

Con mezzi pubblici: autobus 75 ferma davanti al teatro Vascello che si può prendere da stazione Termini, Colosseo, Piramide, oppure: 44, 710, 870, 871. Treno Metropolitano: da Ostiense fermata Stazione Quattro Venti a due passi dal Teatro Vascello

La Finzione della vita

2012-01-25T09:31:00.000-08:00

TEATRO BIBLIOTECA QUARTICCIOLO

26_gennaio .12 ore 21.00

TEATRO TOR BELLA MONACA

27_28 gennaio.12 ore 21.00

La Finzione della vita

di Giovanni Antonucci

regia di Francesco Branchetti

con Francesco Branchetti, Isabella Giannone, Laura Garofoli, Roberto Carrubba

musiche di Pino Cangialosi

scene e costumi di Cristiano Paliotto

Foxtrot Golf

Giovedì 26 gennaio (ore 21) al Teatro Biblioteca Quarticciolo debutta “La Finzione della vita” di Giovanni Antonucci per la regia di Francesco Branchetti, una commedia sulla televisione e sul mondo che rappresenta: quello dei quiz, dei talk show, delle “veline”, show girls e attrici in cerca di successo.

Viaggio nel mondo della televisione e nelle passioni che la circondano, nel delirio e nell’ossessione di chi è braccato nei perversi meccanismi che scaturiscono dalla brama di popolarità e di potere che ruotano attorno al mezzo televisivo.

Protagonista è la macchina della finzione, creatrice di sogni, dove dominano il cinismo degli autori, il narcisismo dei conduttori, l’arrivismo delle vallette, spesso disposte a tutto pur di conquistare uno spazio nei programmi, la nevrosi e addirittura l’angoscia dei producers e dei registi nei confronti di un’azienda che misura le loro capacità sul riscontro dell’audience.

Sul palcoscenico si dipana il racconto di quattro personaggi che vivono drammi, crisi e tormenti personali, avvolti e condizionati dal tanto discusso mondo della televisione. In questo presente, dove la finzione vince sempre sulla realtà, Luigi e Giulia vivono il loro rapporto di coppia, condizionati dal lavoro di lui, producer televisivo, consapevole delle miserie del mezzo di comunicazione, e schiavo del successo determinato dai veri padroni della TV: gli sponsor e ancor più l’audience. Luigi infatti vive la sua crisi lavorativa condizionato dal cinismo e dall’indifferenza, necessità esistenziali che gli presentano il conto quando non riesce più a riconoscersi in quello che fa e che vive. Giulia, l’unica a non appartenere al mondo della televisione, ha con il marito un rapporto profondo. Donna sensibile e intelligente, comprende le inquietudini del marito, ne smorza gli slanci polemici, ne intuisce le debolezze. In alcuni momenti è per lui anche una madre, oltre che una moglie affettuosa e appassionata. Il loro rapporto è talmente forte da escludere un crisi seria di coppia, anche quando sembra essere minacciata da una breve relazione di Luigi con Laura, giovane e affascinante attrice di teatro in cerca di successo. Stefano è un regista televisivo disincantato che, arrivato a quarant’anni, comincia a pensare di mettere un punto fermo alla sua disordinata vita sentimentale. Le lotte quotidiane in TV lo hanno fiaccato, ma, nonostante tutto, crede nelle sue capacità professionali e nella necessità di difendersi dal dilettantismo che avanza anche nel suo campo.

«La finzione sempre e dovunque, la vita che cambia anche chi non voleva cambiare, il tema del tradimento, della gelosia, della solidità di una coppia esposta alle incertezze della vita e del caso – commenta Francesco Branchetti – il compromesso come condizione esistenziale, la mediazione, la tolleranza che diventano necessità per esistere, mentre le generazioni si trovano a scontrarsi, a tentare di capirsi e spesso fatalmente a non riuscirci. Volevo porre l’attenzione su tre temi portanti: il difficile e pericoloso rapporto tra vita privata e vita lavorativa; la solitudine in cui veniamo trascinati dagli errori fatti, dalle scelte rimandate, dai sogni per cui forse non abbiamo lottato abbastanza; ed infine, l’impotenza dell’uomo all’interno del conflittuale rapporto tra bene e male, fatto di compromesso, spesso di frustrazione, a volte addirittura rischiando la perdita di sé».

Lo spettacolo replica il 27 e il 28 gennaio al Teatro Tor Bella Monaca.

La programmazione dei Teatri di Cintura prosegue con un’offerta culturale ricca e variegata di spettacoli e attività laboratoriali. Nei prossimi giorni al Teatro Tor Bella Monaca riprenderanno i provini del laboratorio teatrale di Antonio Giuliani ed il laboratorio di narrazione e costruzione di storie e miniorti, “Ortovi” di Barbara Della Polla. Mentre al Teatro Biblioteca Quarticciolo si alterneranno spettacoli ad ingresso libero fino esaurimento dei posti disponibili, tra cui: “In nome della madre” di Erri De Luca per la regia Filippo d’Alessio (27 gennaio ore 21); “Odissea Penelope” da Omero, uno spettacolo di Giuseppe Argirò con Iaia Forte (28 gennaio ore 21); “Cibami” di Cinzia Villari e Stefano Benni, regia di Cinzia Villari (29 gennaio ore 17).

Teatro Biblioteca Quarticcolo

via Ostuni 8, Roma

26 gennaio ore 21.00

Per informazioni:

ufficio promozione 06.45460705

promozione@teatrobibliotecaquarticciolo.it

Teatro Tor Bella Monaca

via Bruno Cirino Roma

27 e 28 gennaio ore 21.00

Per informazione:

ufficio promozione 06.2010579

promozione@teatrotorbellamonaca.it

Orari Botteghino da martedì a sabato ore 11-14 e ore 15-19; domenica ore 15-19; tutte le sere di spettacolo anche ore 20-21.30;

Biglietti: € 10,00 intero (posto unico numerato)- € 5,00 ridotto (possessori Carta Bibliocard, under 26 e over 65) - € 2,00 ridotto per bambini fino alla quinta elementare

Andrea Bacchetti e l'Orchestra Camerata Ducale

2012-01-25T09:24:00.000-08:00

Istituzione

Universitaria

dei Concerti

Andrea Bacchetti, il pianista che passa senza problemi da Bach e Mozart a Chiambretti

Sabato 28 gennaio alle 17.30 nell'Aula Magna della Sapienza, la IUC

Istituzione Universitaria dei Concerti presenta il pianista Andrea Bacchetti e l'Orchestra Camerata Ducale con Guido Rimonda primo violino e direttore. In programma musiche di Johann Sebastian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Luigi Boccherini.

A trentaquattro anni, tra i migliori pianisti della nuova generazione, apprezzato soprattutto come interprete di Bach, Andrea Bacchetti è già ben noto al pubblico romano, avendo suonato più volte alla IUC. Ma è la prima volta che torna da quando è diventato un volto noto della televisione, perché lo scorso anno è stato ospite fisso in un talk show di successo come Chiambretti Night, dove non solo suonava il pianoforte ma si è dimostrato persona spiritosa, capace rispondere a tono alle graffianti provocazioni del conduttore. Apparentemente svagato e indifeso - ma non è affatto vero, come lasciano intendere lo sguardo perennemente spiritato dietro gli occhialetti da intellettuale - Bacchetti si sente a suo agio sia quando dialoga con lo spirito aulico della musica di Bach e Mozart sia quando si trova immerso nel pandemonio televisivo di Chiambretti.

All'Aula Magna Andrea Bacchetti suonerà il Concerto in sol minore per pianoforte e orchestra BWV 1058 di Johann Sebastian Bach, che trascrisse per lo strumento a tastiera un suo precedente concerto per violino, probabilmente destinandolo a uno dei suoi figli, che avevano ormai raggiunto l'età per suonare in pubblico e dimostrare le loro doti di musicisti. Particolarmente suggestivo è l'Adagio, per la melodie cantabile ma solenne del solista. Sarà molto interessante ascoltare l'interpretazione del pianista genovese, che si sta sempre più affermando nella élite dei grandi interpreti di Bach di questi anni, come conferma il successo internazionale dei suoi cd dedicati al Kantor di Lipsia; ma la sua discografia per Decca, RCA/Sony e Dynamic è molto vasta e include anche altri autori, dal settecentesco Baldassarre Galuppi al contemporaneo Luciano Berio.

Bacchetti interpreterà poi il Concerto in sol maggiore per pianoforte e orchestra K 453 di Wolfgang Amadeus Mozart. È uno dei preferiti da Bacchetti, che l'ha suonato la prima volta molti anni fa, quando si presentava in pubblico come bambino prodigio. L'Allegro iniziale non ha il solito carattere brillante ma è austero, con una punta di malinconia. L'Andante ha un che di inafferrabile e misterioso, in cui si avverte l'inizio del periodo dello "Sturm und Drang". L'Allegretto finale si basa su un vivace tema che si dice ispirato a Mozart dal suo cardellino.

Completano il programma la Sinfonia n. 70 in re maggiore di Joseph Haydn, ricca di humour e di idee originali e imprevedibili, un capolavoro del "padre della sinfonia, e le Sinfonie in re maggiore G 490 e in re minore op. 12 n 4 G 506 di Luigi Boccherini, l'unico italiano che potesse competere alla fine del Settecento con Mozart e Haydn in campo sinfonico. Le esegue la Camerata Ducale, diretta dal suo primo violino Guido Rimonda. Questo gruppo piemontese, che nel 2012 compie vent'anni d'attività, ha preso il nome dall'orchestra ducale che nel Settecento aveva sede a Torino sotto i Savoia ed era composta da alcuni dei più importanti musicisti italiani dell'epoca. La Camerata Ducale si dedica con particolare successo alla diffusione della musica italiana del Settecento, che ha eseguito in numerose tournée in Europa, Usa, America latina e Asia. Ha collaborato anche con noti personaggi del mondo dello spettacolo, quali Angelo Branduardi, Bruno Gambarotta, Luciana Littizzetto, gli Avion Travel e il duo Igudesman & Joo

Andrea Bacchetti

“Played with elegance an zest, work wonderfully on piano” (The Observer)

The Month’s BBC Music Magazine Choice: “Genius in Bach’s smallest invention”

Nato nel 1977,giovanissimo ha raccolto i consigli di musicisti come Karajan, Magaloff, Berio,Horszowski. Debutta a 11 anni con i Solisti Veneti diretti da C. Scimone. Da allora suona più volte in festivals internazionali quali Lucerna, Salisburgo, Belgrado, Santander, Antibes, Bologna, Brescia e Bergamo, Torino, Milano (MI.TO), Como, La Coruna, Pesaro, Spoleto, Bellinzona, Ravenna, Ravello, Badworishofen, Husum, Sagra Musicale Umbra, ecc. e presso prestigiosi centri musicali : Konzerthaus, Berlino; Salle Pleyel, Salle Gaveu, Piano 4****, Parigi; Rudolfinum Dvorak Hall, Praga; Teatro alla Scala e Sala Verdi, Milano; Teatro Coliseo, Buenos Aires; Ateneo Romano, Bucarest; Rachmaninoff Saal, The Moscow State Philarmonic Society, Conservatorio di Mosca; Auditorium National d’Espagna (ciclo grandi interpreti de Scherzo), Teatro Real, Teatro Monumental, Madrid; Mozarteum Brasilero, San Paolo; Zentrum Paul Klee, Berna; Gewandthaus, Lipsia; Sociedad Filarmonica, Lima; Associazione Scarlatti, Napoli; Università La Sapienza, Accademia Filarmonica, Roma; GOG, Genova; Unione Musicale, Torino; Amici della Musica, Firenze; ecc. dal 1998 è ospite regolare delle Serate Musicali di Milano; Con direttori ed orchestre di rilievo internazionale (Lucerne Festival Strings, Camerata Accademica Salzburg, RTVE Madrid, ONBA Bordeaux, MDR Sinfonie Orchestre Lipsia, ecc.). Ha tenuto tournèe in Giappone e Sud America. Collabora con R. Filippini, D. Nordio, il Quartetto Prazak, il Quartetto Ysaye e il Quartetto di Cremona. Fra la sua discografia internazionale sono da ricordare le Suite Inglesi di Bach, il CD “Berio Piano Works” (DECCA); il DVD Arthaus con le Variazioni Goldberg di Bach; i SACD con le “6 Sonatas” di Cherubini e quello con le “Galuppi piano Sonatas” (RCA RED SEAL – Sony/Bmg). Queste registrazioni hanno tutte ricevuto numerosi riconoscimenti dalle maggiori e più importanti riviste internazionali specializzate e da alcuni dei quotidiani più prestigiosi a livello mondiale.. Per Dynamic ha registrato lo scorso anno le Invenzioni e Sinfonie di Bach. Questo disco è stato uno dei CD di musica strumentale pubblicati dalla casa stessa più premiati nel mondo fin dalla sua fondazione. Appena uscite, “The Toccatas” di Bach, hanno già raccolto prestigiosi consensi a livello internazionale Tali riconoscimenti, con le relative recensioni, sono disponibili e stampabili su www.andreabacchetti.net. Suoi concerti sono stati trasmessi da RadioTre, BBC Radio3 (UK), ORF, Radio France (anche alla Roque d’Anteron), RSI, Radio della Nuova Zelanda, RNE (Spagna), MDR Lipsia, DRS2, CBC Radio 3 Canadà, ecc.

L’Orchestra Camerata Ducale, fondata nel 1992 per iniziativa di Guido Rimonda e Cristina Canziani, è nata a coronamento di una lunga e paziente ricerca storico-musicale sul periodo a cavallo dei secoli XVII-XVIII e incentrata in particolare sul compositore piemontese Giovanni Battista Viotti (1755-1824).

Il nome Camerata Ducale è ispirato alla Cappella Ducale, orchestra che aveva sede a Torino nel Settecento sotto l’egida dei Savoia ed era composta dai più importanti violinisti italiani dell’epoca, come Giovan Battista Somis, Gaetano Pugnani e lo stesso Viotti, le cui opere, celeberrime al tempo in cui visse, caddero poi in totale quanto ingiusto oblio. E’ stato il ritrovamento di importanti partiture di questo autore a richiedere la nascita di un gruppo di musicisti che si interessasse allo studio delle sue composizioni e desse nuova vita alla sua musica. La Camerata Ducale, formata con l’obiettivo primario di far conoscere e di valorizzare le opere di Viotti - le quali nel loro complesso rappresentano un vero patrimonio semisconosciuto della cultura italiana - in questi anni ha proposto le sue opere sia all’interno di prestigiose manifestazioni sia all’interno di proprie stagioni concertistiche. Sempre attraverso l’esecuzione di inediti viottiani.

Nel corso degli anni, l’attività dell’Orchestra ha raggiunto traguardi importanti, come l’ideazione e la realizzazione, a partire dal 1998, della stagione concertistica VIOTTI FESTIVAL - L’Arco Incantato, con sede a Vercelli, città natale di Viotti e dal 2009 si è aggiunta una sede staccata in Florida nelle città di St.Petersburg, The Villages e Orlando .

Il Festival vercellese conta su presenze prestigiose, come quelle, tra gli altri, di Salvatore Accardo, Uto Ughi, Vladimir Spivakov, Cecilia Gasdia, Luciana Serra, Igor Oistrakh, Franco Maggio Ormezowski, Maxence Larrieu, Enzo Dara, Katia Ricciarelli, Milena Vukotic, Shlomo Mintz, Duo Igudesman & Joo, Augustin Dumay, Mischa Maisky, Louis Lortie, Gilles Apap, Bruno Canino, Jian Wang, Daniela Dessì. Renato Bruson, Alexander Lonquich, Pietro De Maria, Andrea Lucchesini, Alessandra Marianelli, Isabelle Faust, Richard Galliano e molti altri.

Da sottolineare la partecipazione del grandissimo violinista americano Ruggiero Ricci - che proprio con la Camerata Ducale ha voluto esibirsi nel concerto conclusivo della sua settantennale carriera.

Non va dimenticato, infine, l’interesse che la Camerata Ducale ha suscitato in noti personaggi del mondo dello spettacolo come Angelo Branduardi, Bruno Gambarotta e Luciana Littizzetto, con i quali sono state realizzate felici e riuscite collaborazioni. Inoltre nel 2009 la Camerata Ducale ha collaborato con la piccola Orchestra degli Avion Travel per un progetto dedicato a Nino Rota ( in occasione del trentennale dalla morte) pubblicando un doppio CD e DVD live(l’Amico Magico) per l’etichetta Sugar Music.

In parallelo al VIOTTI FESTIVAL, la Camerata Ducale persegue una capillare e incessante opera di divulgazione musicale sul territorio: un’attività che ha prodotto oltre 80 concerti solo nell’ultimo anno nei Comuni piemontesi. Inoltre, l’Orchestra ha anche intrapreso, a partire dal 1996, la monumentale incisione su CD (oltre 40 dischi previsti) dell’opera omnia di Viotti: un progetto unico nel mondo musicale. La registrazione di questi concerti è stato un lavoro filologico lungo e laborioso, partito nel 1995 dopo il ritrovamento delle cadenze originali dei concerti di Viotti "Souvenir de violon" scritti dal compositore piemontese per un uso proprio. Dal 2009 la Camerata Ducale è rappresentata dall’etichette discografiche NAXOS e CHANDOS.

A queste attività, la Ducale affianca ancora la ricerca storica, alla quale si è dedicata con la ricostruzione della storia della liuteria piemontese presentata nella pubblicazione Quattro secoli di liuteria in Piemonte, con il sostegno della Regione Piemonte.

La Ducale si è dedicata con particolare successo alla diffusione della cultura musicale italiana all’estero con tournée in Sudafrica (sotto gli auspici dell’Ambasciatore d’Italia a Pretoria, del Consolato Generale d’Italia a Johannesburg e della Regione Piemonte), negli Stati Uniti, con concerti in Florida nel 2005, 2006 e 2007 in Giorgia (dicembre 2007), in Guatemala (giugno 2009) e in Bahrein ( ottobre 2009).

L’Orchestra Camerata Ducale è sostenuta dalla Regione Piemonte, dal Comune di Vercelli, dalla Compagnia di San Paolo e dalle Fondazioni CRT e CRV.

Sabato 28 gennaio ore 17.30

Aula Magna – Sapienza Università di Roma - Piazzale Aldo Moro 5

Andrea Bacchetti pianoforte

Orchestra Camerata Ducale

Guido Rimonda primo violino e direttore

Luigi Boccherini Sinfonia in re maggiore G 490

Johann Sebastian Bach Concerto in sol minore per pianoforte

e orchestra BWV 1058

Joseph Haydn Sinfonia n. 70 in re maggiore Hob I: 70

Wolfgang Amadeus Mozart Concerto in sol maggiore per pianoforte

e orchestra K 453

Luigi Boccherini Sinfonia in re minore op. 12 n 4 G 506

BIGLIETTI: Interi: da 15 euro a 25 euro (ridotti da 12 euro a 20 euro)

Giovani (under 30): 8 euro

Bambini (under 14): 4 euro

INFO per il pubblico: tel. 06 3610051

www.concertiiuc.it

botteghino@istituzioneuniversitariadeiconcerti.it

DAMIEN HIRST: The complete Spot Paintings 1986-2011

2012-01-24T10:31:00.000-08:00

Fino al 10.III.2012

DAMIEN HIRST: The complete Spot Paintings 1986-2011.

Roma, Gagosian Gallery.

Il pallino di Hisrt? Fare il giro del mondo in 11 gallerie con un vero e proprio record di esposizioni e diventare il Willy Wonka dell'arte.

DAMIEN HIRST, Phe-Tyr, 2004-11. © Damien Hirst and Science Ltd.

La mostra dedicata ai famosi spot di Hirst è stata inaugurata giovedì 12 gennaio simultaneamente nelle 11 gallerie della Gagosian, nelle sedi di New York, Londra, Parigi, Los Angeles, Roma, Atene, Ginevra e Hong Kong. Un'impresa faraonica concepita come un'unica mostra dislocata in diverse location, per un totale di 300 dipinti provenienti da collezioni pubbliche e private. Pepi Marchetti Franchi, direttrice della Gagosian di Roma ha commentato: “I 300 dipinti esposti nelle varie sedi, il cui valore oscilla tra alcune centinaia di migliaia di dollari e il milione, provengono da collezioni pubbliche e private: ogni galleria esporrà un numero esiguo di opere, diverso da sede a sede. Hirst realizzò personalmente solo i primi cinque quadri, mentre è noto che le successive sono opera del suo team”. Ci saranno quasi tutte le opere a pois, realizzate con l'utilizzo dell'household gloss (uno smalto usato in ambito industriale), dalla prima realizzata nel 1986; al più piccolo spot painting realizzato nel 1996, che presenta la metà di uno spot di 2.55 x 1.27 centimetri; ai lavori monumentali composti da quattro spot, ognuno di 152.40 centimetri di diametro, fino alle ultime creazioni, tra cui quella del 2011 composta da 25.871 spot di un millimetro di diametro ciascuno. Così Hirst definisce i sui spot: “Immaginiamo un mondo di pois. Ogni volta che realizzo un dipinto elimino un quadrato. Si rigenerano. Sono collegati l'uno con l'altro. Sono da sempre un colorista, ho sempre amato profondamente il colore... voglio dire, lascio che il colore faccia il suo corso. Ecco quindi da dove nascono gli spot paintings: comporre la struttura che crea quei colori, e poi non pensarci più. Improvvisamente ho ottenuto ciò che volevo. Era semplicemente un modo per immortalare la gioia del colore.”

DAMIEN HIRST Myristyl Acetate, 2005. © Damien Hirst and Science Ltd.

Una mostra a pois che si dilaga a livello globale, è la geniale trovata dell'accoppiata vincente Damien Hirst-Larry Gagosian, che anticipa la tanto attesa retrospettiva sull'opera dell'artista inglese alla Tate Moderm di Londra (aprile 2012). L'artista conosciuto soprattutto per i sui animali imbalsamati in formaldeide e per i sui teschi, rilancia insieme al gallerista il brand dei pois. Ormai gli spot di Hirst sono diventati un simbolo riconosciuto universalmente; ma da dove viene l'ispirazione? Il re della Young British Art non l'ha mai rivelato. Forse sono un'astrazione delle sue famose vetrine di pillole, o forse derivano dai pattern tessili degli anni '60, o ancora una mutazione del celebre gioco Twister della Hasbro? Una cosa è sicura, l'artista ha saputo realizzare un linguaggio accattivante attraverso il semplice uso del colore, facendo diventare le sue opere un'icona dell'arte contemporanea, più volte riprese dal mondo dalle TV, dalle pubblicità e della grafica. Così Hirst si conferma ancora una volta indiscusso genio del marketing e re Mida dell'arte, monopolizzando l'arte contemporanea per tutto l'inverno 2012. Gli Spot Paintings sono il chiaro manifesto di un'artista che ha il potere di dettare le regole del gioco, inserendosi in un meccanismo economico in cui l'opera d'arte è pensata e creata per i ricchi. Ed ecco, subito pronta una trovata geniale: la "Damien Hirst The Complete Spot Challenge”. “Vi ricordate la trama di Willy Wonka e la fabbrica di Cioccolato? Il proprietario di una fabbrica di dolci bandisce un concorso, i cinque bambini che troveranno il biglietto d'oro nelle barrette di cioccolato da lui prodotte potranno entrare nella sua favolosa fabbrica per scoprirne i segreti.

Ecco, io ho fatto la stessa cosa, utilizzando come premio le mie opere” ha dichiarato l'artista ai microfoni del New York Times. Per partecipare alla competition i visitatori dovranno visitare tutte le 11 gallerie e compilare le apposite schede distribuite in ogni sede Gagosian oppure scaricabili su questo indirizzo web gagosian.com/SpotChallenge. In premio i fortunati vincitori riceveranno una stampa di Hirst, ricordiamo che le stampe dell'artista vendute all'asta hanno raggiunto quotazioni di 50.000 dollari. Una vera e propria lotteria a premi per chi non conosce crisi.

In occasione della mostra sarà pubblicato The Complete Spot Paintings 1986-2011, un catalogo interamente illustrato, che rappresenterà un importante e definitivo riferimento per tutti gli spot painting realizzati da Hirst dal 1986 fino ad oggi. Inoltre, la terza edizione dell'applicazione Gagosian per Ipad sarà presentata a gennaio 2012; con oltre novanta spot painting, darà ai fruitori la possibilità di interagire con la serie e analizzarla nel dettaglio. Un'applicazione gratuita progettata sia per educare che per divertire, che dare accesso illimitato alla storia dell'arte contemporanea e fornirà una panoramica delle mostre e progetti della Gagosian con news, recensioni, eventi. Accanto alle opere di Hirst troveremo immagini pop-up di Warhol, la mappa mondiale della serie Celebration di Koons, le sculture Junction (2011) e Cycle (2010) di Serra, i paesaggi cinesi di Lichtenstein, i video di Richard Prince e tanti altri.

Damien Hirst è nato a Bristol, Inghilterra nel 1965. Tra le importanti mostre personali ricordiamo: "The Agony and the Ecstasy", Museo Archeologico Nazionale di Napoli, Napoli (2004); "For the Love of God", Rijksmuseum, Amsterdam (2008); "No Love Lost", The Wallace Collection, Londra (2009); "Requiem", Pinchuk Art Center, Kiev (2009). Ha ricevuto il prestigioso premio Turner Prize nel 1995.

Hirst vive e lavora a Londra e Devon, Regno Unito.

roberta fratini

Damien Hirst

The Complete Spot Paintings 1986-2011

12 gennaio - 10 marzo 2012

Gagosian Gallery

Via Francesco Crispi 16, Roma

Orari: martedi-sabato 10:30-19

Ingresso gratuito

www.gagosian.com

info: tel. 39.06.4208.6498

roma@gagosian.com

Femminile Singolare

2012-01-24T10:07:00.000-08:00

Cristina Comencini apre mercoledì 25 gennaio al Teatro Argentina la rassegna

Femminile Singolare

un ciclo di incontri dedicati all’universo femminile

per raccontare, attraverso le voci delle protagoniste della nostra scena sociale,

la sfida quotidiana di coniugare responsabilità desideri opportunità e aspirazioni.

L’ingresso in scena di un uomo misterioso per commentare ogni singolo incontro

ingresso libero

Mercoledì 25 gennaio ore 18 presso la sala Squarzina del Teatro Argentina, Cristina Comencini, scrittrice e regista, inaugura la rassegna “Femminile Singolare”, ideata e condotta da Emilia Costantini, giornalista del Corriere della Sera, dedicata alle donne sempre più protagoniste della realtà civile e sociale, sempre più presenti e competitive nel campo lavorativo.

In una serie di incontri aperti al pubblico, Emilia Costantini intervisterà alcune protagoniste del mondo dell’imprenditoria, della politica, dello spettacolo, della medicina, della scienza, del giornalismo, dello sport, per capire se la natura femminile sia stata davvero così stravolta o se invece sia possibile coniugare femminilità e mente, impegno lavorativo e famiglia, amore materno-coniugale e ambizione, cuore e ragione. Scoprendo anche risvolti inediti, lati privati e nascosti dei personaggi famosi che, di volta in volta, si avvicenderanno sul palcoscenico.

Ma è proprio vero che le cosiddette donne in carriera devono necessariamente rinunciare alla propria femminilità, sacrificare e trascurare il ruolo di madri, mogli, “angeli” del focolare? Una materia incandescente, sempre al centro di dibattiti e polemiche sociali.

“Femminile”, dunque, vuol dire “Singolare” nelle sue varie accezioni: singolare è l’impegno che una donna investe nella quotidianità; è l’approccio con cui una donna si dedica a qualunque iniziativa; singolare è, a volte, la solitudine con cui deve convivere per coronare le sue aspirazioni.

Nel corso della rassegna - i prossimi appuntamenti sono previsti il 21 febbraio, il 20 marzo, il 24 aprile, il 16 maggio - la giornalista porrà le ospiti sotto il fuoco incrociato delle sue domande, con ottiche diverse: da una parte la realizzazione femminile il sentimento e dall’altra l’affermazione professionale.

Ma le domande verranno anche dal pubblico, cui sarà passato il microfono per interrogare le protagoniste in scena. E alla fine, da dietro le quinte, spunterà un uomo: un personaggio noto (politico, imprenditore, giornalista, attore) che, dopo aver ascoltato, in silenzio e nascosto, la discussione avvenuta in palcoscenico, avrà il compito di commentare, chiosare, riflettere, rintuzzare, controbattere e magari anche polemizzare con quanto è stato affermato fino a quel momento. Perché le donne devono sempre confrontarsi con gli uomini.

La madre

2012-01-23T00:15:00.000-08:00

fino al 29.I.2012

La madre

Roma, Teatro Vascello

In queste sere, al Vascello, s’inscena una tragedia che stringe gli spettatori in una morsa di tensione e indifferenza.

La pièce cui è possibile assistere fino al ventinove di questo mese presso il Teatro Vascello di Roma presenta la firma di Paolo Fallai, ma nasce dalla costola originaria dell’opera teatrale d’esordio del premio Nobel del 1957 Albert Camus (1913-1960), Il malinteso (in originale Le Malentendu), scritta nel 1943 nella Parigi assediata dai nazisti e presentata al pubblico, un anno dopo, nel parigino Théâtre des Mathurins.

La rivisitazione compiuta da Fallai estrapola dall’originale il nucleo familiare, costituito da madre e figlia, le protagoniste della tragedia, da cui dipendono gli esiti della stessa, focalizzando l’attenzione sul personaggio della madre, che non a caso dà il titolo all’opera.

La trama della riscrittura consegnata agli spettatori è trasportata interamente sul palcoscenico: il pubblico siede su due file di panche, come se si trovasse all’interno di uno studio televisivo. La finzione ci rende spettatori di un programma televisivo in cui vengono abitualmente invitati dei criminali, responsabili di atroci delitti.

La presentatrice chiama in studio la “Madre”, un’albergatrice accusata di aver ucciso dodici clienti, tutti uomini e ricchi. Il movente di questi omicidi viene confessato con distacco: l’obiettivo era sottrarre alle vittime tutto il loro denaro, strumento indispensabile per attuare il piano di fuga dalla tetra realtà nella quale la donna era costretta a vivere con la figlia, per recarsi in un posto di mare, dove il sole e il mare avrebbero potuto dissolvere il loro cupo malessere esistenziale.

Nella rievocazione-intervista la trafila di omicidi si interrompe con la scoperta che la dodicesima e ultima vittima è proprio il figlio dell’albergatrice, Jan, che non vedeva da vent’anni e che era tornato dalla madre e dalla sorella per renderle finalmente ricche e felici. La madre non lo aveva riconosciuto: tale malinteso avrebbe poi originato la tragedia alla quale la donna è condannata.

L’operazione di riscrittura svolta da Fallai possiede l’elemento innovativo e ultramoderno del format televisivo, ma rimane fedele a molti contenuti dell’originale camusiano, di cui sono riproposte la forza e l’intensità pur senza approfondirne le dinamiche psicologiche, la correlazione tra personaggi ed eventi, a tal punto che alla fine molte risposte rimangono insolute.

A rendere più inverosimile la storia concorre l’identificazione della presentatrice televisiva, che altro non è che Marta, la figlia della madre intervistata. La tensione raggiunge livelli insostenibili, di cui anche lo spettatore deve farsi carico. Il desiderio di fuggire verso lidi assolati era primariamente il suo. Marta è la prima responsabile degli omicidi, per giunta niente affatto ignara dell’identità del fratello al momento di servirgli il tè avvelenato che di lì a poco l’avrebbe stroncato.

I temi primari di questo testo, che del resto impregnano l’intera poetica camusiana, ovvero il cinismo, l’egoismo, la solitudine, l’incomunicabilità anche tra persone care, vengono mantenuti intatti e costantemente ribaditi. È riconoscibile un altro tópos caro allo scrittore francese, cui è legato probabilmente per i suoi natali algerini, ovvero il mito del sole e del mare – perseguito da Marta, con la complicità della madre – tanto presente nel romanzo più noto dello scrittore, Lo straniero (L’Étranger, 1942), che fornisce numerosi spunti per l’elaborazione del testo teatrale. Basti ricordare l’articolo di cronaca nera – di cui si parla nel romanzo – tratto da uno stralcio di giornale che, pur con qualche variazione, costituirà l’ossatura de Il malinteso.

L’invenzione dell’intervista televisiva amplifica il cinismo e la freddezza della conduttrice-sorella, che si fa evidente allusione all’interesse morboso con cui, negli spazi televisivi, si trattano temi di cronaca nera.

La focalizzazione voluta dall’autore del rifacimento sul personaggio della madre, che declasserei a mera deuteragonista, consente una valutazione in chiave analitica. La “Madre”, qui mai nominata, in quanto madre per antonomasia, resa simbolo di una condizione esistenziale grigia e anonima, è vittima di un compromesso con la vita. La donna è datrice di vita e di morte, poiché mette al mondo il figlio e, con il silente assenso della figlia, ne determina la morte.

vincenza accardi

La madre

dal 19 al 29 gennaio 2012

Teatro Vascello

Via Giacinto Carini 78 - 00186 Roma

Orario: da martedì a sabato ore 21; domenica ore 18

Ingresso: intero € 20; ridotto € 15

Info: tel. 06 5881021 - 06 5898031;

promozione@teatrovascello.it; www.teatrovascello.it

Testo di Pietro Fallai

liberamente tratto da Il malinteso di Albert Camus

Produzione Teatroinaria Stanzeluminose

con Paola Rinaldi e Vittoria Faro

scene e costumi di Lorenzo Ciccarelli

disegno luci di Danilo Facco

regia di Alessandro Berdini

EVGEN BAVČAR - IL BUIO È UNO SPAZIO

2012-01-23T00:10:00.001-08:00

Fino al 25 Marzo 2012

EVGEN BAVČAR

IL BUIO È UNO SPAZIO

Roma, Museo di Roma in Trastevere

Un viaggio in una dimensione onirica, un tracciato di immagini in cui la memoria si fonde con la percezione dell'anima.

“Il buio è uno spazio” è un'esperienza estetica che trascende l'immediatezza della realtà, è un percorso fotografico attraverso il quale l'artista sloveno Evgen Bavčar ci racconta un immaginario di forme e visioni che sfidano i confini del visibile.

Cieco fin dall'età di 12 anni, intraprende la sua ricerca personale laureandosi nel 1976 in filosofia estetica alla Sorbona. Diviene ricercatore presso il CNRS francese e continua la sua carriera abbracciando un universo comunicativo sempre più vasto: conduzioni radiofoniche, scrittura, poesia arrivando così al culmine della sua espressività artistica per mezzo del linguaggio fotografico.

La mostra in esposizione presso il Museo di Roma in Trastevere permette ai visitatori di godere di alcuni scatti famosi in bianco e nero e in anteprima per l'Italia di alcune opere a colori.

Il lungo spazio espositivo proietta lo spettatore in un esperimento sensoriale, di cui Bavčar è lo straordinario precursore, attraverso le sue immagini evocative, esplora il buio e “dall'oscurità esistenziale” l'obiettivo del suo “occhio interiore” immortala la luce.

Una luce che ricerca in ogni scatto, come ci raccontano le sette sezioni a lui dedicate.

Dalla serie “autoritratti” un'ombra che con determinazione emerge da una luce soffusa, un grido che si fa strada nel fluire della memoria, un'identità che trascende i limiti imposti, attraverso l'arte Evgen Bavčar ritaglia la sua identità divenendo cacciatore di immagini.

La disarmante innocenza è invece descritta nella serie di scatti intitolata “L'infanzia”, una mano apre la porta dei ricordi e l'eco delle visioni infantili ritrova vita nel gesto ludico di una bambina, Veronica nipote dell'artista e protagonista di molte sue opere.

Dalla serie “Carezza di luce” sono esposte delle opere di assoluta intimità spirituale, la luce ricalca i contorni dei corpi nudi femminili, risaltandone la fragilità, rendendo ogni apparente dettaglio un racconto di chi sa guardare veramente.

Così luci e mani sfumate si confondono in una danza di contrasti, laddove il buio esiste solo per dar spazio alla luce.

Le stampe tratte dalla serie “Vista tattile” sono opere di grande lirismo.

Un'istantanea datata 2002 immortala una scultura: delle grandi mani bianche catturano l'atto di un movimento perpetuo, un'eternità che viene infranta da un gesto, una piccola mano si avvicina all'opera immobile cercando di scoprirne le forme e di coglierne l'essenza.

Istantanee di percezioni tattili che smuovono la materia, questo divengono le stampe di Bavčar, le mani afferrano i corpi nudi che emergono da scarni teli bianchi, in un palcoscenico della vita composto da semplici contrasti di luci ed ombre.

L'artista cerca di scorgere l'invisibile, conquistando attraverso la pellicola tutto ciò che lo circonda, abbattendo ogni distanza fisica e ogni limite.

Rievoca gli scenari natii in svariati scatti malinconici, tratti dalla serie “ Paesaggio Sloveno” , nei quali la luce fioca dei ricordi si fonde con l'effimera certezza del presente.

Un presente che si confonde con il passato, il ritmo del tempo è scandito dallo scorrere dell'acqua, dalle note di un violoncello che accompagnano il destino dell'uomo nella serie “Il fluire del tempo”.

Fino ad arrivare alla serie “Sguardo ravvicinato” che proietta l'obiettivo fotografico verso uno spaccato onirico, un mondo popolato da rondini bianche che irrompono nella notte dell'artista tracciando una danza perenne, necessaria.

L'ultima parte è un tributo al colore, non è più la scala di bianchi e neri a dominare le opere di Bavčar, bensì un turbine di emozioni e cromie, una rinascita generata dalla conoscenza e dall'unica mano in grado di scolpire la luce nel buio: l'arte.

nadia gardini

dal 19 gennaio al 25 marzo 2012

Evgen Bavčar

Il buio è uno spazio

a cura di Enrica Viganò

Museo di Roma in Trastevere

piazza S. Egidio 1/b, Roma

Orario

Martedì-domenica ore 10.00-20.00; chiuso lunedì

La biglietteria chiude un'ora prima

Biglietto d'ingresso

Intero: € 6,50

Ridotto: € 5,50

Gratuito per le categorie previste dalla tariffazione vigente

Informazioni

060608 (tutti i giorni ore 9.00-21.00)

Mandrione metropolitano

2012-01-22T02:14:00.000-08:00

20.I.2012

Mandrione metropolitano

Pratiche e strategie di riappropriazione della città

Il caso di via Casilina Vecchia e Via del Mandrione a Roma

Roma, 30 Formiche

Piccole formiche crescono.

Nuovi impulsi e nuova vita al Mandrione.

Sala ultra-affollata per un evento di grande interesse ospitato dal 30 Formiche, nuovo circolo culturale nato all'inizio di via del Mandrione lo scorso settembre.

Fulcro dell'iniziativa la presentazione ai cittadini di “Mandrione metropolitano. Pratiche e strategie di riappropriazione della città. Il caso di via Casilina Vecchia e Via del Mandrione a Roma”: questo volume, edito da Aracne Editrice, è nato dalla collaborazione di più persone e di più enti che hanno posto come base fondamentale la partecipazione attiva per la valorizzazione e la salvaguardia del territorio abitativo. Curato dal prof. Alessandro Giangrande e dalla dott.ssa Adriana Goni Mazzitelli, i numerosi autori del volume (Alessandra Broccolini, Vincenzo Padiglione, Giuseppe Scandurra, Luigi Ciotti ed Elena Mortola) sono cultori di materie diverse, dall'architettura alla geografia all'antropologia. Contributo fondamentale per il lavoro è stato quello dei cittadini del Comitato di Quartiere Casilina Vecchia Mandrione.

Tanti autori per intrecciare una serie di iniziative del Comitato, dell'Università, del IX Municipio e dei quartieri limitrofi: la presentazione è stata un coacervo di interventi diversificati e costruttivi sul passato, il presente e il futuro della zona.

Moderatrice della manifestazione, Claudia Dacconto, giornalista di Radio Popolare Roma, che ogni lunedì trasmette “La Casa della Città”, trasmissione «sulle centinaia di comitati che si battono a Roma contro la cementificazione selvaggia, per la casa, per i diritti, per un'alternativa di città».

I due curatori di “Mandrione metropolitano” hanno illustrato tutti i passi che il Comitato e l'Università Roma Tre hanno effettuato per riqualificare un territorio da troppo tempo degradato e abbandonato a se stesso.

Dopo un interscambio a stretto contatto con tra gli studenti e i residenti (gli uni si sono recati sul quartiere e gli altri sono andati alla facoltà di Architettura) è stato organizzato un workshop di una settimana per raccogliere i sogni dei cittadini e poterli inserire in progetti concreti, che di certo non prenderanno il via dall'oggi al domani, ma che rimangono punti di riferimento tangibili per il futuro.

Il portavoce del Comitato Casilina Vecchia Mandrione, Claudio Isidori, ha ripercorso le tappe delle principali attività del comitato, costituito ufficialmente nel 2010, ma di fatto operante sin dal 2002 con l'impegno da parte di persone fortemente radicate nel quartiere a combattere le problematiche territoriali.

In rappresentanza della memoria storica è intervenuto Don Roberto Sardelli: nel 1968 si trasferì tra i baraccati nella parte terminale dell'acquedotto e, fondando la Scuola 725, aiutò soprattutto i ragazzi a prendere consapevolezza della condizione di ingiustizia in cui versavano.

Susanna Fantino, presidente del IX Municipio, ha sottolineato l'importanza dell'alfabetizzazione democratica: i cittadini devono essere consapevoli di quali siano i meccanismi di amministrazione sul territorio, per poter dare un contributo collettivo ed efficace.

Presentati anche progetti affini, nati dalla volontà di bloccare la cementificazione indiscriminata di alcune zone della città: giardini condivisi, orti urbani ed ecomusei, come dice lo stesso volume, sono «buone pratiche di riappropriazione e gestione del patrimonio urbano».

La copertina e l'introduzione a “Mandrione metropolitano” sono opera dell'artista Alfredo Pirri, il quale ha posto l'accento sul valore della storicità del quartiere, non meno importante di quello del centro storico.

In ultimo ha tenuto un breve discorso uno dei soci fondatori del 30 Formiche, Michele Facecchia: obiettivo principale del neo circolo culturale è quello di utilizzare la cultura e il confronto con gli altri per stimolare nei giovani, ma anche nei meno giovani, una coscienza critica e partecipativa.

Lunedì alle 11:30 su Radio Popolare Roma (103.3) la trasmissione sarà dedicata proprio al Mandrione e alla Casilina Vecchia.

sara iacobitti

Un abstract dal volume:

http://www.aracneeditrice.it/pdf/4351.pdf

A. Giangrande, A. Goni Mazzitelli, a cura di, Mandrione metropolitano. Pratiche e strategie di riappropriazione della città. Il caso di via Casilina vecchia e via del Mandrione a Roma, Roma, Aracne Editrice, 2011.

ISBN: 8854843512

ISBN-13: 9788854843516

Alcesti mon amour

2012-01-21T09:02:00.000-08:00

TEATRO INDIA

24 | 29 gennaio 2012

Al Teatro India va in scena l’Alcesti di Euripide

nello spettacolo firmato da Walter Pagliaro

Alcesti mon amour

nuova tappa del regista di Conversano tra i classici della tragedia greca

con Micaela Esdra, Luigi Ottoni, Marina Locchi, Diego Florio, Ilario Grieco

Da martedì 24 a domenica 29 gennaio al Teatro India va in scena lo spettacolo Alcesti mon amour, da Euripide, con la regia di Walter Pagliaro. Presentato dall’Associazione Culturale Gianni Santuccio, lo spettacolo è interpretato da Micaela Esdra, Luigi Ottoni, Marina Locchi, Diego Florio e Ilario Grieco. Le musiche sono di Germano Mazzocchetti; le maschere e i costumi di Giuseppe Andolfo.

Dopo un primo allestimento nel 1992, parte della trilogia Nell’intima dimora, e un secondo nel 2004, il regista di Conversano ritorna con Alcesti mon amour sul tema del sacrificio per amore incarnato dalla figura di Alcesti - la regina che si immola per allontanare dalla morte il marito Admeo, re di Fere – e sulla versione euripidea del mito, la prima letteraria giunta ai posteri.

Rispettando le regole proprie della forma drammatica di Euripide, Walter Pagliaro fa rivivere sulla scena il raffinato gioco di ruoli e il conflitto tra i protagonisti, affidando a due attori per volta – il teatro ateniese ne prevedeva al massimo tre – gli otto personaggi della tragedia facendo uso di maschere. Maschere dalle tinte forti e dai tratti esasperati che hanno la funzione non solo di identificare i diversi personaggi ma anche di svelarne l’interiorità e l’animo.

“L'Alcesti di Euripide – scrive il regista nelle note allo spettacolo - si colloca, come suggerisce fantasticamente Dodds, in quella civiltà di vergogna e colpa, fortemente sessuofobica, in cui l'evoluzione della società e della religione aumentano innegabilmente ansia e paure. Il re Admeto viene travolto dal suo sogno di perpetuare idealmente l'eros, anche dopo la morte, così come Alcesti è schiacciata dalla paura di una tentazione di tradimento… Nello scettico mondo di Euripide, in cui tutto vacilla e si capovolge, ad uscirne a pezzi è la famiglia con le sue ipocrisie e le sue volgarità…In questo contesto, come si possa pensare ad una rinascita, mi pare quanto meno improbabile. È naturale che, insieme agli attori, mi sia interrogato spesso sul senso della scena finale del dramma, sull'identità della donna velata. Purtroppo nessuno torna veramente dalla morte, se non nella favola, o nei prodigi o negli illusionismi. Ognuno interpreti come vuole quel ritorno: in un caso come nell'altro, quella figura emerge dal buio, dal nulla. Noi quell'apparizione l'abbiamo preparata fin dall'inizio come il segnale di un percorso: un abito da sposa bianco passa, come un muto fantasma, da Apollo alla serva, da Eracle a Ferete, per giungere di nuovo ad Alcesti, truccata e vestita nell'utlima sequenza come una bambola meccanica. Chi è davvero quel manichino semovente? La morte finalmente accettata da Admeto o la Gorgone tanto temuta? O il simulacro di Alcesti progettato sapientemente da Admeto? O il miracolo di un lieto fine tanto improbabile quanto liberatorio?

Oppure semplicemente un inganno, un'illusione teatrale, un’attrice mascherata, una splendida trovata del dio del teatro, un trucco di Dioniso, l'ennesimo sghignazzo di Euripide?”

24-29 gennaio 2012

Alcesti mon amour

Ufficio promozione Teatro di Roma

tel. 06.684.000.346 www.teatrodiroma.net

Biglietteria Teatro Argentina

tel. 06.684.000.311 (ore 10-14;15-19 lunedì riposo)

Teatro India, Lungotevere V. Gassman, Roma

Apertura botteghino ore 17-21 nei giorni di spettacolo

tel. 06.684000311

Biglietto: : € 18 e ridotto € 14.

Orari: tutte le sere ore 21- domenica ore 18-

Che ore sono

2012-01-20T07:21:00.000-08:00

Che ore sono

Roma, Auditorium Parco della Musica

Il tempo della musica e il tempo della parola.

Alla scoperta dei segreti del tempo con Stefano Benni.

Uno degli eventi inaugurali del Festival delle scienze 2012 dedicato al tema del Tempo è stato animato da Stefano Benni: alla Sala Sinopoli, ieri sera quasi gremita, il pubblico ha assistito ad una reading musicale di e con il celebre scrittore, accompagnato al pianoforte da Umberto Petrin (suono curato da Fabio Vignaroli e luci di Viviana Dominici).

In “Che ore sono” Benni esplora le gradazioni del Tempo sia attraverso brani inediti, sia con passi tratti dai suoi libri più noti. Riflessioni sull'essenza del tempo, sulla sua durata e sul suo variare con il passare degli anni, su quanto il tempo coinvolga le nostre vite in mille modi diversi.

«Qual'è il segreto del tempo?»: con questa domanda del mandarino Tien al saggio della montagna Timer si è aperta la serata. Un uomo così ossessionato dal tempo che pur di carpirne l'oscuro segreto cessa di vivere e si chiude in una stanza a guardare orologi, e che, pazientando anni pur di avere una risposta dal saggio, alla fine ottiene un responso che non si esaurisce: il tempo è ciò che intercorre tra gli eventi.

Con tre divertenti modi per “scaricare” una fanciulla, Benni ci mostra quanto si sia accorciato il tempo della comunicazione nel corso del Novecento: dalla lunga, sensibile e lacrimosa lettera dal fronte del soldato Oddone alla sua fidanzata Antoinette, alla telefonata da una cabina pubblica a gettoni degli anni Settanta, con tanto di accompagnamento musicale di “Sapore di sale”; fino al «s-m-s-» del 2012 che, sulle note tunz-tunz, si conclude con la minaccia di bucare le gomme alla ex se questa non restituisce l'anello di fidanzamento.

Si tocca anche il tema della morte, punto-limite al tempo della vita, attraverso un brano divertentissimo tratto da “Elianto” sulla teoria del filosofo Talete esposta ai dottori Siliconi e Satagius: ognuno di noi possiede dei “bonus” per ogni azione compiuta, che il buon Dio mette a disposizione in numero variabile per ciascuno; la morte non è altro che lo sforamento rispetto ad uno di questi bonus.

Con un passo molto intenso ed emozionante ci si interroga sulla possibilità di definire l'ora più bella della nostra vita, rovistando tra i ricordi fantastici che gareggiano per avere questo primato. Nell“Istante”, Benni analizza anche il paralizzante gelo provocato dallo sdoppiamento di un attimo: un solo momento fatale può cambiare il nostro mondo radicalmente, e riflettere su questo può sconvolge le nostre menti in maniera devastante.

Infine un tris (perché nonostante il bis, il pubblico ne vuole ancora) in cui Benni e Petrin propongono un fuori programma che avevano tagliato all'ultimo secondo: con una “Tragedia breve” si scherza sugli equivoci che possono nascere attorno alla semplice domanda «Che ore sono?» tra due innamorati, i quali inevitabilmente saranno condotti alla catastrofe.

sara iacobitti

Festival delle scienze 2012 – Il Tempo

Auditorium Parco della Musica

Viale Pietro de Coubertin (Roma)

Il calendario di eventi si articola da giovedì 19 a domenica 22 gennaio 2012.

L’apertura degli spazi espositivi e la programmazione degli eventi (conferenze, lectio magistralis, dialoghi, caffè scientifici, incontri per gli studenti e gli insegnanti) seguono gli orari indicati nel programma.

Gli eventi del Festival (a esclusione degli spettacoli) sono a pagamento al costo di 2 euro.

Per informazioni sui prezzi degli spettacoli e sulle modalità di acquisto dei biglietti

Infopoint tel. 06 80241281 - Call Center tel. 892 982

Auditorium - Parco della Musica tel 06 80241281

www.auditorium.com

Info scuole Ufficio Promozione promozione@musicaperroma.it tel. 06 80241226

Muri. Prima e dopo Basaglia

2012-01-20T05:06:00.000-08:00

fino al 22.I.2012

Muri. Prima e dopo Basaglia

Roma, Teatro India

Con e senza “muri”

È di scena al Teatro India fino a domenica 22 gennaio “Muri. Prima e dopo Basaglia”. Lo spettacolo, scritto e diretto da Renato Sarti, è rappresentato da Giulia Lazzarini, attrice di grande talento e sentimento, che racconta la testimonianza di Mariuccia Giacomini. È la storia di una infermiera che si trova catapultata in una realtà inaspettata, una realtà che le cambierà la vita. Vive per trenta lunghi anni tra le mura del manicomio di Trieste, prima e dopo la Legge Basaglia del 1978. La scenografia semplice ed essenziale permette di concentrarsi solo sul personaggio, che vive il mutamento da luogo di totale isolamento a luogo di dialogo, di comprensione e umanità. È uno spettacolo emozionante, uno scritto sentito, vissuto e civile.

Il racconto in un unico atto intrattiene tutto d’un fiato lo spettatore che attento ad ogni silenzio, ad ogni parola, tra italiano e dialetto triestino, ascolta raccontare con ironia e leggerezza l’esperienza di vita di una semplice donna, del suo stupore e delle sue paure. Mariuccia si trova a vivere la piena fase di cambiamento della psichiatria italiana: se prima il malato di mente era un uomo senza dignità, senz’anima, isolato e violato della sua libertà e delle sue emozioni, con l’arrivo di Franco Basaglia e la legge 180 cambia il modo di concepire il “matto”. Per la prima volta viene visto come individuo, viene ascoltata la sua storia e il suo vissuto, per la prima volta è un uomo senza costrizioni. Mariuccia capisce vivendo dentro e fuori le mura del manicomio di quanto questi “matti” le abbiano cambiato l’esistenza, di come si senta vicino alle loro sofferenze e di come loro siano stati dei veri e propri compagni di vita. Nella sua semplicità Mariuccia comprende che i “muri” non sono altro che gli schemi mentali dell’uomo, che ne limitano il pensiero, lo condizionano e lo allontanano dalla verità. L’attrice rivive in scena le difficoltà che Mariuccia si trova a un certo punto della sua vita ad affrontare; è costretta a guardare le proprie sofferenze proprio quando, per ironia della sorte, nel manicomio si faceva posto alla disponibilità, al rispetto e al dialogo. Riflette su quello che ha visto, che ha vissuto, e con estrema lucidità e nostalgia di quei tempi, ha paura che tutto possa cadere nuovamente nell’indifferenza e, quasi a non voler abbandonare i suoi compagni, da volontaria continua la vita all’interno delle mura.

carolina lucente

17-22 gennaio 201

Muri. Prima e dopo la legge Basaglia

Ufficio promozione Teatro di Roma

tel. 06.684.000.346 www.teatrodiroma.net

Biglietteria Teatro Argentina: tel. 06.684.000.311 (ore 10-14;15-19 lunedì riposo)

Teatro India, Lungotevere V. Gassman, Roma

Apertura botteghino ore 17-21 nei giorni di spettacolo- tel. 06.684000311

Biglietto: € 18 e ridotto € 14.

Orari: tutte le sere ore 21- domenica ore 18

LA MIA MUSICA PER IL CINEMA

2012-01-20T04:50:00.000-08:00

Paolo Buonvino in concerto a Roma

con l’Orchestra Roma Sinfonietta

Special guests Jovanotti e Giuliano Sangiorgi

Roma, 20 gennaio - Domenica 5 febbraio 2012 alle ore 21.00 nella sala Sinopoli dell’Auditorium Parco della Musica di Roma concerto di Paolo Buonvino, autore di molte delle più suggestive e note musiche per il cinema italiano contemporaneo. Ospiti attesissimi Jovanotti e Giuliano Sangiorgi, frontman dei Negramaro, che saliranno sul palco dell'auditorium per cantare alcuni loro pezzi, scritti in collaborazione con Buonvino. Sarà un'occasione irripetibile per ascoltare nella stessa serata due delle voci più note e apprezzate della musica moderna.

Completano il programma brani strumentali tratti dalle colonne sonore più celebri del Maestro Buonvino. Tra queste: "L'ultimo bacio" e “Baciami Ancora" di Gabriele Muccino, "Caos Calmo" di Antonello Grimaldi, “Romanzo Criminale" di Michele Placido, "Manuale d'amore” di Giovanni Veronesi, “La Matassa” di Ficarra & Picone e tantissime altre (vedi allegato).

Un momento culminante del concerto sarà l'esecuzione di alcune canzoni composte e/o arrangiate da Buonvino per le sue colonne sonore e subito divenute delle hit di grande successo come: "Baciami ancora" e "Innamorato" di Jovanotti, "Senza fiato" di Negramaro/Dolores O'Riordan, "Eppure sentire" di Elisa, "L'ultimo Bacio" di Carmen Consoli , "Noite e Luar" di Patrizia Laquidara.

E desterà prevedibilmente grande curiosità l'esecuzione in prima assoluta di un nuovo brano di Buonvino, scritto per I-Pad e orchestra.

Il compositore siciliano dirigerà l’Orchestra Roma Sinfonietta, che per l’occasione sarà composta da 40 elementi. Con loro anche la Goodwine Band, composta da Santi Pulvirenti (chitarra–bouzuchi e mandole), Pasquale Laino (sassofoni, clarinetto, duduk), Tony Brundo (tastiere, e fisarmonica), Franco Barresi (percussioni e batteria), Giovanni Arena (contrabbasso) e Faisal Taher (voce).

A rendere unico questo concerto unico contribuiranno anche l'elaborazione elettronica (due computer interagiranno con l’Orchestra Roma Sinfonietta e la Goodwine Band) e la multimedialità, grazie a proiezioni video che garantiranno uno scenario originale e atmosfere molto suggestive.

In questi giorni Buonvino e Jovanotti stanno missando il cd live del loro riuscitissimo concerto “Jova Strings Party” dello scorso 3 settembre a Taormina, che potrebbe essere presentato proprio nella serata del 5 febbraio

All’ingresso in sala sarà offerto in omaggio al pubblico un cd che raccoglie le più note colonne sonore di Paolo Buonvino.

Biografia

Paolo Buonvino nasce a Scordia in provincia di Catania, si diploma in pianoforte presso il conservatorio F. Cilea di Reggio Calabria e studia Discipline della Musica presso l’Università di Bologna. Inizialmente assistente musicale di Franco Battiato, si dedica al teatro scrivendo musiche di scena per varie compagnie.  Inizia l’attività di compositore di colonne sonore con lo sceneggiato tv La Piovra 8 (1997, Rai) di Giacomo Battiato. Subito dopo il felice incontro con un giovane Gabriele Muccino, sancisce un’unione professionale di grande prestigio. Nel 1998, infatti, è autore della colonna sonora di Ecco Fatto, poi arriva l’anno successivo Come te nessuno mai e poi ancora nel 2001 L’ultimo Bacio e nel 2003 Ricordati di me. Sue le colonne sonore di molti film, che danno il viaa numerose e prestigiose collaborazioni con grandi registi come Michele Placido, Giovanni Veronesi, Paolo Virzi, Carlo Carlei, Carlo Verdone, Roberto Faenza, Dyane Kurys, Gianluca Tavarelli, Renzo Martinelli, Valerio Jalongo, Luciano Odorisio, Alberto Simone, Davide Marengo, Ficarra & Picone e molti altri. Per Antonello Grimaldi ha composto le musiche del film Caos calmo (2008). Nel 1999 alla 56ª mostra internazionale di Venezia gli viene assegnato il premio Rota per le musiche di Come te nessuno mai. Al Festival International de Luchon (2002) riceve il premio per la migliore colonna sonora con il film Le jeune Casanova. Nel 2008 riceve il David di Donatello e il Nastro d'argento per la colonna sonora del film Caos calmo. Ha al suo attivo collaborazioni con Franco Battiato, Jovanotti, Carmen Consoli, Patrizia Laquidara, Elisa, Negramaro, Dolores’O Riordan, per i quali ha scritto alcuni brani divenuti celebri nel panorama musicale nazionale.

Filmografia

2011 - ANCHE SE È AMORE NON SI VEDE (di Ficarra e Picone)

2011 - UN GIORNO IN PIÙ (di Massimo Venier)

2011 - IF I WERE YOU (di Joan Carr -Wiggin)

2011 - SILVIO FOREVER (di Roberto Faenza e F. Marcelloni)

2011 - IL COMMISSARIO MANARA (di Luca Ribuoli) (Rai)

2011 - MANUALE D’AMORE 3 (di Giovanni Veronesi)

2010 - BACIAMI ANCORA (di Gabriele Muccino)

2009 - LA MATASSA (di Avellino, Ficarra e Picone)

2009 - IL COMMISSARIO MANARA 2 (di Davide Marengo) (Rai)

2009 - QUATTRO PADRI SINGLE (di Paolo Monico) (Mediaset)

2009 - MANUALE D’AMORE 2 (di Giovanni Veronesi)

2008 - CAOS CALMO (di Antonello Grimaldi)

2007 - I VICERÈ (di Roberto Faenza)

2007 - CEMENTO ARMATO (di Marco Martani)

2006 - N, IO E NAPOLEONE (di Paolo Virzì)

2006 - IL MIO MIGLIOR NEMICO (di Carlo Verdone)

2005 - ROMANZO CRIMINALE (di Michele Placido)

2005 - UNA FAMIGLIA IN GIALLO (di Alberto Simone) (Rai)

2005 - MANUALE D’AMORE (di Giovanni Veronesi)

2004 - BORSELLINO (di GianlucaTavarelli) (Mediaset)

2004 - APNEA (di Roberto Dordit)

2004 - MIO FIGLIO (di Luciano Odorisio) (Rai)

2003 - JE RESTE (di Diane Kurys)

2003 - SULLA MIA PELLE (di Valerio Jalongo)

2003 - PIAZZA DELLE CINQUELUNE (di Renzo Martinelli)

2003 - RICORDATI DI ME (di Gabriele Muccino)

2003 - CUORE DI DONNA prod. Art. Colonna sonora (di Franco Bernini) (Rai)

2002 - FERRARI (di Carlo Carlei) (Mediaset)

2002 - LAGUNA (di Dennis Berry)

2002 - LA VITA COME VIENE (di Stefano Incerti)

2001 - IL GIOVANE CASANOVA (di Giacomo Battiato) (Mediaset)

2001 - L’IMPERO (di Lamberto Bava) (Mediaset)

2001 - L’ULTIMO BACIO (di Gabriele Muccino)

2000 - PADRE PIO (Carlo Carnei) (Mediaset)

2000 - DER KARDINAL (di Berthold Mittermayr) (Zdf)

1999 - COME TE NESSUNO MAI (di Gabriele Muccino)

1999 - L’AMANTE PERDUTO (di Roberto Faenza)

1999 - UNA FARFALLA NEL CUORE (di Giuliana Gamba) (Rai)

1998 - CARAIBI (Lamberto Bava) (Mediaset)

1998 - ECCO FATTO (di Gabriele Muccino)

1998 - L’ELEFANTE BIANCO (di Gianfranco Albano) (Rai)

1998 - LA PIOVRA 9 (di Giacomo Battiato) (Rai)

1997 - DANCING NORTH (di Paolo Quaregna)

1997 - LA PIOVRA 8 (di Giacomo Battiato) (Rai)

Collaborazioni

2010 - ORA (Jovanotti)

2010 - GUARDA SEMPRE PIÙ IN LÀ (Buonvino/Tricarico)

2010 - BACIAMI ANCORA (Jovanotti)

2009 - ELETTRA (Carmen Consoli)

2007 - SENZA FIATO (Negramaro-Dolores O’Riordan)

2006 - EPPURE SENTIRE (UN SENSO DI TE) Elisa

2006 - EVA CONTRO EVA (Carmen Consoli)

2005 - NOITE E LUAR (Patrizia Laquidara)

2002 - L’ECCEZIONE (Carmen Consoli)

2002 - DISINCANTO (Mango)

2001 - L’ANFITEATRO E LA BAMBINA IMPERTINENTE (Carmen Consoli)

2000 - STATO DI NECESSITÀ (CarmenConsoli)

1994 - IL CAVALIERE DELL’INTELLETTO (Franco Battiato)

PROGRAMMA DEL CONCERTO

Saranno eseguiti, tra gli altri, brani tratti dalle seguenti colonne sonore

Il mio miglior nemico

Regia di Carlo Verdone

con Carlo Verdone e Silvio Muccino

L’ultimo Bacio

Regia di Gabriele Muccino

con Stefano Accorsi, Giovanna Mezzogiorno, Stefania Sandrelli, Pierfrancesco Favino,

Sabrina Impacciatore, Giorgio Pasotti, Claudio Santamaria

Come te nessuno mai

Regia di Gabriele Muccino

con Silvio Muccino

Manuale d’amore

Regia di Giovanni Veronesi

con Carlo Verdone, Luciana Littizzetto, Sergio Rubini, Margherita Buy, Silvio Muccino

Italians

Regia di Giovanni Veronesi

con Sergio Castelletto, Riccardo Scamarcio e Carlo Verdone

Baciami ancora

Regia di Gabriele Muccino

Con Stefano Accorsi, Vittoria Puccini, Pierfrancesco Favino, Sabrina Impacciatore,

Giorgio Pasotti, Claudio Santamaria

Caos Calmo

Regia di Antonello Grimaldi

con Nanni Moretti

Cemento armato

Regia di Marco Martani

con Nicolas Vaporidis, Giorgio Faletti, Carolina Crescentini

I Viceré

Regia di Roberto Faenza

con Alessandro Preziosi, Cristiana Capotondi, Lando Buzzanca

Ferrari

Regia Di Carlo Carlei

con Sergio Castellitto

Ricordati di me

Regia di Gabriele Muccino

con Laura Morante, Fabrizio Bentivoglio, Monica Bellucci, Gabriele Lavia

La Matassa

Regia Gianbattista Avellino, Salvo Ficarra, Valentino Picone

con Ficarra e Picone

Padre Pio

Regia di Carlo Carlei

con Sergio Castellitto

N io e Napoleone

Regia di Paolo Virzì

con Elio Germano, Monica Bellucci, Daniel Auteuil

Je reste

Regia Diane Kurys

con Sophie Marceau, Vincent Perez e Charles Berling

L’amante perduto

Regia di Roberto Faenza

con Ciaràn Hinds, Juliet Aubrey, Stuart Bunce, Clara Bryant

Manuale d’amore 2

Regia di Giovanni Veronesi

con Carlo Verdone, Monica Bellucci, Fabio Volo, Riccardo Scamarcio,

Sergio Rubini, Antonio Albanese

Biglietti:

Platea € 40.00 Ridotto € 35.00, Galleria € 30.00 Ridotto € 25.00, Galleria laterale € 20.00 Ridotto € 16.00

In vendita presso:

Auditorium Parco della Musica (www.auditorium.com, tel. 0680241281)

Listicket (89.29.82 - www.listicket.it)

Il berretto a sonagli

2012-01-19T09:03:00.000-08:00

fino al 29.I.2012

Il berretto a sonagli

Roma, Teatro Eliseo

Dopo quasi un secolo torna a Roma Il berretto a sonagli di Luigi Pirandello

L’entusiasmo del pubblico presente al Teatro Eliseo in occasione della prima della nota commedia pirandelliana in due atti Il berretto a sonagli ne conferma il grandioso e imperituro successo del testo dell’autore siciliano, magistralmente riportato in scena dal compianto regista Mario Bolognini, scomparso nel 2001, la cui attività di regia è stata poi ripresa da Sebastiano Lo Monaco, che peraltro interpreta contemporaneamente il ruolo del personaggio centrale della vicenda, Ciampa. La storia è ricca di realtà e paradosso. Beatrice Fiorìca (Clelia Piscitello) è vittima dei tradimenti del marito, il notabile Cavalier Fiorìca (che viene nominato, ma non è mai presente sulla scena), il quale intrattiene una relazione extraconiugale con la moglie del suo scrivano, il signor Ciampa (Sebastiano Lo Monaco). I sospetti spingono la donna ferita, spronata dalla Saracena, a sporgere denuncia nei confronti dei due “traditori”, con il preciso intento di portare la polizia a cogliere l’uomo e la donna in flagrante. Essi saranno quindi arrestati, ma la prima vittima sembra essere piuttosto Ciampa, uomo ferito nell’orgoglio e preoccupato per le conseguenze che lo scandalo generato dalla signora Fiorìca comporterà per la sua reputazione. Del resto, per Ciampa, gli uomini sono “pupi”, marionette, perché ognuno di noi riveste un ruolo, una maschera pubblica, che deve indossare con costante serietà. La signora Fiorìca, incurante di questo pensiero, calpesta il pupo di Ciampa, la cui ira raggiunge livelli altissimi. Le conseguenze dell’arresto sono tragiche per l’intera famiglia: la donna viene costretta dal fratello e dalla madre – consigliati da Ciampa – a fingersi pazza, in modo tale da ricondurre tutta la vicenda all’insanità mentale della donna e a riportare tutto in ordine.

Per definire la propria attività di regia, Mario Bolognini si era servito di parole memori della concezione dell’arte teatrale fatta propria dall’autore siciliano: «Una commedia nata e non scritta, così Pirandello ha definito il suo Berretto a sonagli. Su questo pensiero ho costruito la mia regia: viva e non scritta». Appare chiara dunque la volontà del regista di mantenersi fedeli all’idea pirandelliana secondo cui il teatro non sia altro che lo specchio della vita, della quale vengono riprodotti situazioni e personaggi plausibili, fino a farne delle “maschere nude”. Il regista aveva inoltre ripreso l’intento originario dell’autore di esaltare l’aspetto psicologico del protagonista della commedia scritta nel 1916 e portata in scena per la prima volta il 27 giugno 1917 presso il Teatro Nazionale di Roma, con la regia di Angelo Musco. Tale originaria versione ebbe una coloritura marcatamente dialettale, di cui del resto conserva traccia lo stesso titolo in siciliano ‘A birritta cu’ i ciancianeddi.

La versione portata all’Eliseo corrisponde invece alla seconda stesura pirandelliana in lingua italiana, risalente all’estate del 1918 e portata in scena nel 1923. Occorre inoltre ricordare che Eduardo De Filippo, dietro suggerimento dello stesso Pirandello, nel 1936 produsse una versione in dialetto napoletano della commedia.

Ammirevole l’interpretazione dell’intera compagnia teatrale, ma una nota di merito spetta senz’altro ai due attori incarnanti i personaggi cruciali della vicenda, ovvero le due vittime del tradimento, il Signor Ciampa, interpretato da Sebastiano Lo Monaco e la Signora Beatrice Fiorìca, ossia Clelia Piscitello.

Alla fine dello spettacolo, Lo Monaco ha reso noto al pubblico che in platea era presente niente poco di meno che il nipote dell’illustre autore della commedia, il signor Pierluigi Pirandello, il quale ha voluto omaggiare l’attore di un testo con la seguente dedica, letta dallo stesso attore, visibilmente imbarazzato ed emozionato: “A Sebastiano Lo Monaco, interprete senza pari dell’arte di Pirandello”.

vincenza accardi

spettacolo del 17 gennaio 2012

dal 17 al 29 gennaio 2012

Il berretto a sonagli

regia di Sebastiano Lo Monaco e Marina Biondi

Teatro Eliseo

Via Nazionale, 183 - 00184 Roma

Orari: martedì, giovedì e venerdì alle ore 20:45; mercoledì e domenica alle ore 17; sabato alle ore 16:30 e 20:45

Ingresso: da € 32 a € 9

Info: tel. +39 06488721;

info@teatroeliseo.it

di Luigi Pirandello

con Clelia Piscitello, Claudio Mazzenga

e con Franca Maresa, Rosario Petix,

Elena Aimone

Con la partecipazione di Isa Bellini

Scene Helena Calvarese

Costumi Cristina da Rold

Musiche Giovanni Zappalorto

Luci Giuseppe Di Stefano

Regia Mauro Bolognini

Ripresa da Sebastiano Lo Monaco

Sicilia Teatro

Cum panis

2012-01-19T08:58:00.000-08:00

TEATRO TOR BELLA MONACA

sabato 21 e domenica 22 gennaio.12 ore 16.30

Cum panis

un laboratorio per bambini dai 5 anni accompagnati dai genitori

un’idea di Sabina de Tommasi

realizzata dall’ Associazione Ersilio M.

con Elena Chiattelli, Eugenio Spagnol

foto Valeria Osti Guerrazzi

ingresso libero

con prenotazione obbligatoria

al numero 06.2010579

Sabato 21 e domenica 22 gennaio alle ore 16.30 il Teatro Tor Bella Monaca

porta in palcoscenico il profumo, la forma e il sapore dell’elemento più antico e prezioso della storia dell’uomo: il pane, protagonista di “Cum panis”, un laboratorio per bambini dai 5 anni accompagnati dai genitori, un’idea di Sabina de Tommasi realizzata dall’Associazione Ersilio M., con Elena Chiattelli ed Eugenio Spagnol.

Un’occasione di divertimento per liberare la fantasia e riscoprire il valore della condivisione e della collaborazione attraverso la narrazione delle tante storie e leggende intorno al pane, simbolo di civiltà e di vita che unisce tutti nel rispetto per le diversità dei popoli e delle culture.

Pane alimento primario. Essenziale in tutte le culture, in tutte le latitudini, in tutte le religioni. Pane secco da portare su in alta montagna, oppure nelle lunghe notti sul mare dei pescatori, gallette portate in guerra nel tascapane, pane bianco raffinato e morbido, pane croccante che odora di forno e di legna, pane di plastica finto, pagnotte grandi e pesanti, panini piccoli come bocconcini, pane raffermo. Per un tozzo di pane si fanno le guerre. Ma un tozzo di pane si divide con gli amici, e i nemici. Un tozzo di pane nutre, accomuna, rende compari di scampagnate, e compagni di vita.

Dopo aver impastato e atteso il tempo necessario alla lievitazione, ciascun bambino potrà portarsi a casa un tozzo di pane caldo alla fine dell’esperienza.

Piccola bibliografia

Simonetta Agnello Hornby Un filo d’olio, Sellerio editore Palermo

Rossella Barletta e Maria Rosaria De Lumè Grano & pane salentino, Edizioni del Grifo

Enzo Bianchi Il pane di ieri, Einaudi

Sandra Di Segni L’ebraismo vien mangiando, Giuntina

Predrag Matvejević Pane nostro, Garzanti

Alessandra Meldolesi Il libro del pane, Ponte alle Grazie

Giusi Quarenghi e Alessandra Mastrangelo Fame di pane, Slow Food editore

Cum panis

Teatro Tor Bella Monaca

via Bruno Cirino Roma

21 e22 gennaio ore 16.30

ingresso libero con prenotazione obbligatoria al numero 06.2010579

Per informazione: ufficio promozione 06.2010579

promozione@teatrotorbellamonaca.it

Orari Botteghino da martedì a sabato ore 11-14 e ore 15-19; domenica ore 15-19;

tutte le sere di spettacolo anche ore 20-21.30;

Ensemble intercontemporain

2012-01-19T08:51:00.000-08:00

Martedì 24 gennaio

ore 20.30

Aula Magna

Sapienza Università di Roma

Ensemble intercontemporain

E. OPHÈLE, flauto; A.BILLARD, clarinetto; J-M.CONQUER, violino,

E-M.COUTURIER, violoncello; O.AUBOIN, viola; S.VICHARD, pianoforte

Fausto Romitelli Domeniche alla periferia dell'impero: prima domenica

(1996/97) per flauto, clarinetto violino e violoncello

Pierre Boulez Pour le Dr Kalmus (1969)

per flauto, clarinetto, pianoforte, viola e violoncello

Luciano Berio Sequenza VI (1967)

per viola sola

Fausto Romitelli Domeniche alla periferia dell'impero: seconda domenica

(Omaggio a Gérard Grisey) (2000)

per flauto, clarinetto, violino e violoncello

Gérard Grisey Vortex temporum (1994/96)

per flauto, clarinetto, pianoforte, violino, viola

e violoncello

(Nell' ambito del Festival Controtempo 2012

organizzato da Académie de France à Rome - Villa Medici)

La IUC - Istituzione Universitaria dei Concerti presenta martedì 24 gennaio alle 20.30 all'Aula Magna della Sapienza un concerto dell'Ensemble intercontemporain, nell' ambito del Festival Controtempo 2012 organizzato da Académie de France à Rome - Villa Medici. Dal 1976, quando fu fondato a Parigi da Pierre Boulez, l'Ensemble intercontemporain si è imposto come un modello per il rigore, la precisione e la competenza nell'esecuzione della musica contemporanea. Sono in programma musiche di Pierre Boulez, Luciano Berio, Gérard Grisey e Fausto Romitelli, esponenti tra i più interessanti e originali di tre generazioni di compositori che hanno segnato indelebilmente la musica del nostro tempo.

Di Pierre Boulez sarà eseguito Pour le Dr Kalmus per flauto, clarinetto, pianoforte, viola e violoncello. Nato nel 1925, Boulez è stato tra i protagonisti assoluti della musica degli ultimi sessant'anni. Negli anni intorno al 1950, mosso dall'idea che dopo gli orrori del nazismo e della guerra, la musica non poteva essere più la stessa, ha stabilito i principi del "serialismo integrale", che rifiutava qualsiasi tipi di emotività e comunicazione, portando con intransigente razionalità (ha studiato matematica oltre che musica) alle estreme conseguenze le premesse delle avanguardie musicali del dopoguerra. Ha poi accolto nella sua musica l'improvvisazione e l'elettronica. Negli ultimi decenni le sue composizioni hanno progressivamente contemperato la sua propensione all'analisi estrema con la riscoperta della purezza formale e della raffinatezza timbrica, qualità proprie della musica francese e in particolare di Debussy, di cui Boulez non per caso è grandissimo interprete. Infatti, oltre che compositore, Boulez è uno dei maggiori direttore d'orchestra del nostro tempo: la sua carriera, iniziata come direttore della compagnia di Jean-Louis Barrault, lo ha portato alla direzione musicale dell'Orchestra Filarmonica di New York dal 1971 al 1977, e al podio delle più grandi orchestre internazionali, tra cui le Filarmoniche di Vienna e Berlino. Ha vinto 26 Grammy e un gran numero di altri premi internazionali.

Di Luciano Berio (1925-2003) si ascolterà la Sequenza VI per viola sola, che fa parte del ciclo di quattordici pezzi dallo stesso titolo dedicati ognuno a uno strumento diverso, di cui vengono esplorate tutte le possibilità sonore, creando una nuova forma di virtuosismo strumentale trascendentale. Queste composizioni, da cui Berio derivò anche materiali per altri suoi lavori, vanno dal 1958 al 2002 e costituiscono una colonna portante della sua produzione.

Di Fausto Romitelli (1963-2004) saranno eseguite le due parti di Domeniche alla periferia dell'impero. Nonostante la sua morte prematura, Romitelli ha lasciato un forte segno sulla musica contemporanea con la sua forte personalità e il suo stile originale, che alle sperimentazioni dell'avanguardia univa le sonorità del rock e della techno music, aprendo nuovi orizzonti sonori di grande impatto. La sua musica ha spesso un tono ipnotico e rituale, ma questo non impedisce una grande attenzione agli aspetti sociali del mondo contemporaneo e in particolare ai problemi della comunicazione. La seconda parte di questo ciclo di Romitelli è dedicata alla memoria del suo maestro Gérard Grisey.

Proprio Gérard Grisey (1946-1998) conclude il concerto con Vortex temporum. Il titolo indica un sistema di rotazione del suono, attraverso arpeggi ripetuti e le loro metamorfosi, che possono presentarsi in forma dilatata o estremamente concentrata, con effetti di grande suggestione. Questa ampia composizione è divisa in tre parti - ciascuna delle quali è dedicata a un compositore contemporaneo, lo svizzero Gérard Zinsstag, l'italiano Salvatore Sciarrino e il tedesco Helmut Lachenmann - separate da brevi interludi in cui la musica si riduce quasi al silenzio e permette di sentire il respiro degli ascoltatori. Una delle opere più originali di Grisey, considerato il fondatore della cosiddetta "musica spettrale", è Le Noir de l'Étoile, che capta e trasforma in segnali sonori le pulsazioni d'una stella; nel 2010 è stata eseguita al Parco della Musica con l'intervento di Margherita Hack, in una coproduzione di Musica per Roma e IUC nell'ambito del Festival delle Scienze.

*****

Fondato da Pierre Boulez nel 1976 con l'appoggio di Michel Guy (allora segretario di Stato alla Cultura) e la collaborazione di Nicholas Snowman, l’Ensemble intercontemporain riunisce 31 solisti che condividono la stessa passione per la musica dal ventesimo secolo a oggi. Costituitisi in gruppo permanente, partecipano alla missione dei diffusione, trasmissione e creazione fissati nello statuto dell’Ensemble.  Posti sotto la direzione musicale di Susanna Mälkki, collaborano, a fianco dei compositori, all’esplorazione delle tecniche strumentali e a progetti che uniscono musica, danza, teatro, cinema, video e arti plastiche.  Ogni anno l’Ensemble commissiona ed esegue nuove opere, che vanno ad arricchire il suo repertorio, aggiungendosi ai capolavori del ventesimo secolo. In collaborazione con l’Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique (IRCAM), l’Ensemble intercontemporain partecipa a progetti riguardanti nuove tecniche di generazione del suono. Gli spettacoli musicali per i giovani, le attività di formazioni dei giovani strumentisti, direttori d'orchestra e compositori, così come le numerose attività di sensibilizzazione del pubblico, rivelano un impegno profondo e internazionalmente riconosciuto al servizio della diffusione e dell'educazione musicale. Dal 2004, i solisti dell’Ensemble participano in qualità di tutors alla Lucerne Festival Academy, corso annuale de formazione di diverse settimane per giovani strumentisti, direttori d'orchestra e compositori del mondo intero. In residenza alla Cité de la musique (Parigi) dal 1995, l’Ensemble si esibisce e registra in Francia e all'estero, invitato da grandi festival internazionali.  Finanziato dal ministero della Cultura e della Comunicazione, l’Ensemble ha anche il sostegno della Città di Parigi.

BIGLIETTI:

Interi: da 12 euro a 20 euro (ridotti da 10 euro a 16 euro)

Giovani (under 30): 8 euro

Bambini (under 14): 4 euro

INFO per il pubblico

tel. 06 3610051

www.concertiiuc.it

botteghino@istituzioneuniversitariadeiconcerti.it

Shakespeare filosofo dell’essere

2012-01-19T08:48:00.000-08:00

Venerdì 20 gennaio ore 17

presso la sala Squarzina del Teatro Argentina

Masolino D’Amico, Giuseppe Manfridi, Franco Ricordi

e con la partecipazione di Karin Proia

presentano

Shakespeare filosofo dell’essere

L’influenza del poeta drammaturgo sul mondo moderno e contemporaneo

di Franco Ricordi

Prefazione di Emanuele Severino

Mimesis Edizioni

ingresso libero

Il nuovo libro del regista, attore teatrale e saggista, Franco Ricordi,

propone un viaggio filosofico alla riscoperta della geografia teatrale

attraverso l’intero corpus shakespeariano che ha influenzato l’occidente.

Venerdì 20 gennaio alle ore 17, presso la sala Squarzina del Teatro Argentina, si terrà la presentazione del nuovo libro di Franco Ricordi, “Shakespeare Filosofo dell’essere. L’influenza del poeta drammaturgo sul mondo moderno e contemporaneo” (ed. Mimesis). Con l’autore saranno presenti Masolino D’Amico, Giuseppe Manfridi e l’attrice Karin Proia che leggerà alcuni passi dell’opera. Seguirà dibattito.

Il massimo poeta e drammaturgo inglese è stato anche un abissale filosofo. Questo libro lo racconta e lo indaga in presa diretta, come può fare un attore che ha interpretato più volte la filosofia di Shakespeare. Franco Ricordi, infatti, propone una riflessione a partire dalla grande questione dell’Essere: il concetto oscuro e astratto, l’oscillazione continua fra l’essere e il nulla che rappresenta il grande leitmotiv del teatro shakespeariano e che si stempera in tutta la sua drammaturgia, collocandola a metà fra Eschilo e Leopardi, i due poeti-filosofi che proprio Severino ha indicato come l’inizio e il compimento del nichilismo occidentale.

Il libro di Ricordi prende in esame l’intero corpus shakespeariano in una suddivisione geografica che concepisce la drammaturgia di Shakespeare “più filosofica e più elevata della storia”, intravedendo in essa la denuncia di un nuovo “totalitarismo spettacolare”.

Per la prima volta in modo diretto, comparato e vissuto, Franco Ricordi fa rivivere la profondità di testi teatrali che hanno anticipato la rivoluzione poetica di Nietzsche. Interrogativi che richiamano l’angoscia della filosofia di Heidegger, Jaspers, Sartre. In un viaggio filosofico denso di poesia, il libro si spinge fino a un confronto vivo, italiano, contemporaneo con il pensiero di Emanuele Severino. Il tutto senza trascurare il confronto coi grandi del passato che Shakespeare conosceva come Eschilo.

Franco Ricordi, filosofo e uomo di teatro, è nato nel 1958. Attore dal 1978, con Ronconi, Lavia, Eduardo, laureato nel 1983, poi regista e direttore artistico, si è affermato fra le più interessanti personalità della scena italiana. Di Shakespeare ha diretto e interpretato Il mercante di Venezia, Romeo e Giulietta, Amleto e Macbeth. Direttore del Teatro Stabile d’Abruzzo e oggi Consigliere del Teatro di Roma, ha pubblicato quattro libri che si riassumono nella tematica di una nuova “Filosofia del dramma”.

La lampadina galleggiante

2012-01-18T11:08:00.000-08:00

fino al 29.I.2012

La lampadina galleggiante

Roma, Teatro Quirino

Una lampadina fluttuante nell'aria. È un trucco di Woody Allen.

Ieri sera la prima de “La lampadina galleggiante”, commedia in due atti che debutta per la prima volta in Italia. Nonostante gli ostacoli incontrati (la prima è stata posticipata di una settimana), la commedia di Woody Allen approda al Quirino sotto la produzione Teatro della città con grande clamore di pubblico.

Il 27 aprile 1981 al Vivian Beaumont Theatre di New York “The Floating Light Bulb” non ebbe molto successo; al contrario, dalle ovazioni in sala udite per la prima, si direbbe che gli spettatori abbiano molto gradito sia l'opera, sia l'interpretazione.

Lo spettacolo si è portato dietro da inizio anno varie polemiche suscitate dalla sostituzione dell'originaria protagonista, Giuliana De Sio, che per motivi di salute è stata rimpiazzata da Mariangela D'Abbraccio.

Alla conferenza di venerdì scorso per presentare l'allestimento alla stampa, si è respirato un clima insolito: promuovere una nuova commedia sì, ma soprattutto fare chiarezza sull'accaduto sia da parte del regista Armando Pugliese, sia da parte del produttore Orazio Torrisi, che per dovere di chiarezza ha stilato una nota di produzione allegata al comunicato stampa e alle note di regia.

Senza entrare nel merito della controversia, va constatato un debutto doppiamente difficile: la sostituzione della protagonista a meno di una settimane dalla prima, e uno sciame di polemiche che ha avvolto l'evento.

Tali complicazioni non hanno impedito alla rappresentazione di rivelarsi eccellente, e agli attori di dimostrarsi davvero convincenti: il padre interpretato da Mimmo Mancini, i due figli, Emanuele Sgroi e Luca Buccarello, e l'impresario Fulvio Balzarano. La D'Abbraccio, eccetto qualche minuscola incertezza, ha impersonato la madre in modo straordinario, specialmente col breve tempo a disposizione (cosa che ha detto in conferenza stampa esserle del tutto estranea, poiché avvezza a studiare i testi con larghissimo anticipo).

Da non sottovalutare la particolarità del testo: molto rari gli scambi di battute esilaranti alla slapstick comedy dei lavori alleniani, ma come ha detto Pugliese «pare piuttosto l'espressione teatrale di una riflessione più drammatica e approfondita».

Luce accesa su uno spaccato di vita del 1954 di Canarsie, quartiere sud-est di Brooklyn: «uno squallido appartamento che si affaccia sul tetro cortile interno, circondato dalle case circostanti, sì che si ha la sensazione di trovarsi in fondo ad un pozzo». La scenografia, curata da Andrea Taddei, rispecchia il senso di costrizione e di insoddisfazione in cui la famiglia ebrea protagonista imperversa: tre pareti di mattoni (neri lateralmente e rossi sullo sfondo) e tre camere arredate anni '50 che si fondono in unica stanza, in cui l'atmosfera intima stride col senso di soffocamento.

Le aspirazioni di ciascuno dividono i personaggi: il padre Max, cameriere, scommettitore e in balia degli strozzini, sogna di vincere alla lotteria e di fuggire con la giovane amante; la madre Enid si barcamena con pochi soldi a mandare avanti la casa e ad industriarsi in imprese poco fattibili; il figlio minore Steve, pigro nello studio e già avviato ad una promettente carriera da teppistello; il maggiore Paul, rifugiato nella prestidigitazione, trova interesse solo nell'esercitarsi con i suoi trucchi, ma destinato a fallire per la sua balbuzie e per il panico da palcoscenico; l'impresario Jerry, speranzoso in qualche talento che possa risollevargli la carriera.

Due gli oggetti cardine della commedia: la bottiglia di vino, che vive di moto perpetuo dal frigo al bicchiere di Enid, fino a raggiungere brevemente la spazzatura; e il telefono, finestra su un mondo ostile (la sorella di Enid) e presenza inquietante che incombe a turbare la famiglia (la giovane amante).

Ma il filo conduttore è senza dubbio la magia: tema che ritroviamo molto spesso nei lavori di Allen (anche nei film), è ciò che permette all'impossibile di essere possibile, ma che nasconde in sé anche un forte contrasto: è un mondo fatato che permette a Paul di sognare e di fuggire dalla realtà, ma quando diventa reale (l'esibizione o la stessa figura di Jerry, agente solo di un cane cantante) si connota di rifiuto e di mediocrità.

Illusione dall'inizio alla fine: “La lampadina galleggiante” si apre proprio sulla sagoma fluttuante tra le mani di Paul, e si chiude all'apice della crisi con tanti festoni dorati che piovono in modo grottesco su Enid, a ricordarci che non è una tragedia shakespeariana ma è Woody Allen.

sara iacobitti

dal 17 al 29 gennaio

La lampadina galleggiante

Teatro Quirino

Via delle Vergini, 7 Roma

Orario spettacoli: dal martedì al sabato ore 20.45 mercoledì 18 e 25 gennaio ore 16.45

tutte le domeniche ore 16.45

Info

botteghino 06/6794585

numero verde 800013616

mail info@teatroquirino.it

Prezzi

platea da € 33,00 a €28,50

I balconata da € 28,50 a €24,50

II balconata da € 23,50 a €20,50

galleria da € 18,00 a €15,00

Vi racconto un romanzo: Il porto di Toledo

2012-01-18T01:37:00.000-08:00

Vi racconto un romanzo: Il porto di Toledo

La sera del 16 gennaio 2012, Licia Maglietta ha letto “Il porto di Toledo” di Anna Maria Ortese, all’Auditorium Parco della Musica, Teatro Studio, Roma.

Un evento contenuto nel ricco calendario del programma di “Vi racconto un romanzo, capolavori italiani del dopoguerra”, appuntamenti unici ed imperdibili che danno voce ad autori che hanno segnato la storia della penisola. Dopo i tre cicli dedicati alla poesia, e quello dello scorso anno sul romanzo europeo, gli incontri letterari dell'Auditorium proseguono con otto capolavori della Narrativa Italiana del secondo dopoguerra.

Organizzati in forma di conversazione introduttiva all'ascolto del testo, insieme a Valerio Magrelli, si avvicenderanno sul palco ospiti che esamineranno alcune pagine degli autori scelti. Questa settimana a prender vita è stata l’opera: “Il porto di Toledo”, edita la prima volta ad opera della Rizzoli nel 1975, della BUR nel 1985 e dell’Adelphi nel 1998.

Fin dalla prima pubblicazione il romanzo non ebbe fortuna, fu da subito etichettato come un opera incomprensibile. Forse il suo rappresentare una sorta di diario di una memoria stravolta, di una adolescenza vissuta prima della guerra – e vissuta in una città visionaria (la Toledo del titolo) attraverso gli occhi di una tredicenne, Damasa, che «non sa il nome delle cose e soprattutto non sa nulla del tempo», ma è consapevole della presenza della figura di una enorme Tigre: la guerra. Qui, Napoli è ornata con vesti ispaniche, rappresentata metonimicamente dai quartieri Spagnoli. Tutti gli elementi della città, tra topografia e toponomastica, vengono trasfigurati in un’associazione fantastica a Napoli e Toledo.

In “Poveri e semplici” Ortese rivelò la propria coscienza dinanzi ad una realtà intollerabile e la sua responsabilità con la società bisognosa di giustizia. La scelta del titolo fu arbitraria ed ebbe ispirazione nel nome del quartiere napoletano, vicino al porto. Qui, si può individuare l’idea di mare inteso come fonte di libertà, crescita.

«Mi premeva di raccontare la breve storia di una fede (...), non so se ci sono riuscita» raccontò la scrittrice.

Tra le pagine si scorge un resoconto da un mondo dove «tutto ciò che si vede o accade è incantato o spaventoso», mentre nel cielo si profila l’immensa Tigre che è la guerra.

«Comprendevo adesso – scrivendo Toledo – una cosa: che ogni cosa è intimamente inconoscibile. Non per tutti. Per alcuni – e dovevo vedermi tra questi – l’inconoscibile è il vero. Un tempo, un paese possono essere senza lapidi, come la luna. E uomini e donne possono non avere vero nome, essere unicamente forze ostinate, ignoti suoni. C’è la storia fuori, c’è la Tigre nel cielo; e qui, nulla. Come in una casa (città) dimenticata», affermò A. Maria Ortese.

L’autrice, nata a Roma nel 1914 e morta a Rapallo nel 1998, fu una donna che si affidò sempre alle sollecitazioni del mondo esterno per comporre ma non si sentì mai parte della realtà che la circondava.

Il suo lavoro ha oscillato tra l’inchiesta giornalistica e l’inventiva narrativa, rifiutando sempre programmi ideologici o di poetica.

Il romanzo, chiaramente autobiografico, attraverso un linguaggio ardito e a tratti misterioso, esplorava gli sconfinati abissi dell’animo umano, proiettando la vita dell’uomo in una dimensione di eternità, oltre la storia.

«Se un libro ha anima – quest’anima non vive senza una perfetta costruzione – come l’anima delle creature non vive - non si rivela - che attraverso la misura fisica. Questa costruzione può anche non essere del tutto felice (dotata di bellezza), ma deve esserci per dare validità alla cosiddetta “anima”. Non mi pare – ma forse non ricordo bene – che la costruzione “Toledo” sia solida e consenta al libro di respirare davvero. Non penso minimamente ad una ristampa presso Adelphi. Né la pensa certo il dott. Calasso – né la Rizzoli-BUR a cui il libro sempre appartiene», scriveva A.Maria Ortese in una lettera indirizzata al prof. P. Lubrano.

(https://sites.google.com/site/pasqualelubranolavadera/Home/libri-e-romanzi)

Anna Maria Ortese nasce a Roma nel 1914, figlia di genitori del Sud. Con la chiamata alle armi del padre, nel 1915, la famiglia attraversa gravi difficoltà economiche.

Dopo varie peripezie, si stabilisce a Napoli. I suoi studi si sviluppano in maniera irregolare, ma nel 1933, la morte del fratello, marinaio mercantile in Martinica, la spinge a scrivere prose e poesie.

Nel 1937 pubblica Angelici dolori, mentre è del 1953 "II mare non bagna Napoli", il cui ultimo racconto, dedicato agli scrittori napoletani col titolo Il silenzio della ragione, suscita accesi dibattiti.

II silenzio della ragione, dedicato agli scrittori napoletani suscita in città violente opposizioni, tanto che la scrittrice avrà difficoltà a tornare a Napoli, almeno fisicamente, perché la sua mente non finirà mai di ricordare la città, come testimoniano i due libri scritti molti anni più tardi: "II porto di Toledo" e "II Cardillo addolorato" (1993). Inizia per donna un periodo molto sofferto e problematico, d'emarginazione e di strisciante ostracismo, a causa delle sue posizioni critiche nei confronti del mondo intellettuale e culturale dell'Italia dell'epoca. Riprende a viaggiare sia in Italia sia all'estero (Londra, Mosca) componendo magistrali reportages. Nel 1965 esce "L'iguana", e dieci anni dopo, "Il Porto di Toledo", cui continuerà a lavorare fino alla morte. In un isolamento sempe più accentuato (anche per via della madre impazzita), alla metà degli anni settanta si trasferisce definitivamente con la sorella a Rapallo, usufruendo della Legge Bacchelli. I suoi ultimi libri sono "Il cardillo addolorato" (1993) e "Alonso e i visionari" (1997). Si spegne a Rapallo nel 1998.

fabiana traversi

dal 11/10/2011

al 07/05/2012

Vi racconto un romanzo

Auditorium Parco della Musica, Roma

Teatro Studio, ore 21

calendario rassegna: www.auditorium.com/eventi/rassegne/5075639

Biglietti: Posto unico: 15.00 euro

Abbonamento 8 appuntamenti 80€